{"lots":[{"startPrice":160000,"sold":false,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29283/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29283/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29283/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29283/004/004.jpg"],"available":false,"description":{"de":"jawlensky, alexej \n 1867 twer/moskau - 1941 wiesbaden \n \n \n titel: blick auf murnau. \n \n datierung: um 1908. \n \n technik: öl auf malpappe. \n \n montierung: auf leinwand kaschiert. \n \n maße: 27,5 x 35,5cm. \n \n bezeichnung: signiert unten links: jawlensky. \n \n rahmen/sockel: modellrahmen. \n \n das gemälde war ursprünglich doppelseitig gemalt und wurde 1977 getrennt. die andere seite ist die wvz.-nr. 146, welche eine wasserburger landschaft zeigt. \n \n provenienz: \n - atelier des künstlers \n - adolf frank, braunschweig (1921 direkt vom künstler) \n - gustav forstenzer, braunschweig/new york (1924 durch erbschaft von vorherigem) \n - serge sabarsky gallery, new york (1981) \n - privatsammlung, südamerika/deutschland (1982 von vorheriger erworben) \n \n literatur: \n - jawlensky, maria/pieroni-jawlensky, lucia/jawlensky, angelica: alexej von jawlensky - catalogue raisonné of the oil paintings, vol. one, 1890-1914, münchen 1991, wvz.-nr. 215 \n \n \n - eines der ersten murnau-gemälde, erfüllt von einer glühenden, farbintensiven abendstimmung \n \n - ein schlüsselwerk für alexej von jawlenskys aufbruch zur expressionistischen ausdruckskunst \n \n - das bild dokumentiert einen besonderen moment in der deutschen kunstgeschichte \n \n \n von der akademie zur avantgarde \n die entdeckung der bildenden kunst wird für den jungen alexej von jawlensky zu einem erweckungserlebnis - einem wendepunkt im leben des jungen mannes, der im zaristischen russland von seiner familie für die militärische laufbahn bestimmt war. heute gilt jawlensky als ein maßgebender vertreter des deutschen expressionismus und zählt zu den prägenden persönlichkeiten der internationalen kunstgeschichte. der mitbegründer und geistige wegbereiter des blauen reiters verleiht der modernen kunst in bildnissen, landschaften und stillleben eine neue, spirituell durchdrungene ausdruckskraft, die in der meditativen bildsprache der ikonengleichen köpfe seines spätwerks zur vollendung gelangt. \n nach einer soliden ausbildung an der akademie der künste in sankt petersburg übersiedelt jawlensky gemeinsam mit seiner kollegin und förderin marianne von werefkin 1896 nach münchen - damals eine hochburg des jugendstils und pulsierendes zentrum avantgardistischer strömungen. im leidenschaftlichen ringen um eine neue, wahrhaftige bildsprache findet er in wassily kandinsky einen engen freund und weggefährten. ausgedehnte aufenthalte in frankreich zwischen 1903 und 1907 bringen jawlensky mit der flammenden farbwelt von vincent van gogh, der symbolkraft von paul gauguins gemälden und der kühnen formensprache der fauves um henri matisse in berührung. sie geben seiner malerei entscheidende impulse. \n \n \n murnau als tor zur neuen kunst \n im sommer 1908 kommt es in murnau am staffelsee zur legendären zusammenarbeit zwischen alexej von jawlensky, marianne von werefkin, wassily kandinsky und gabriele münter - einem ort, den jawlensky und werefkin im herbst 1907 auf ihren streifzügen durch das oberbayerische voralpenland entdeckt haben. hier löst sich der künstler endgültig von der naturgetreuen darstellung und macht die farbe zum träger seelischer empfindung. die in murnau entstandenen bilder (abb. 1 und 2) vereinen die äußere landschaft mit einer inneren vision, sie markieren den entscheidenden schritt vom neoimpressionismus zum expressionismus. die sichtbare welt ist für jawlensky fortan nur noch anlass, das nicht sichtbare zu gestalten und die seele in ausdrucksstarken, elementaren farbkompositionen zum klingen zu bringen. \n das gemälde \"blick auf murnau\" fängt die besondere atmosphäre des bayerischen voralpenlands in kraftvollen farben und klar gegliederten formen ein. über den roten dächern des ortes erhebt sich die schlanke turmspitze der kirche st. martin als stiller orientierungspunkt im bildraum. jawlensky gestaltet die szenerie in großzügigen, summarischen flächen und einem delikaten kolorismus: landschaft, dorf und himmel sind nach dem vorbild der cloisonné-technik der französischen nabis in leuchtende, von dunklen konturen umschlossene zonen gegliedert. räumliche tiefe weicht einer beinahe ornamentalen flächenhaftigkeit. der kontrast von warmen rot- und kühlen blau- und grüntönen steigert die emotionale wirkung. das glühen der dächer und das geheimnisvolle violett des himmels verleihen dem werk eine beinahe sakrale, kontemplative stimmung. \n so wird der \"blick auf murnau\" zu einem schlüsselwerk im übergang vom impressionistischen sehen zum expressionistischen empfinden - ein eindrucksvolles beispiel für jawlenskys suche nach dem geistigen in der kunst. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n alexej jawlensky russland expressionismus moderne kunst unikate 1900er modellrahmen landschaft papierarbeit öl dorf","en":"jawlensky, alexej 1867 twer/moscow - 1941 wiesbaden \n \n \n title: blick auf murnau. \n \n date: ca. 1908. \n \n technique: oil on cardboard. \n \n mounting: laid down on canvas. \n \n measurement: 27,5 x 35,5cm. \n \n notation: signed lower left: jawlensky. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n the painting was originally painted on both sides and was separated in 1977. the other side is cat. rais. no. 146, which depicts a landscape in wasserburg. \n \n provenance: \n - artist's studio \n - adolf frank, braunschweig (1921, directly from the artist) \n - gustav forstenzer, braunschweig/new york (1924 through inheritance from the previous owner) \n - serge sabarsky gallery, new york (1981) \n - private collection, south america/germany (1982 acquired from the previous owner) \n \n literature: \n - jawlensky, maria/pieroni-jawlensky, lucia/jawlensky, angelica: alexej von jawlensky - catalogue raisonné of the oil paintings, vol. one, 1890-1914, munich 1991, cat. rais. no. 215 \n \n \n - one of the first murnau paintings, filled with a glowing, colour-intensive evening atmosphere \n \n - a key work in alexej von jawlensky's transition to expressionist art \n \n - the painting documents a special moment in german art history \n \n from the academy to the avant-garde the discovery of fine art became a revelatory experience for the young alexej von jawlensky \u2013 a turning point in the life of a young man who, in tsarist russia, had been destined by his family for a military career. today, jawlensky is regarded as a leading representative of german expressionism and one of the most influential figures in international art history. the co-founder and spiritual pioneer of der blaue reiter lent modern art a new, spiritually imbued expressiveness in his portraits, landscapes and still lifes, which reached its zenith in the meditative imagery of the icon-like heads in his late work. \n \n after a solid education at the academy of arts in saint petersburg, jawlensky moved to munich in 1896 with his colleague and patron marianne von werefkin \u2013 at that time a stronghold of art nouveau and a vibrant centre of avant-garde movements. in his passionate struggle for a new, authentic visual language, he found a close friend and companion in wassily kandinsky. extended stays in france between 1903 and 1907 brought jawlensky into contact with the flamboyant colours of vincent van gogh, the symbolic power of paul gauguin's paintings and the bold formal language of the fauves around henri matisse. these experiences gave his painting decisive impetus. \n \n \n murnau as a gateway to new art in the summer of 1908, a legendary collaboration between alexej von jawlensky, marianne von werefkin, wassily kandinsky and gabriele münter took place in murnau am staffelsee \u2013 a place that jawlensky and werefkin had discovered in the autumn of 1907 on their wanderings through the upper bavarian alpine foothills. here, the artist finally broke away from lifelike representation and made colour the vehicle for emotional expression. the paintings created in murnau combine the external landscape with an inner vision, marking the decisive step from neo-impressionism to expressionism. from then on, the visible world was merely an occasion for jawlensky to shape the invisible and give voice to the soul in expressive, elemental colour compositions. \n the painting \"blick auf murnau\" (view of murnau) captures the special atmosphere of the bavarian alpine foothills in powerful colours and clearly structured forms. above the red roofs of the village, the slender spire of st. martin's church rises as a silent point of orientation in the pictorial space. jawlensky renders the scenery in generous, summary surfaces and a delicate colourism: the landscape, village and sky are structured into luminous zones enclosed by dark contours, following the example of the cloisonné technique of the french nabis. spatial depth gives way to an almost ornamental flatness. the contrast between warm reds and cool blues and greens heightens the emotional impact. the glow of the roofs and the mysterious violet of the sky lend the work an almost sacred, contemplative mood. \n \n thus, \"blick auf murnau\" becomes a key work in the transition from impressionist vision to expressionist sensibility \u2013 an impressive example of jawlensky\u2019s search for the spiritual in art. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n alexej jawlensky russia modern art 1900s craftman's frame landscape works on paper oil village"},"estimateMax":300000,"lotNumber":"1","title":{"de":"alexej jawlensky: blick auf murnau","en":"alexej jawlensky: blick auf murnau"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29283/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":160000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.938Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac200,000 - 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(hier mit falscher provenienzangabe seitens sonja mataré) \n - vgl. schilling, sabine maja: ewald mataré - das plastische werk, werkverzeichnis, köln 1987, wvz.-nr. 29 (hier geführt der bronzeguss nach verlorenem holzoriginal) \n \n \n - die skulptur galt seit ewigkeiten als verschollen und war bisher nur ohne abbildung dokumentiert - eine absolute wiederentdeckung im oeuvre des künstlers \n \n - aus edlem amaranth-holz geschnitzt - mit den plastiken der 1920er-jahren leistet mataré einen wegweisenden beitrag zur deutschen kunstgeschichte \n \n - nur sehr selten werden holz-skulpturen auf dem internationalen kunstmarkt angeboten - sie befinden sich fast ausschließlich in öffentlichem besitz \n \n \n von mataré zu van ham \n die holzskulptur \"liegende kuh mit erhobenem kopf\" ist auf keiner der ausstellungen, an denen sich mataré vor dem zweiten weltkrieg beteiligte, nachweisbar, weder in seinen ausstellungen bei der sezession in berlin und der novembergruppe in berlin, weder in den einzelausstellungen in witten (1933) und krefeld (1935), von denen jeweils raumaufnahmen existieren. auch auf den skizzen die hugo kükelhaus machte von den ausgestellten skulpturen in der nazi-verkaufsausstellung auf schloss schönhausen ist die skulptur nicht erkennbar. \n der sammler julian manheimer hat die skulptur vermutlich unmittelbar von mataré erworben. manheimer war ein bekannter sammler von altmeistergraphik, mit einer spezialisierung auf dürer und rembrandt. graphische blätter aus seiner sammlung kommen noch heute regelmäßig auf auktionen vor. auch besaß manheimer eine sammlung expressionistischer druckgraphik. bei seinem umzug in die schweiz konnte er seine kunstsammlung und auch diese skulptur mitnehmen. \n julian manheimer wurde am 10. oktober 1871 in posen geboren. in berlin leitete er seit 1903 die firma wittkowsky, holzindustrie, die 1903 gegründet wurde und auf birkenholzarbeiten für die flugzeug- koffer- und automobilindustrie spezialisiert war. in den dreißiger jahren wanderte er in die schweiz aus und verstarb 1947 in zürich. seine einzige tochter ruth fischer, eine tänzerin, erbte seine sammlung. in den 1930er jahren war sie, aus balboa, panama kommend, in die usa eingewandert, wo sie sich in san francisco niederließ und 1939 mit ihrem ehemann siegfried fischer einen antrag auf einbürgerung stellte. nach der scheidung verwendete sie ihren künstlernamen ruth reinheimer wieder. sie arbeitete in san francisco in einem juweliergeschäft bei der mutter des jetzigen eigentümers. nachdem beide sich angefreundet hatten, vermachte ruth fischer ihr, bei ihrem tode 1987, alle kunstwerke, u.a. matarés \"liegende kuh mit erhobenem kopf\". der sohn, heute 95 jahre alt, hat die kuh seitdem besessen und sich für den verkauf an van ham gewandt. \n \n \n eine skulptur von größter seltenheit \n die \"liegende kuh mit erhobenem kopf\" ist eine der wenigen holzskulpturen aus dem frühwerk matarés, die sich noch in privatbesitz befinden. mataré hat seine holzskulpturen lange selbst behalten. sie dienten ihm als vorlage für seine güsse in bronze, die meisten befinden sich in öffentlichem besitz. \n die skulptur stammt aus der mitte der 1920er jahre, eine sehr fruchtbare phase im werk von mataré. ausgebildet als maler an der berliner hochschule fand mataré anfang der 1920er jahre, inspiriert durch fundhölzer am strand, in die er mit einem taschenmesser motive hineinschnitt, zum holzschnitt, zunächst unter einfluss des expressionismus. über das flachrelief findet er 1922 den weg zur plastik. bereits seine ersten skulpturen sind aus besonderem holz geschaffen. während der langen sommeraufenthalte an nord- und ostsee faszinieren ihn kühe in ihren unterschiedlichen haltungen, vor allem wegen der ruhe, die diese liegend, stehend oder kauernd ausstrahlen. um diese ruhe bildhauerisch zu erfassen, verwendet er eine sehr reduzierte formensprache. seine arbeitsweise ist ebenso langsam wie behutsam. 1924 erwirbt er in hamburg einen großen block (750 pfund schwer) exotisches, indisches (sehr hartes) amaranth-holz, welches er für wenige plastiken verwendet. auch die maserung des holzes spielt eine wichtige rolle, wie bei unserer kuh, wo diese in einer flachen kurve die liegende haltung des tieres betont. zu den arbeiten aus diesem holzblock, zählen liegende kühe und ein hahn. stilistisch bilden diese arbeiten eine einheit. am 5. juli 1924 schreibt mataré in seinem tagebuch über das holz: \"nun habe ich eine kuh darin geschnitzt, mit großer körperlicher anstrengung, denn es ist sehr hart und meine hilfsmittel sind sehr gering.\" bei der arbeit zieht er sich eine sehnenentzündung zu, wenig später zerbrach der meißel. mataré beklagt sich zudem des öfteren über brüche der hörner oder beine bei der arbeit an seinen skulpturen und erfährt diese als bestandteil seiner arbeitsweise. auch bei dieser hier angebotenen skulptur brach der vordere kopfteil der plastik vom körper. durch einen durch den künstler eingebrachten pflock am unteren hals, welcher aus demselben holzblock geschnitzt wurde, \"reparierte\" mataré gekonnt seinen schaden. \n der \"kuh mit erhobenem kopf\" nächst verwandt ist die \"große kniende kuh\" (wvz-nr. 32; abb. 1), die 1928 von der berliner nationalgalerie erworben wurde, als entartet aussortiert wurde und sich heute im kunstmuseum bern befindet. eine weitere, sehr ähnlich konzipierte, aus demselben holzblock gearbeitete liegende kuh mit kurzen hörnern befindet sich noch in privatbesitz, eine weitere, stehende, im saarland museum in saarbrücken (wvz.-nr. 28; abb. 2). am 10. juni 1924, auf list, schreibt mataré in seinem tagebuch: \n \"(...) ich schnitze an einer liegenden kuh, ein tier, das immer neu auf mich wirkt, dieses tier ist ganz ohne gedanken, ganz empfindung und damit erhebt es sich groß und rein\". es ist undeutlich, ob mataré hier die berner kuh oder die \"kuh mit erhobenem kopf\" meint. \n die hier angebotene plastik zählt zu den wichtigsten frühen holz-arbeiten matarés der 1920er jahre. bis jetzt sind auch nur zwei bronze-güsse (abb. 3) dieser original-plastik bekannt geworden. es ist eine absolute sensation, dass diese lange als verschollen gehaltene holzplastik nun wieder aufgetaucht ist und seit über 25 jahren überhaupt wieder eine holzkuh zur versteigerung kommt. \n guido de werd \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n ewald mataré deutschland expressionismus kubismus moderne kunst objekte 1920er kuh skulptur holz tier","en":"mataré, ewald \n 1887 aachen - 1965 büderich \n \n \n title: liegende kuh mit erhobenem kopf. \n \n date: ca. 1925. \n \n technique: amaranth wood. \n \n measurement: 12 x 30 x 12cm. \n \n notation: artist's signet underneath. \n \n provenance: \n - julian manheimer collection, zurich (presumably acquired directly from the artist) \n - ruth fischer collection, san francisco (from the previous owner by inheritance) \n - private collection, california (from the previous owner by inheritance) \n \n literature: \n - schilling, sabine maja/werd, guido de: ewald mataré - das plastische werk, catalogue raisonné, vol. ii, cologne 2024, cat. rais. no. 34, no. ill. (here with incorrect provenance information provided by sonja mataré) \n - cf. schilling, sabine maja: ewald mataré - das plastische werk, catalogue raisonné, cologne 1987, catalogue raisonné no. 29 (here listed as a bronze cast after a lost wooden original) \n \n \n - the sculpture had been considered lost for ages and had previously only been documented without an illustration \n \n - an absolute rediscovery in the artist's oeuvre \n \n - carved from fine amaranth wood \n \n - with his sculptures from the 1920s, mataré made a pioneering contribution to german art history \n \n - wooden sculptures are very rarely offered on the international art market - they are almost exclusively in public collections \n \n from mataré to van ham the wooden sculpture \"liegende kuh mit erhobenem kopf\" (reclining cow with raised head) cannot be found in any of the exhibitions in which mataré participated before the second world war, neither in his exhibitions at the secession in berlin and the novembergruppe in berlin, nor in the solo exhibitions in witten (1933) and krefeld (1935), of which photographs of the rooms exist. the sculpture is also not recognisable in the sketches hugo kükelhaus made of the sculptures exhibited at the nazi sales exhibition at schönhausen palace. \n the collector julian manheimer probably acquired the sculpture directly from mataré. manheimer was a well-known collector of old master prints, specialising in dürer and rembrandt. prints from his collection still regularly appear at auctions today. manheimer also owned a collection of expressionist prints. when he moved to switzerland, he was able to take his art collection and this sculpture with him. \n julian manheimer was born on 10 october 1871 in posen. in berlin, he managed the wittkowsky wood industry company, which was founded in 1903 and specialised in birch woodwork for the aircraft, suitcase and automobile industries. in the 1930s, he emigrated to switzerland and died in zurich in 1947. his only daughter, ruth fischer, a dancer, inherited his collection. in the 1930s, she emigrated from balboa, panama, to the united states, where she settled in san francisco and applied for citizenship with her husband siegfried fischer in 1939. after their divorce, she resumed using her stage name ruth reinheimer. she worked in san francisco in a jewellery shop owned by the mother of the current owner. after the two became friends, ruth fischer left her all her artworks, including mataré's \u2018reclining cow with raised head\u2019, upon her death in 1987. her son, now 95 years old, has owned the cow ever since and has turned to van ham for its sale. \n \n \n a sculpture of great rarity \"liegende kuh mit erhobenem kopf\" is one of the few wooden sculptures from mataré's early work that is still in private ownership. mataré kept his wooden sculptures for a long time. they served as models for his bronze casts, most of them are in public ownership. \n the sculpture dates from the mid-1920s, a very productive phase in mataré's work. trained as a painter at the berlin university of the arts, mataré discovered woodcut in the early 1920s, inspired by pieces of driftwood he found on the beach, into which he carved motifs with a pocket knife, initially under the influence of expressionism. \n in 1922, he found his way to sculpture via bas-relief. even his first sculptures were made from special wood. during his long summer stays on the north sea and baltic sea coasts, he was fascinated by cows in their different postures, especially because of the calmness they radiated when lying, standing or crouching. in order to capture this calmness in his sculptures, he used a very reduced formal language. \n his working method was as slow as it was careful. in 1924, he acquired a large block (weighing 750 pounds) of exotic, indian (very hard) amaranth wood in hamburg, which he used for a few sculptures. the grain of the wood also played an important role, as in our cow, where it emphasises the animal's reclining posture in a flat curve. the works from this block of wood include reclining cows and a rooster. stylistically, these works form a unity. on 5 july 1924, mataré wrote about the wood in his diary: \u2018now i have carved a cow in it, with great physical effort, because it is very hard and my tools are very limited.\u2019 he suffered tendonitis while working, and shortly afterwards the chisel broke. mataré also often complained about broken horns or legs while working on his sculptures and experienced this as part of his working method. in the sculpture offered here, the front part of the head broke off from the body. mataré skilfully \u2018repaired\u2019 the damage by inserting a peg at the lower neck, which was carved from the same block of wood. \n the \"cow with raised head\" is most closely related to the \"large kneeling cow\" (wvz no. 32; fig. 1), which was acquired by the berlin national gallery in 1928, was rejected as degenerate and is now in the kunstmuseum bern. another very similar reclining cow with short horns, carved from the same block of wood, is still in private ownership, and another standing cow is in the saarland museum in saarbrücken (wvz no. 28; fig. 2). on 10 june 1924, in list, mataré wrote in his diary: \n \"(...) i am carving a reclining cow, an animal that always has a new effect on me. this animal is completely without thought, completely sensation, and thus it rises up large and pure.\u2018 it is unclear whether mataré is referring to the bernese cow or the \u2019cow with raised head.\" \n the sculpture offered here is one of mataré's most important early wood works from the 1920s. to date, only two bronze casts of this original sculpture are known to exist. it is an absolute sensation that this wooden sculpture, long thought to be lost, has now reappeared and that a wooden cow is being auctioned again for the first time in over 25 years. \n guido de werd \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n ewald mataré germany cubism modern art sculptures 1920s cow sculpture wood animal"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"2","title":{"de":"ewald mataré: liegende kuh mit erhobenem kopf","en":"ewald mataré: liegende kuh mit erhobenem kopf"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29284/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"soldPrice":130000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.977Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - \u20ac120,000","currency":"EUR","id":29284,"category":{"de":"Mod. 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werkverzeichnis der aquarelle und zeichnungen aufgenommen. \n \n provenienz: \n - galerie neher, essen (aufkleber) \n - privatsammlung hessen (1989 von vorheriger erworben) \n \n \n - kraftvoll, fesselnde landschaftsdarstellung in noldes charakteristischer fulminanten nass-in-nass technik \n \n - ein besonders farbgewaltiges beispiel noldes hoch gefragter marschlandschaften mit den hohen, bildfüllenden himmeln \n \n - nolde zählt zu den größten aquarellisten des 20. jahrhunderts \n \n \n ein bewegtes leben \n als viertes von fünf kindern wächst der junge emil hansen in einer alteingesessenen bauernfamilie im dorf nolde in nord-schleswig auf. er möchte künstler werden und findet mit dem dies ablehnenden vater den kompromiss, in flensburg eine lehre zum holzschnitzer und möbelzeichner zu machen. zugleich bildet er sich an der dortigen kunstgewerbeschule weiter. nach wanderjahren bekommt der junge mann 1892 eine anstellung als zeichen- und kunstgewerbe-lehrer in st. gallen. dort hat er großen finanziellen erfolg mit der selbst verlegten auflage humorvoll gezeichneter postkarten. das kleine vermögen, das er hiermit verdient, sichert ihm für mehrere jahre ein dasein als selbständiger künstler. \n emil hansen bildet sich in den zentren der kunst fort: in münchen wird er 1898 an der akademie zwar abgelehnt, besucht dann aber die private malschule adolf hölzels. 1899 reist er für neun monate nach paris, besucht kurse in der académie julian, bildet sich in den museen an altmeistern fort und ist beeindruckt von den werken eduard manets und edgar degas'. ab 1902, anlässlich der hochzeit mit der dänin ada vilstrup, legt er seinen geburtsnamen ab und nennt sich nach seinem heimatort \"emil nolde\". \n das paar lebt überwiegend auf der damals zu preußen gehörenden ostsee-insel alsen, verbringt die winter jedoch weitgehend in berlin. hier sieht er werke von paul gauguin und vincent van gogh, die ihn in seiner hinwendung zur malerei der reinen farbe bestärken. nolde nimmt inzwischen an zahlreichen ausstellungen teil, aber seine mit der zeit immer schwieriger gewordene finanzielle situation konsolidiert sich nur langsam. vorübergehend wird er mitglied der künstlergruppe \"brücke\". nach einem streit mit max liebermann endet auch seine kurze mitgliedschaft in der berliner sezession mit einem bruch. emil nolde folgt georg tappert 1910 in die \"neue sezession\". zu dieser zeit wird er in weiten kreisen der kunstwelt bekannt und gilt kennern als einer der führenden deutschen expressionisten. 1913 begleitet der maler gemeinsam mit seiner frau für sechs monate eine expedition nach deutsch-neu-guinea; diese reise eröffnet ihm einen neuen themenkreis. drei jahre später zieht das paar auf die nordsee-seite schleswigs, in die deutsch-dänische grenzregion, die nach dem krieg dänemark zugeschlagen wird. emil nolde entscheidet sich, die dänische staatsangehörigkeit seiner frau anzunehmen, die er für den rest seines lebens behalten wird. \n im laufe der 1920er jahre wird emil nolde einer der bekanntesten und bestbezahlten künstler deutschlands. zu seinem 60. geburtstag 1927 wird in dresden eine große retrospektive mit 433 seiner werke ausgerichtet, die anschließend in weiteren städten präsentiert wird. noldes kunst wird von allen führenden museen im deutschen reich und von vielen modern ausgerichteten sammlern angekauft. nolde wird mitglied der preußischen akademie der künste und bekommt von der universität kiel eine ehrendoktorwürde verliehen. er gilt - und sieht sich selbst - als der urdeutsche, nordische maler, der mit seiner kraftvollen kunst das frühe 20. jahrhundert prägt. \n aus dieser höhe fällt er tief, als das kunst-diktat der nationalsozialisten seine werke 1937 als \"entartet\" brandmarkt und ihm 1941 ein berufsverbot auferlegt. nolde zieht sich in sein in den 1920er jahren gebautes haus \"seebüll\" zurück; er malt viele kleinformatige aquarelle, die er selbst \"ungemalte bilder\" nennt. \n nach dem krieg kann emil nolde nahtlos an seine große karriere der 1920er und frühen 1930er jahre anschließen und beeinflusst auch die nachkriegsmoderne. er wird national und international in museen ausgestellt, erhält zahlreiche ehrungen und auszeichnungen, ist mehrfach auf der biennale von venedig vertreten und auch auf der \"documenta1\" 1955. 1956 stirbt emil nolde in seebüll. \n \n \n die marschlandschaften \n unter dem hohen, weiten himmel, an dem sich farbgewaltige wolken auftürmen, erstreckt sich die ebene der marschlandschaft. im summarisch, als grüner streifen gemalten land stehen ein rotes haus mit tief herunter gezogenem dach. das gebäude ist zur rechten bildseite hin verschoben. mit minimalen mitteln schafft emil nolde es, die topografie zu schildern: die durchgezogene linie, parallel zum horizont und zum unteren bildrand verlaufend, wirkt als zuweg zum gehöft. zum rechten bildrand hin, dort wo buschwerk an das haus anschließt, fällt diese linie ab. das haus steht also am rand einer senke. \n und über dieser minimal akzentuierten weite steht der phantastische himmel. eine wolkenballung in tiefdunklem violett und mittelblau schwebt vor dem leuchtenden hellblauen und goldgelben abendhimmel. wirklich bedrohlich wirkt die stimmung nicht. der helle streifen am horizont, der auch die dunklen wolken rahmt, suggeriert eher eine friedvolle stimmung. die drohenden wolken werden weiterziehen. \n der himmel über der weiten landschaft seiner heimat lieferte emil nolde die wunderbarsten vorlagen für seine aquarelle. die sich ständig wandelnde vielfarbigkeit der wolkenbilder konnte er von seinem atelier in seebüll aus ständig beobachten. in diesem von der stiftung seebüll auf die zeit um 1935 datierten, farbfrischen blatt ist deutlich, dass das motiv des hofes vor allem dazu dient, die maßstäblichkeit der weite und größe des marschlandes zu verdeutlichen - und im hinblick darauf vielleicht auch die relative bedeutungslosigkeit des menschlichen seins. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n emil nolde deutschland expressionismus die brücke moderne kunst unikate 1930er modellrahmen. im rahmen beschrieben landschaft papierarbeit aquarell himmel","en":"nolde, emil 1867 nolde - 1956 seebüll \n \n \n title: marschlandschaft mit bauernhof und abendhimmel. \n \n date: 1930/35. \n \n technique: watercolour on strong japan paper. \n \n measurement: 35 x 47,5cm. \n \n notation: signed lower right: nolde. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. not examined out of the frame. \n \n the work has been authenticated by the seebüll ada and emil nolde foundation on 21 october 2025. it is registered there under the number fr.a.2094 and will be included in a future catalogue raisonné of watercolours and drawings. \n \n provenance: \n - galerie neher, essen (label) \n - private collection, hesse (acquired from previous owner in 1989) \n \n \n - powerful, captivating landscape depiction in nolde's characteristic brilliant wet-on-wet technique \n \n - a particularly colourful example of nolde's highly sought-after marsh landscapes with high, image-filling skies \n \n - nolde is one of the greatest watercolourists of the 20th century \n \n an eventful life the fourth of five children, young emil hansen grew up in a long-established farming family in the village of nolde in northern schleswig. he wanted to become an artist, but his father disapproved, so they compromised by sending him to flensburg to train as a woodcarver and furniture designer. at the same time, he continued his education at the local arts and crafts school. after several years of travelling, the young man found employment in 1892 as a drawing and arts and crafts teacher in st. gallen. there he enjoyed great financial success with his self-published edition of humorous illustrated postcards. the small fortune he earned from this secured his livelihood as an independent artist for several years. \n emil hansen continued his education in the centres of art: in munich, he was rejected by the academy in 1898, but then attended adolf hölzel's private painting school. in 1899, he travelled to paris for nine months, attended courses at the académie julian, continued his education in the museums of the old masters and was impressed by the works of eduard manet and edgar degas. in 1902, on the occasion of his marriage to the danish ada vilstrup, he dropped his birth name and took the name of his hometown, \"emil nolde\". \n the couple lived mainly on the baltic sea island of alsen, which at that time belonged to prussia, but spent most of their winters in berlin. here he saw works by paul gauguin and vincent van gogh, which strengthened his commitment to pure colour painting. nolde took part in numerous exhibitions, but his financial situation, which had become increasingly difficult over time, was slow to improve. he temporarily became a member of the artists' group \"brücke\". after a dispute with max liebermann, his brief membership in the berlin secession also ended in a break. emil nolde followed georg tappert into the \u2018neue sezession\u2019 in 1910. at this time, he became well known in wide circles of the art world and was considered by connoisseurs to be one of the leading german expressionists. in 1913, the painter and his wife accompanied an expedition to german new guinea for six months; this trip opened up a new range of subjects for him. three years later, the couple moved to the north sea coast of schleswig, in the german-danish border region, which was ceded to denmark after the war. emil nolde decided to take his wife's danish nationality, which he retained for the rest of his life. \n \n during the 1920s, emil nolde became one of germany's best-known and highest-paid artists. on his 60th birthday in 1927, a major retrospective of 433 of his works was held in dresden, which was subsequently presented in other cities. nolde's art is purchased by all the leading museums in the german reich and by many modern-minded collectors. nolde becomes a member of the prussian academy of arts and is awarded an honorary doctorate by the university of kiel. he is regarded \u2013 and regards himself \u2013 as the quintessentially german, nordic painter who shapes the early 20th century with his powerful art. from this height, he falls deeply when the national socialists' art dictatorship brands his works as \"degenerate\" in 1937 and imposes a professional ban on him in 1941. nolde retreats to his house \"seebüll\", built in the 1920s, where he paints many small-format watercolours, which he himself calls \"unpainted pictures\". after the war, emil nolde was able to seamlessly continue his great career of the 1920s and early 1930s and also influenced post-war modernism. his works were exhibited in museums nationally and internationally, he received numerous honours and awards, and was represented several times at the venice biennale and also at \"documenta1\" in 1955. emil nolde died in seebüll in 1956. \n \n \n \n \n the marsh landscapes the marsh landscape stretches out beneath a high, wide sky where colourful clouds pile up. in the land, painted summarily as a green strip, stands a red house with a low-slung roof. the building is shifted to the right side of the picture. emil nolde manages to depict the topography with minimal means: the continuous line, running parallel to the horizon and the lower edge of the picture, acts as an access route to the farmstead. towards the right edge of the picture, where bushes adjoin the house, this line drops away. the house thus stands on the edge of a depression. and above this minimally accentuated expanse stands the fantastic sky. a cluster of clouds in deep dark purple and medium blue floats in front of the bright light blue and golden yellow evening sky. the mood does not seem particularly threatening. the bright strip on the horizon, which also frames the dark clouds, suggests a peaceful atmosphere. the threatening clouds will pass. the sky above the vast landscape of his homeland provided emil nolde with the most wonderful models for his watercolours. he was able to constantly observe the ever-changing multicoloured cloud formations from his studio in seebüll. in this sheet, dated by the seebüll foundation to around 1935 and still fresh with colour, it is clear that the motif of the farmyard serves primarily to illustrate the scale of the vastness and size of the marshland \u2013 and, in this context, perhaps also the relative insignificance of human existence. \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n emil nolde germany die brücke modern art 1930s craftman's frame. not examined out of the frame landscape works on paper watercolour sky"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"3","title":{"de":"emil nolde: marschlandschaft mit bauernhof und abendhimmel","en":"emil 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(abb. 1) und: 1923, nur zwei jahre nach dieser schaffung, ein weiterer höhepunkt seiner elementaren gestaltung eines abgeschiedenen winkels voller innerer ruhe: das gemälde \"rote häuser\" (sprengel museum, hannover). es dominiert der farbkontrast von rot und grün in der landschaft am meer unter einem lebhaften himmel: \"wir malten also rote, grüne und blaue bilder. erkannten darin unser richtiges meisterhandwerk.\" (max pechstein, zit. nach ebd.) \n das gemälde \"dorfhäuser\" gibt ebenfalls zeugnis von dem, was wie in diesen beiden beispielen, auch nur eben in solcher einsamkeit entstehen konnte: eine dorfstraße mit einfachen häusern, die sich, wie schutz suchend, aneinander lehnen. im vordergrund zwei geheimnisvolle personen, in dunkle schatten gehüllt, die eine tiefstehende sonne am späten nachmittag über sie wirft. darüber ein himmel, der den rand des meeres berührt. das bild kommt in komposition und farbgestaltung mit enormer wucht auf den betrachter zu. pechsteins pinselführung beherrscht das geschehen und schafft eine atmosphäre, in der sich die besten elemente jener \"arm- und lebensfreiheit\" versammeln, die die \"kg brücke\" von anfang an und auch jetzt noch ausmachten. insgesamt: ein herausragendes zeugnis für die expressionistische landschaftsmalerei. \"dorfhäuser\" steht damit in der reihe jener besonderen meisterhaften werke, zu denen max pechstein immer wieder fähig war, wenn ihn die stille eines abgelegenen dorfes und die nähe/weite der natur am meer umgab. \n gerd presler \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n hermann max pechstein deutschland expressionismus die brücke moderne kunst unikate 1920er modellrahmen dorf gemälde öl haus","en":"pechstein, hermann max \n 1881 zwickau - 1955 berlin \n \n \n title: dorfhäuser. \n \n date: 1921. \n \n technique: oil on canvas. \n \n mounting: relined. \n \n measurement: 80,5 x 100cm. \n \n notation: signed lower right: hmpechstein. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n the work was doubled by lilienfeld. on the original canvas, it was originally dated, numbered, titled and signed again: 1921 41 / village houses / hmpechstein. in the workshop book kept by max pechstein in the 1920s, the painting is listed for the year 1921 with the entry 41 'dorfhäuser' (village houses). \n \n provenance: \n - dr. karl lilienfeld/van diemen-lilienfeld galleries, leipzig/berlin/new york (already in new york in 1932) \n - frank & henry tishmann collection, new york (acquired from the previous owner in the 1960s) \n - maison bernard art dealers, caracas \n - private collection, south america/germany (acquired from the previous owner in 1978) \n \n exhibitions: \n - (?), berlin 1921 (according to review) \n - the college art association, new york 1932 \n \n literature: \n - soika, aya: max pechstein - das werkverzeichnis der ölgemälde, vol. ii, 1919-1954, munich 2011, cat. rais. no. 1921/11 \n \n \n - an outstanding example of expressionist landscape painting \n \n - an enormously expressive work of great appeal in terms of composition and colour scheme \n \n - offered on the german art market for the first time in almost 100years \n \n favourite places remote, secluded, far away from the noise of cities and streets \u2013 that's how it had to be, the place where max pechstein liked to spend his time \"creating\". magdalena m. moeller summed up what drove the painter, draughtsman and brilliant printmaker to seek solitude as follows: \"throughout his life, max pechstein was repeatedly drawn to the sea and to a wide variety of coastal landscapes. away from the big city of berlin, where he had lived since 1908, his art as able to unfold freely in the midst of nature. his [. ] travels, including to dangast on the jadebusen, leba, rowe, bornholm, monterosso al mare, collioure, but above all to the palau islands in the south seas in 1914, resulted from his need to unite art and nature.\" (moeller, magdalena. m. in: neue forschung und berichte, brücke archiv 21/2008, p.65) \n \n in 1921, this longing took him for the first time to leba in pomerania, a small town between the baltic sea beach, high shifting dunes and a landscape furrowed by small lakes. in it, villages with few houses. max pechstein describes how he found leba in april 1921 and took it into his heart in his \"memoirs\": \"i finally decided to set up my permanent residence in leba. i not only came to appreciate the coast, but also to love it.\" (max pechstein, quoted from: memoirs, wiesbaden 1963, p. 107f.). according to his own statement, the artist felt a special connection to the local landscape and its people. in contrast to the hectic berlin of the years after the first world war, pechstein found here the ideal of a simple and peaceful life he had longed for. his works from this period are still stylistically committed to traditional expressionism, which is particularly evident in the powerful use of colour. at the same time, the unspoilt nature of the almost untouched landscape had an exceptionally rich influence on his artistic work. the impressions and motifs he gained in leba had an impact far beyond these years, so that pechstein repeatedly returned to them even after the second world war. max pechstein's stays in leba, pomerania, had a formative influence on his painting. \n \n \n \n \n village houses this was also the case in dangast, where he visited karl schmidt-rottluff and erich heckel in august 1910. a place on the edge of the endless expanse of the sea and the jade bay, inland \u2013 unique on the entire north sea coast \u2013 characterised by an oak-covered geest ridge that extends to the beach and the mudflats. max pechstein absorbed all this and, in the summer of 1910, created his painting \"fischerhaus\" (fisherman's house) from this abundance. and in 1923, just two years after this creation, another highlight of his elementary design of a secluded corner full of inner peace: the painting \"rote häuser\" (red houses) (sprengel museum, hanover). the colour contrast of red and green dominates the seascape under a lively sky: \"so we painted red, green and blue pictures. we recognised in them our true master craftsmanship.\" (max pechstein, quoted from ibid.) \n \n the painting \"village houses\" also bears witness to what, as in these two examples, could only have been created in such solitude: a village street with simple houses leaning against each other as if seeking protection. in the foreground are two mysterious figures, shrouded in dark shadows cast by the low sun in the late afternoon. above them is a sky that touches the edge of the sea. the composition and colour scheme of the painting have an enormous impact on the viewer. pechstein's brushwork dominates the scene and creates an atmosphere that brings together the best elements of the \"freedom of arm and life\" that characterised the \"kg brücke\" from the beginning and still does today. overall: an outstanding testimony to expressionist landscape painting. \"dorfhäuser\" thus ranks among those special masterpieces that max pechstein was repeatedly capable of creating when surrounded by the tranquillity of a remote village and the proximity/vastness of nature by the sea. \n gerd presler \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n hermann max pechstein germany die brücke modern art 1920s craftman's frame village painting oil house"},"estimateMax":500000,"lotNumber":"4","title":{"de":"hermann max pechstein: dorfhäuser","en":"hermann max pechstein: dorfhäuser"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29286/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":240000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:03.018Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac300,000 - 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privatsammlung münchen \n - hauswedell & nolte, hamburg, 272. auktion, 10./11.6.1988, lot 976 \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (von vorherigem erworben) \n \n ausstellungen: \n - westfälisches landesmuseum für kunst- und kulturgeschichte münster, 1991/92 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. emil nolde, aquarelle und figürliche radierungen, westfälisches landesmuseum für kunst- und kulturgeschichte münster, münster 1991/92, s. 160, kat.-nr. 62, abb. \n \n \n - wunderbares beispiel für noldes vermögen natureindrücke als reine expressive abstraktion wiederzugeben \n \n - koloristisches farbspektakel mit dramatischen kontrasten \n \n - großformatiges aquarell, in der noldes überragende malerische technik voll zur geltung kommt \n \n \n der junge emil hansen \n als emil nolde dieses aquarell zu beginn der 1930er jahre zu papier bringt, ist er ein schon lange erfolgreicher und gefeierter künstler. als emil hansen in eine schleswigsche bauernfamilie hineingeboren, schafft er es, sich aus eigener kraft eine exzellente künstler-ausbildung in münchen und paris zu verschaffen. 1902, anlässlich seiner heirat, nimmt er den namen seines heimatorts \"nolde\" an. finanziell sind die ersten jahre, in denen er mit seiner dänischen frau ada zwischen schleswig und berlin pendelt, karg, nolde ist aber schnell ein \"künstler der künstler\". von kollegen anerkannt, geschätzt und bestens vernetzt, werden bald auch sammler, galeristen und museumsleiter auf emil nolde aufmerksam und in den 1920er jahren ist er so arriviert, dass er sich in seebüll ein großes haus bauen kann. \n er sieht sich selbst als den urdeutschen, nordischen maler, der mit seiner kraftvollen kunst die malerei des frühen 20. jahrhunderts prägt. hart trifft ihn so das stigma \"entartet\" von 1937, dem 1941 das berufsverbot folgt. emil nolde zieht sich in sein haus in seebüll zurück. die nachkriegszeit rehabilitiert emil nolde und feiert seine expressiven und farbig leuchtenden gemälde und aquarelle. junge künstler der nachkriegsjahre werden von ihm beeinflusst. welchen stellenwert seine position in deutschland hat, zeigt die posthume berücksichtigung emil noldes bei den documenta-ausstellungen 1959 und 1964. \n \n \n wasser-farben \n im gesamtwerk emil noldes ist das aquarell seit den 1910er jahren ein gleichwertiges medium neben der ölmalerei. um diese zeit verwendet er erstmals japanpapier, das die wasserfarben direkter aufsaugt und sich unter der hand des künstlers ganz anders verhält, als die bislang von ihm genutzten papiere. er experimentiert, wählt die farben, mit denen er das nasse papier ohne vorzeichnung bedeckt, und lässt diese sich auf dem blatt entwickeln. speziell seinen himmel- und see-aquarellen verleiht der maler durch die verwendung der \"wasser-farben\" eine innere thematische entsprechung. nolde, der in seiner norddeutschen heimat tief verwurzelt ist, beobachtet die sich hier so schnell verändernde landschaft: wechselnde tages- und jahreszeiten bringen licht- und farbspiele, die der maler aufgreift und akzentuiert. ihre form gibt der maler vor, erlaubt dem nassen medium auf dem durchfeuchteten papier aber ein eigenleben. die farbe ist in noldes aquarellen aber immer auch emotionsträger. \n \n \n himmelsschauspiel \n ohne jede binnenzeichnung, mit der emil nolde seine aquarelle häufig nach der völligen trocknung akzentuiert hat, kommt dieses farbfrisch leuchtende blatt aus. eine zarte horizontale pinselspur trennt als horizontlinie himmel und erde. ohne strand, gleichsam auf hoher see, ist der blick auf das naturschauspiel fokussiert. die überwiegend dunkelblaue wasserfläche wird in wenigen größeren bereichen durch violette und hellblaue farbreflexionen des himmels belebt. der himmel ist der \"star\": orangefarbene, gelbe und grünliche bereiche sind durch ein violettblau voneinander getrennt, das sich zum rechten bildrand hin manifestiert. farblich fühlt der betrachter sich an nordlichter erinnert. der nordsee-himmel erscheint in fast tropisch wirkender farbenpracht und hält den staunenden blick gebannt. das blockhafte dunkel am rechten bildrand schafft ein gegengewicht, kann aber auch dräuend empfunden werden. \n alexandra bresges-jung \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n emil nolde deutschland expressionismus die brücke moderne kunst unikate 1930er rahmen landschaft papierarbeit aquarell","en":"nolde, emil \n 1867 nolde - 1956 seebüll \n \n \n title: meer (blau-violett mit orange-farbenen wolken). \n \n date: 1930/35. \n \n technique: watercolour on japan. \n \n measurement: 29 x 46cm. \n \n notation: signed lower right: nolde. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n this work comes with a copy of a photo certificate from prof. dr. martin urban, emil and ada nolde foundation, seebüll, dated 14 may 1988, as well as a confirmation from the foundation dated 15 november 2024. it is registered there under the number fr.a.837 and will be included in a future catalogue raisonné of watercolours and drawings. \n \n provenance: \n - private collection, munich \n - hauswedell & nolte, hamburg, 272nd auction, 10/11 june 1988, lot 976 \n - private collection, north rhine-westphalia (acquired from the previous owner) \n \n exhibitions: \n - westfälisches landesmuseum für kunst- und kulturgeschichte münster, 1991/92 \n \n literature: \n - exhibition catalogue emil nolde, aquarelle und figürliche radierungen, westfälisches landesmuseum für kunst- und kulturgeschichte münster, münster 1991/92, p. 160, cat. no. 62, ill. \n \n \n - wonderful example of nolde's ability to render impressions of nature as pure expressive abstraction \n \n - colouristic spectacle with dramatic contrasts \n \n - large-format watercolour, in which nolde's outstanding painterly technique comes into its own \n \n the young emil hansen when emil nolde put this watercolour on paper in the early 1930s, he was already a long-established and celebrated artist. born into a farming family in schleswig, emil hansen managed to obtain an excellent artistic education in munich and paris through his own efforts. in 1902, on the occasion of his marriage, he took the name of his hometown, \"nolde\". financially, the first few years, during which he commuted between schleswig and berlin with his danish wife ada, were meagre, but nolde quickly became an \"artist's artist\". recognised and appreciated by his colleagues and with an excellent network, collectors, gallery owners and museum directors soon took notice of emil nolde, and by the 1920s he was so successful that he was able to build a large house in seebüll. \n he saw himself as the quintessential german, nordic painter who shaped early 20th-century painting with his powerful art. he was therefore hit hard by the stigma of being labelled \"degenerate\" in 1937, followed by a professional ban in 1941. emil nolde withdrew to his house in seebüll. the post-war period rehabilitated emil nolde and celebrated his expressive and colourful paintings and watercolours. young artists of the post-war years were influenced by him. the posthumous inclusion of emil nolde in the documenta exhibitions in 1959 and 1964 shows the importance of his position in germany. \n \n \n \n \n watercolours in emil nolde's oeuvre, watercolour has been an equally important medium alongside oil painting since the 1910s. around this time, he began using japanese paper for the first time, which absorbs watercolours more directly and behaves very differently under the artist's hand than the papers he had used previously. he experimented, choosing the colours with which to cover the wet paper without sketching first, and allowing them to develop on the sheet. the painter used \u201cwater colours\u201d to give his sky and lake watercolours in particular an inner thematic correspondence. nolde, who is deeply rooted in his north german homeland, observes the rapidly changing landscape here: changing times of day and seasons bring plays of light and colour, which the painter picks up and accentuates. the painter determines their form, but allows the wet medium on the damp paper to take on a life of its own. in nolde's watercolours, however, colour is always also a carrier of emotion. \n \n \n \n \n sky spectacle without any internal drawing, with which emil nolde often accentuated his watercolours after they had completely dried, this sheet emerges with fresh, vibrant colours. a delicate horizontal brushstroke separates sky and earth as a horizon line. without a beach, as if on the high seas, the view is focused on the spectacle of nature. the predominantly dark blue water surface is enlivened in a few larger areas by violet and light blue reflections of the sky. the sky is the \"star\": orange, yellow and greenish areas are separated from each other by a violet blue that manifests itself towards the right edge of the picture. the colours remind the viewer of the northern lights. the north sea sky appears in an almost tropical blaze of colour and captivates the astonished gaze. the block-like darkness on the right edge of the picture creates a counterbalance, but can also be perceived as ominous. \n \n alexandra bresges-jung \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n emil nolde germany die brücke modern art 1930s framed landscape works on paper watercolour"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"5","title":{"de":"emil nolde: meer (blau-violett mit orange-farbenen wolken)","en":"emil nolde: meer (blau-violett mit orange-farbenen wolken)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29287/view","tags":["daFineart_Watercolors","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"soldPrice":70000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:03.023Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - 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unterstützung. \n \n provenienz: \n - kunsthaus lempertz, köln 1983 \n - privatsammlung \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - schilling, sabine maja/de werd, guido: ewald mataré - das plastische werk, \n werkverzeichnis, bd. ii, köln 2024, wvz.-nr. 70a, abb. \n - schilling, sabine maja: ewald mataré - das plastische werk, werkverzeichnis, köln 1987, wvz.-nr. 64a, abb. \n \n \n - tiere und im besonderen kühe sind seit 1917 die bevorzugten motive des künstlers \n \n - eine der schönsten kuh-darstellungen in beeindruckender größe und formvollendeter reduktion \n \n - früher lebzeitguss in kleiner auflage gegossen \n \n \n wie der zufall einem künstler den weg weist \n \"[...] in ermangelung von brettern zum holzschnitt, plastische schnitzereien gemacht [...]\" (ewald mataré, tagebucheintrag vom 27.6.1922, zit. nach: schilling, sabina maja: ewald mataré. das plastische werk. köln, 1987, s. 27) \n als ewald mataré diesen tagebucheintrag 1922 auf spiekeroog schreibt, ist er ein an der berliner akademie fertig ausgebildeter maler. der sohn aus großbürgerlichem haus kommt auch in den wirtschaftlich schwierigen 1920er jahren mit gelegentlichen aufträgen und verkäufen über die runden. seit vier jahren ist er in der berliner \"november-gruppe\" gut vernetzt. mataré reist viel, gerne nach norddeutschland an die see. schon 1920 kommt er auf wangerooge auf die idee, treibholz-bretter für holzschnitte zu bearbeiten, aber nun, zwei jahre später, sind da nur hölzer, die sich für plastisches schnitzen eignen. der bildhauer ewald mataré findet sich. er schnitzt zunächst menschen: ein schreitendes mädchen, ein kopfporträt seiner späteren ehefrau hanna. bald aber nimmt er auch in der vollplastischen schnitzerei das motiv \"kuh\" auf, das ihn schon seit 1917 als maler und später als graphiker in seinen holzschnitten so fasziniert hat. zukünftig prägen tierskulpturen das werk des künstlers. ob kuh, pferd oder katze, ob in holz oder bronze, ewald matarés skulpturen laden auge und hand immer zur berührung ein. jahre später schreibt er über diese gestaltungsabsicht der 1920er jahre: \"ich proklamierte für mich und auch außerhalb das betasten, das fühlen als das primärste bei der gestaltung und mit dieser erkenntnis, die ich aus mir selbst entwickelte, stand und stehe ich auch jetzt noch allein da\" (ewald mataré, tagebucheintrag von juli 1947, zit. nach ebd. s.27). \n \n in dr. eduard senff aus düsseldorf hat ewald mataré einen mäzen und sammler gefunden, der in den folgenden jahren weitere reisen möglich macht. die begegnung mit den geschlossenen figuren in giottos fresken in italien wird wichtig. 1926 zeigt der kunstsalon fritz gurlitts in berlin eine erste einzelausstellung von matarés skulpturen, allerdings noch ohne großen erfolg. der künstler entwirft und bemalt auch keramiken, unter anderem für mies van der rohe; die angewandte kunst wird ewald mataré immer auch in sein werk einbinden. ein monatliches salär eines mäzens, der auch einige arbeiten von ihm kauft, bringt aufschwung, auch vom kultusministerium bekommt er finanzielle unterstützung. ewald mataré bereist in den sommern das baltikum, dänemark und finnland. 1932 gibt er das unstete leben zugunsten einer professoren-stelle an der düsseldorfer akademie auf. dies wird aber nur ein kurzes intermezzo, denn 1933 wird mataré von den nationalsozialistischen verantwortlichen entlassen, gilt später auch als \"entartet\". er hat aber das glück, dass weder ein ausstellungs- noch ein berufsverbot über ihn verhängt wird. in dieser zeit wird, neben gelegentlichen privaten verkäufen, ein kontakt zur katholischen kirche in köln ein glücksfall für den künstler. hier bekommt er aufträge, die ihn die zeit bis 1945 überstehen lassen. nach dem krieg wird ewald mataré rehabilitiert und wieder an die düsseldorfer akademie berufen. sein handwerklicher und materialorientierter ansatz beeinflusst seine schüler: erwin heerich, georg meistermann und joseph beuys sind die prominentesten unter ihnen. der künstler ewald mataré wird in der nachkriegszeit zu einem der führenden bildhauer westdeutschlands. zahlreiche ausstellungen sowie aufträge durch kirche und staat zeugen davon. \n die vier türen der südfassade des kölner doms und die türen der weltfriedenskirche in hiroshima sind darunter die bekanntesten seiner werke. ewald mataré nimmt 1955 und 1959 an den ersten \"documenta\"-ausstellungen teil. der künstler stirbt 1965 in büderich. \n \n \n \"das ganze problem kuh\" \n als sich der in berlin lebende ewald mataré um 1920 der tierskulptur zuwendet, ist er mit diesem themenschwerpunkt nicht allein. künstler-kollegen wie august gaul, renée sintenis oder wilhelm krieger bemühen sich in ihrem plastischen werk ebenfalls in besonderem maß darum, natur und kunst zu verbinden. matarés interesse scheint aber ein anderes: immer stärker abstrahiert er den tierkörper bis kopf, rumpf und glieder zu einer einheit verschmelzen, ohne dass der bezug zum naturentwurf verloren geht. bei dieser vorgehensweise spielt das ornament eine wichtige rolle, denn für den künstler bedeutet es ordnung, bildung eines inneren zusammenhangs und darstellung des wesentlichen. so werden seine tierplastiken zunehmend reduzierter, zeichenhafter; sie werden zum emblem. mataré geht es nicht um die wiedergabe von charakteristika, sondern immer um das beispielhafte und ursprüngliche. den sommer 1930 verbringt ewald mataré in südfinnland. zunächst auf lill pellinge, im juli dann in sahalahti. in seinem tagebuch notiert er: \"[...] diesmal eine fressende kuh. ich habe mich immer etwas gehütet, dieses problem anzugreifen, ich weiß nicht warum, ist es doch fast ein normaler zustand beim rindvieh, den kopf auf der erde zu haben [.] an das ganze problem kuh gehe ich nun heran [...]\" (ewald mataré, tagebucheintrag vom 30.5.1930, zit. nach ebd. s.164). aus dieser fragestellung entstehen in dieser zeit drei lösungen: der rumpf des rindes ist, geometrisch gesprochen, jeweils aus einem trapez und einem dreieck gedacht. die linie von bauch und kehle bildet nahezu eine horizontale. auf naturalistische details wie hüfthöcker oder hufe verzichtet der künstler zugunsten der geschlossenen form, der zeichenhaftigkeit und der haptik. die \"grasenden kühe i bis iii\" (abb. 1-3) unterscheiden sich dennoch: die länge der hörner, die form des kopfes, der winkel des nackens und die position der beine sind verschieden und geben den tieren tatsächlich \"charakter\". die urform der \"grasenden kuh ii\" hat ewald mataré aus lindenholz geschnitzt. \n heute sind etwa 25 nicht nummerierte lebzeit-bronzegüsse bekannt, wobei diejenigen, die auf einer ovalen plinthe montiert sind, zu den früheren arbeiten zählen. \n das vorliegende exemplar weist zudem eine besonderheit auf: zusätzlich zu dem künstlersignet auf der plinthe befindet sich ein weiteres unterseitig am bauch der kuh. in dieser form, doppelt signiert, ist nur diese eine \"grasende kuh ii\" bekannt. ob dies ein hinweis darauf ist, dass es sich hierbei um die \n erste ausformung in bronze handelt, bleibt aber eine wahrscheinliche spekulation. \n \n alexandra bresges-jung \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n ewald mataré deutschland expressionismus kubismus moderne kunst objekte 1930er kuh skulptur bronze, braun patiniert","en":"mataré, ewald \n 1887 aachen - 1965 büderich \n \n \n title: grasende kuh ii. \n \n date: 1930 (draft). \n \n technique: bronze, patinated dark brown. \n \n measurement: 15,5 x 32 x 23cm. \n \n notation: artist's signet above the hind legs: mataré (ligated). \n \n this bronze is an early lifetime cast from a small edition on an oval plinth. \n \n we would like to thank mr guido de werd, cologne, for his kind scientific support. \n \n provenance: \n - kunsthaus lempertz, cologne 1983 \n - private collection \n - private collection, north rhine-westphalia \n \n literature: \n - schilling, sabine maja/de werd, guido: ewald mataré - das plastische werk, \n catalogue raisonné, vol. ii, cologne 2024, wvz no. 70a, ill. \n - schilling, sabine maja: ewald mataré - das plastische werk, catalogue raisonné, cologne 1987, cat. rais. no. 64a, ill. \n \n \n - animals, and cows in particular, have been the artist's favourite motifs since 1917 \n \n - one of the most beautiful depictions of cows, impressive in size and perfectly reduced in form \n \n - early lifetime cast in a small edition \n \n how coincidence shows an artist the path \"[...] in the absence of boards for woodcuts, made sculptural carvings [...]\" (ewald mataré, diary entry from 27 june 1922, quoted from: schilling, sabina maja: ewald mataré. das plastische werk. cologne, 1987, p. 27) \n \n when ewald mataré wrote this diary entry in spiekeroog in 1922, he was a painter who had completed his training at the berlin academy. the son of an upper-class family, he managed to make ends meet even in the economically difficult 1920s with occasional commissions and sales. for four years, he had been well connected in berlin's \"november group\". mataré travelled a lot, especially to northern germany and the sea. as early as 1920, while on wangerooge, he had the idea of using driftwood boards for woodcuts, but now, two years later, there was only wood suitable for sculpting. the sculptor ewald mataré finds his calling. he initially carves people: a walking girl, a head portrait of his future wife hanna. soon, however, he also takes up the motif of the \"cow\" in his three-dimensional carvings, a motif that had fascinated him since 1917 as a painter and later as a graphic artist in his woodcuts. in future, animal sculptures would characterise the artist's work. whether cows, horses or cats, whether in wood or bronze, ewald mataré's sculptures always invite the eye and hand to touch them. years later, he wrote about this creative intention of the 1920s: \"i proclaimed for myself and also outside myself that touching, feeling, was the most important thing in design, and with this insight, which i developed from within myself, i stood and still stand alone.\" (ewald mataré, diary entry from july 1947, quoted from ibid. p. 27). \n \n in dr eduard senff from düsseldorf, ewald mataré found a patron and collector who made further travels possible in the following years. his encounter with the closed figures in giotto's frescoes in italy became important. in 1926, fritz gurlitt's art salon in berlin showed mataré's first solo exhibition of sculptures, but without much success. the artist also designed and painted ceramics, including for mies van der rohe; ewald mataré always incorporated applied art into his work. a monthly salary from a patron, who also bought some of his works, brought an upswing, and he also received financial support from the ministry of culture. ewald mataré travelled to the baltic states, denmark and finland during the summers. in 1932, he gave up his unsettled life in favour of a professorship at the düsseldorf academy. however, this was only a brief interlude, as mataré was dismissed by the national socialist authorities in 1933 and later deemed \"degenerate\". fortunately for him, however, he was not banned from exhibiting or working. during this time, in addition to occasional private sales, contact with the catholic church in cologne proved to be a stroke of luck for the artist. here he received commissions that allowed him to survive until 1945. after the war, ewald mataré was rehabilitated and reappointed to the düsseldorf academy. his craftsmanship and material-oriented approach influenced his students: erwin heerich, georg meistermann and joseph beuys are the most prominent among them. in the post-war period, the artist ewald mataré became one of the leading sculptors in west germany. numerous exhibitions and commissions from the church and state bear witness to this. \n the four doors of the south façade of cologne cathedral and the doors of the world peace church in hiroshima are among his best-known works. ewald mataré took part in the first \u2018documenta\u2019 exhibitions in 1955 and 1959. the artist died in büderich in 1965. \n \n \n the whole problem \"cow\" when berlin-based ewald mataré turned his attention to animal sculpture around 1920, he was not alone in focusing on this theme. fellow artists such as august gaul, renée sintenis and wilhelm krieger also made a special effort to combine nature and art in their sculptural work. however, mataré's interest seems to be different: he increasingly abstracts the animal's body until the head, torso and limbs merge into a single entity, without losing the connection to nature. ornamentation plays an important role in this approach, because for the artist it means order, the formation of an inner connection and the representation of the essential. thus, his animal sculptures become increasingly reduced and symbolic; they become emblems. mataré is not concerned with reproducing characteristics, but always with the exemplary and the original. ewald mataré spends the summer of 1930 in southern finland. first in lill pellinge, then in sahalahti in july. in his diary he notes: \"[...] this time a cow eating. i have always been somewhat wary of tackling this problem, i don't know why, since it is almost a normal state for cattle to have their heads on the ground [...]. i am now approaching the whole problem of cows [...]\" (ewald mataré, diary entry from 30 may 1930, quoted from ibid. p. 164). three solutions to this question emerged during this period: geometrically speaking, the torso of the cow is conceived as a trapezoid and a triangle. the line of the belly and throat forms an almost horizontal line. the artist dispenses with naturalistic details such as hip bones or hooves in favour of a closed form, symbolism and haptics. nevertheless, the \"grazing cows i to iii\" differ: the length of the horns, the shape of the head, the angle of the neck and the position of the legs are different and actually give the animals \u201ccharacter\u201d. ewald mataré carved the original form of \"grazing cow ii\" from lime wood. \n \n today, around 25 unnumbered bronze casts made during the artist's lifetime are known to exist, with those mounted on an oval plinth being among the earlier works. \n \n this particular example also has a special feature: in addition to the artist's signature on the plinth, there is another on the underside of the cow's belly. this is the only known example of \"grasende kuh ii\" with two signatures. whether this indicates that it is the \n first bronze casting remains a matter of speculation. \n \n \n alexandra bresges-jung \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n ewald mataré germany cubism modern art sculptures 1930s cow sculpture bronze, brown patinated"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"6","title":{"de":"ewald mataré: grasende kuh ii","en":"ewald mataré: grasende kuh ii"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29288/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":80000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:03.050Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":29288,"category":{"de":"Mod. Objekte","en":"Modern Sculptures"},"estimateMin":60000},{"startPrice":176000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29289/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29289/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29289/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29289/004/004.jpg"],"soldDate":"2025-12-03","available":false,"description":{"de":"pechstein, hermann max \n 1881 zwickau - 1955 berlin \n \n \n titel: der jüngling. \n \n datierung: 1917. \n \n technik: öl auf leinwand, auf schwarzem karton aufgezogen. \n \n montierung: auf leinwand kaschiert. \n \n maße: 51 x 69cm. \n \n bezeichnung: bezeichnet von fremder hand unten rechts: mp. \n \n rahmen/sockel: modellrahmen. \n \n auf der rückseite des schwarzen karton wohl mit signatur und betitelung \"der jüngling\" (lt. günter krüger (hrsg.), das druckgraphische werk max pechsteins, 1958). der kartonträger wurde später (vor 1971) auf leinwand kaschiert. \n \n provenienz: \n - galerie ernst beyerler, basel \n - hauswedell & nolte, hamburg, 74. auktion, 11.5.1957, lot 1033 \n - sammlung ludwig lehmann, berlin/lugano (1958-64) \n - kornfeld & klipstein, bern, 112. auktion, 27.-29.5.1964, lot 1042 \n - kunsthandel helen serger (la boetie), new york (1964-71; aufkleber) \n - galerie thomas, münchen (ca. 1971) \n - galerie levy, hamburg (ca. 1979) \n - galerie utermann, dortmund \n - privatsammlung (1981 von vorheriger erworben) \n - privatsammlung südamerika/deutschland (1987) \n \n ausstellungen: \n - kunstausstellung berlin, landesausstellungsgebäude 1919 \n - university of notre dame (indiana/usa), 1969/70 \n - kunstverein braunschweig, 1982 \n - pfalzgalerie, kaiserslautern 1982 \n \n literatur: \n - soika, aya: max pechstein - das werkverzeichnis der ölgemälde, bd. i, 1905-1918, münchen 2011, wvz.-nr. 1917/73, abb. \n - ausst.-kat. kunstausstellung berlin, landesausstellungsgebäude 1919, s. 72, kat.-nr. 1232 \n - ausst.-kat. the german expressionists and their contemporaries - 50 years of fantasy and frenzy, university of notre dame (indiana/usa) 1969/70, kat.-nr. 99 (hier betitelt: south sea figures) \n - ausst.-kat. max pechstein, kunstverein braunschweig/pfalzgalerie, kaiserslautern, 1982, s. 91, abb. \n \n \n - eines der äußerst seltenen südsee-bildern auf dem internationalen kunstmarkt \n \n - zeugnis seines zutiefst prägenden aufenthalt in der ehemaligen deutschen kolonie palau 1914 \n \n - qualitativ herausragendes gemälde des expressionismus in leuchtender, lebendiger farbigkeit \n \n \n sehnsucht nach dem paradies \n als sich max pechstein am 9. mai 1914 auf den spuren paul gauguins in genua an bord eines schiffes begab, ließ er alles hinter sich: die schrillen töne bei der auflösung der \"kg brücke\" am 27. mai 1913; die zweifel, die einen künstler überfallen, wenn niemand mehr seine kunstwerke kauft; schließlich die um sich greifende, zersetzende angst einer vom kommenden krieg aufgeheizten szene in europa. \n eine erste begegnung mit dieser sehnsucht nach dem paradies überfiel ihn schon 1907/08. er sah gemälde von paul gauguin. \"ab dezember [1907] hält er sich für neun monate in paris auf. er sieht die werke von paul cezanne, paul gauguin und henri matisse, die für seine weitere entwicklung wichtig werden.\" (ausst.-kat. max pechstein - das ferne paradies, gemälde, zeichnungen, druckgraphik, städtisches kunstmuseum zwickau, 1996, s. 106) \"im februar 1908 hatte pechstein gelegenheit, in der galerie bernheim-jeune bilder von paul gauguin zu sehen.\" (moeller, magdalena m. \"zu pechsteins stil und stilentwicklung\", in: max pechstein - sein malerisches werk, münchen 1996/97, s.44) die einfachheit, die direktheit der gestalterischen sprache machte gauguin zum vorbild für max pechstein. nichts wünschte er sich mehr, als jene fernen welten zu betreten, die gauguin zu seiner eigenen, unverwechselbaren sprache geführt hatten. dieser wunsch vertiefte sich. pechstein sah \"[. ] die gauguin-ausstellung im september 1910 bei ernst arnold in dresden [und sie] schein[t] pechstein sogar stärker beeindruckt zu haben als seine frühere begegnung mit [seinen] werken in paris.\" (hoffmann, meike \"max pechstein in paris\", in: max pechstein - sein malerisches werk, münchen 1996/97, s.77) \n 1914 war es dann so weit: durch den suez-kanal über honkong, manila zu den palau inseln - seit 1899 eine deutsche kolonie östlich der philippinen - führte ihn die reiseroute. er wollte, wie im jahr zuvor emil nolde, abstand gewinnen, neu anfangen und in die magie einer fernen, fremden kultur eintauchen. wo? bemalte schnitzereien aus mikronesien hatte er im völkerkunde museum dresden gesehen. darunter: ein verzierter holzbalken aus einem männerhaus, einem \"bai\", in palau. nun wollte er vor ort dem zauber dieser bildnerischen sprache voller ursprünglichkeit selbst begegnen. angekommen berichtet er von den schönen, in sich ruhenden menschen dort und schwärmt von der reichen, überüppigen natur. ein von ganz anderen kulturellen herkünften geformtes leben führte ihn auf der fernen insel heran an eine fremde schnitzkunst, andere kalligraphische zeichen, einen bisher nicht bekannten umgang mit der farbe. er beobachtet, zeichnet, malt: ölbilder, aquarelle, skizzen. \"in ruhe und ausgeglichenheit folgte ein tag dem anderen. es gab nichts, was meinen seelenfrieden störte.\"(max pechstein zit. nach erinnerungen, wiesbaden 1963, s.66) schließlich, fast schon kurios: er erwirbt eine insel \"mit einer kleinen, wunderschönen, halbrunden bucht.\" (a.a.o. s.90) \n die gemälde: diese wunderbaren zeugnisse einer wertvollen begegnung - gingen verloren! als 1914 der erste weltkrieg ausbrach, besetzte die japanische armee das inselreich palau. pechstein war plötzlich ein kriegsgefangener, wurde ausgewiesen, gelangte nach einer abenteuerlichen reise um die halbe welt nach deutschland erst 1915. retten konnte er nur wenige zeichnungen. seine ölgemälde sind verschollen, vermutlich vernichtet. eine einzige leinwand überlebte: \"monsunstimmung in palau\", heute in englischem privatbesitz. ein deutscher südseereisender hatte sie noch rechtzeitig erworben. \n \n \n \"der jüngling\" \n was man ihm, dem maler, nicht nehmen konnte: \"jahrzehntelang zehrt er von dieser begegnung mit den klaren glutfarben der tropen, dem durchsichtigen wasser, den klaren umrissen.\" (schilling, jürgen \"zu leben und werk max pechsteins\", in: ausst.-kat. pfalzgalerie kaiserslautern 1982, s.13). was er von den südseeinseln mitnahm, war: \"die wundervollste einheit fühle ich um mich und atme sie in grenzenlosem glücksgefühl.\" (max pechstein zit. nach: erinnerungen, wiesbaden 1963, s.78) \n aus diesen kostbaren erinnerungen schuf er ab 1917 fünfundvierzig der verlorenen bilder neu. darunter: \"der jüngling\". in einer von wuchtigen vulkankegeln geformten landschaft treffen sich vier personen, frontal, bildbeherrschend angeordnet am strand. eine kompositorische akzentuierung, die sich häufig auch bei paul gauguin findet. rechts ein erwachsener mann mit einem speer. sein jagdgerät signalisiert: er ist der garant für die nahrungsbeschaffung der gesamten familie. zwei frauen deuten an, dass die kleinen dorf- gemeinschaften polygame strukturen besaßen, in denen die nächste generation (links) behütet aufwächst. hinter diesem kind/jungen stürzt ein wasserfall in die tiefe. für gauguin war dieses motiv in dem gemälde \"geheimnisvolle quelle\" (1893, 99 x 75 cm, privatbesitz schweiz) ein zentrales ereignis. bei max pechstein bestimmt das aus der höhe herabstürzende element den gleichmäßigen rhythmus: zweimal täglich erfrischt er sich hier. er lebt \"im paradies\". \"männer und frauen schlingen das lange haar in einen knoten und stecken einen zierkamm dazwischen. ich sehe die zitternde frömmigkeit und ehrfurcht vor den unbegreiflichen gewalten der natur.\" (max pechstein zit. nach: erinnerungen, wiesbaden 1963, s.66). wie viele seiner expressionistischen malerkollegen sah pechstein im exotischen das ursprüngliche, das nie wieder erreichbare ideal eines lebenszustandes naiver und unverbrauchter menschlicher existenz. \n gerd presler \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n hermann max pechstein deutschland expressionismus die brücke moderne kunst unikate 1910er modellrahmen figurengruppe gemälde öl exotik","en":"pechstein, hermann max \n 1881 zwickau - 1955 berlin \n \n \n title: der jüngling. \n \n date: 1917. \n \n technique: oil on canvas, laid down on black card. \n \n mounting: laid down on canvas. \n \n measurement: 51 x 69cm. \n \n notation: inscribed by hand other than that of the artist lower right: mp. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n verso of the black cardboard, presumably with signature and title 'der jüngling' (according to günter krüger (ed.), das druckgraphische werk max pechsteins, 1958). the cardboard backing was later (before 1971) mounted on canvas. \n \n provenance: \n - galerie ernst beyerler, basel \n - hauswedell & nolte, hamburg, 74th auction, 11 may 1957, lot 1033 \n - ludwig lehmann collection, berlin/lugano (1958-64) \n - kornfeld & klipstein, bern, 112th auction, 27-29 may 1964, lot 1042 \n - helen serger (la boetie) art dealers, new york (1964-71; sticker) \n - galerie thomas, munich (ca. 1971) \n - galerie levy, hamburg (ca. 1979) \n - galerie utermann, dortmund \n - private collection (acquired from previous owner in 1981) \n - private collection, south america/germany (1987) \n \n exhibitions: \n - berlin art exhibition, state exhibition building 1919 \n - university of notre dame (indiana/usa), 1969/70 \n - kunstverein braunschweig, 1982 \n - pfalzgalerie, kaiserslautern 1982 \n \n literature: \n - soika, aya: max pechstein - das werkverzeichnis der ölgemälde, vol. i, 1905-1918, munich 2011, wvz no. 1917/73, ill. \n - exhibition catalogue kunstausstellung berlin, landesausstellungsgebäude 1919, p. 72, cat. no. 1232 \n - exhibition catalogue the german expressionists and their contemporaries - 50 years of fantasy and frenzy, university of notre dame (indiana/usa) 1969/70, cat. no. 99 (here titled: south sea figures) \n - exhibition catalogue max pechstein, kunstverein braunschweig/pfalzgalerie, kaiserslautern, 1982, p. 91, ill. \n \n \n - one of the extremely rare south sea paintings on the international art market \n \n - testimony to his deeply formative stay in the former german colony of palau in 1914 \n \n - outstanding expressionist painting in bright, vivid colours \n \n longing for paradise when max pechstein boarded a ship in genoa on 9 may 1914, following in the footsteps of paul gauguin, he left everything behind: the shrill tones of the dissolution of the \"kg brücke\" on 27 may 1913; the doubts that haunt an artist when no one buys his works of art; and finally, the pervasive, corrosive fear of a scene in europe heated up by the coming war. \n he first encountered this longing for paradise in 1907/08. he saw paintings by paul gauguin. \"from december [1907] onwards, he spent nine months in paris. he saw the works of paul cezanne, paul gauguin and henri matisse, which would become important for his further development.\" (exhibition catalogue max pechstein \u2013 das ferne paradies, gemälde, zeichnungen, druckgraphik, städtisches kunstmuseum zwickau, 1996, p. 106) \"in february 1908, pechstein had the opportunity to see paintings by paul gauguin at the galerie bernheim-jeune.\" (moeller, magdalena m.: zu pechsteins stil und stilentwicklung, in: max pechstein \u2013 sein malerisches werk, munich 1996/97, p. 44) the simplicity and directness of gauguin's artistic language made him a role model for max pechstein. he desired nothing more than to enter those distant worlds that had led gauguin to his own distinctive language. this desire grew stronger. pechstein saw \"[. ] the gauguin exhibition in september 1910 at ernst arnold's in dresden [and it] seems to have impressed pechstein even more than his earlier encounter with [his] works in paris.\" (hoffmann, meike \u2018max pechstein in paris\u2019, in: max pechstein - sein malerisches werk, munich 1996/97, p.77) \n \n in 1914, the time had come: his journey took him through the suez canal via hong kong and manila to the palau islands \u2013 a german colony east of the philippines since 1899. like emil nolde the year before, he wanted to gain some distance, start afresh and immerse himself in the magic of a distant, foreign culture. where? he had seen painted carvings from micronesia in the dresden museum of ethnology. among them: a decorated wooden beam from a men's house, a \"bai\", in palau. now he wanted to experience the magic of this pictorial language full of originality for himself. upon arrival, he reports on the beautiful, peaceful people there and raves about the rich, lush nature. a life shaped by completely different cultural origins led him to a foreign carving art, different calligraphic symbols and a previously unknown use of colour on the distant island. he observes, draws, paints: oil paintings, watercolours, sketches. \"in peace and tranquillity, one day followed another. there was nothing to disturb my peace of mind.\" (max pechstein, quoted from erinnerungen, wiesbaden 1963, p. 66) finally, almost curiously, he acquires an island \"with a small, beautiful, semicircular bay.\" (ibid. p. 90) \n \n the paintings: these wonderful testimonies to a valuable encounter \u2013 were lost! when the first world war broke out in 1914, the japanese army occupied the island kingdom of palau. pechstein suddenly found himself a prisoner of war, was expelled, and only arrived back in germany in 1915 after an adventurous journey halfway around the world. he was only able to save a few drawings. his oil paintings are lost, presumably destroyed. a single canvas survived: \"monsoon mood in palau\", now in private ownership in england. a german south sea traveller had acquired it just in time. \n \n \n \n \n \"der jüngling\" (the young man) what could not be taken away from him, the painter: \"for decades, he drew on this encounter with the clear, glowing colours of the tropics, the transparent water, the clear outlines.\" (schilling, jürgen: zu leben und werk max pechsteins, in: exhibition catalogue, pfalzgalerie kaiserslautern 1982, p. 13). what he took away with him from the south sea islands was: \"i feel the most wonderful unity around me and breathe it in with boundless happiness.\" (max pechstein quoted from: erinnerungen, wiesbaden 1963, p. 78) \n from these precious memories, he recreated forty-five of the lost paintings from 1917 onwards. among them: \"der jüngling\" (the young man). in a landscape formed by massive volcanic cones, four people meet, arranged frontally, dominating the picture on the beach. a compositional accentuation that is also frequently found in paul gauguin\u2019s work. on the right is an adult man with a spear. his hunting equipment signals that he is the guarantor of food procurement for the entire family. two women suggest that the small village communities had polygamous structures in which the next generation (left) grew up protected. behind this child/boy, a waterfall plunges into the depths. for gauguin, this motif was a central event in the painting \"geheimnisvolle quelle\" (mysterious spring, 1893, 99 x 75 cm, private collection, switzerland). in max pechstein's work, the element cascading down from above determines the steady rhythm: he refreshes himself here twice a day. he lives \"in paradise\". \"men and women tie their long hair into a knot and insert a decorative comb between it. i see the trembling piety and reverence for the incomprehensible forces of nature.\" (max pechstein quoted from: erinnerungen, wiesbaden 1963, p. 66). like many of his expressionist painter colleagues, pechstein saw in the exotic the original, the never again attainable ideal of a state of life of naive and unspoilt human existence. \n gerd presler \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n hermann max pechstein germany die brücke modern art 1910s craftman's frame group of figures painting oil exotic"},"estimateMax":320000,"lotNumber":"7","title":{"de":"hermann max pechstein: der jüngling","en":"hermann max pechstein: der jüngling"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29289/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":176000,"soldPrice":230000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:03.065Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac220,000 - 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[.] ich arbeite an der kleinen plastik, die hervorgegangen ist aus dem plastischen versuch, den alten menschen zu machen. es ist nun so etwas wie eine pietà geworden. die mutter sitzt und hat den toten sohn zwischen ihren knien im schoß liegen. es ist nicht mehr schmerz, sondern nachsinnen.\" (zit. nach bohnke-kollwitz, jutta: käthe kollwitz. die tagebücher 1908-1943, münchen, 2. aufl., 2018, s. 690.) \n diesem eintrag vorangegangen sind viele jahre der trauer und verzweiflung über den schmerzlichen verlust ihres sohnes, der sich 1914 - gerade einmal 18 jahre alt - zum freiwilligen eintritt in die armee gemeldet hatte und bereits in den ersten tagen des krieges in flandern gefallen war. sein tod erschüttert käthe kollwitz bis ins innerste und hinterlässt eine wunde, die ihr leben und ihr künstlerisches schaffen fortan tiefgreifend prägt. \n die plastik der trauernden mutter gehört zu den bekanntesten werken der künstlerin - 1993 wurde eine kopie in vierfacher vergrößerung als mahnmal für die opfer von krieg und gewaltherrschaft in der zentralen gedenkstätte der bundesrepublik deutschland in der berliner neuen wache aufgestellt. \n \n \n mutter und sohn \n anklänge an die ikonische interpretation der christlichen pietà, der gottesmutter mit ihrem toten sohn, sind unübersehbar und geben dem werk seinen heutigen titel - obwohl die künstlerin selbst immer wieder betont hatte, dass ihre plastik nicht ausdrücklich als religiöses werk zu sehen sei. \n die \"mutter mit totem sohn\" zeigt eine sitzende alte frau, die den leblosen, in sich zusammengesunkenen körper ihres erwachsenen sohnes zwischen den knien hält. in ruhiger haltung, in sich gekehrt mit geschlossenen augen, umfängt sie ihn voller zärtlichkeit und berührt seine fingerspitzen in sanfter, liebevoller geste. hier ist keine verzweiflung mehr, kein aufbegehren, sondern ein stilles annehmen und sanftes loslassen. \n in ihrer kompakten, blockhaften komposition vereint die künstlerin mutter und sohn zu einer stummen, innig verbundenen einheit. nichts verweist auf die ursache des todes, nichts auf einen konkreten historischen kontext - käthe kollwitz' pietà ist ein universelles sinnbild mütterlicher liebe in ihrer tiefsten, existenziellen gestalt, losgelöst vom augenblick und getragen von zeitloser gültigkeit und erhabener tiefe. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n käthe kollwitz deutschland expressionismus berliner sezession moderne kunst objekte 1930er tod plastik bronze familien","en":"kollwitz, käthe \n 1867 königsberg - 1945 moritzburg \n \n \n title: pietà (mutter mit totem sohn). \n \n date: 1937-1939 (draft). \n \n technique: bronze, patinated golden-brown. \n \n measurement: 40 x 28 x 41cm. \n \n notation: signed verso: kollwitz. \n \n foundry mark: below foundry mark h. noack berlin. \n \n this bronze is a posthumous casting made between 1972 and 1975. after the death of her father (hans kollwitz), the kollwitz community of heirs had 10 copies cast as part of the so-called vömel edition, based on the agreement to terminate the contract between the two parties dated 1 and 3 june 1977. however, only six bronzes are listed in noack's order books (two each in 1972 and 1973, and one each in 1974 and 1975). the work is accompanied by a letter from the noack foundry, which can be handed over to the buyer. \n \n provenance: \n - galerie vömel, düsseldorf \n - galerie wolfgang ketterer, munich \n - private collection, germany (acquired from previous owner in 1978) \n \n literature: \n - seeler, annette: käthe kollwitz - die plastik. werkverzeichnis, munich 2016, cat. rais no. 37 ii.b., ill. \n \n \n - one of käthe kollwitz's most famous works in a rare and beautiful golden brown patina \n \n - famous memorial to the victims of war \n \n - a universal symbol of maternal love in perfect formal design \n \n compassion, humanity and dignity the name käthe kollwitz stands for much more than just an important german artist of the first half of the 20th century. it embodies the brilliant draughtswoman, graphic artist and sculptor as well as the courageous woman who maintained her integrity in times of dictatorship and political upheaval. her name has become a symbol of compassion, humanity and dignity, but also of artistic resistance to war, poverty and oppression. \n \n when the national socialists came to power in 1933, käthe kollwitz was 65 years old and at the zenith of her artistic career. she quickly came under political pressure: in 1933, she was expelled from the prussian academy of arts, in 1936 she was officially banned from exhibiting, and the following year her works were confiscated from eleven german museums as part of the \"degenerate art\" campaign. nevertheless, the artist continued to work undeterred in secret, remaining a silent voice of resistance through her art. \n \n \n \"i am working on the small sculpture\" on 22 october 1937 \u2013 more than 20 years after the death of her younger son on the battlefields of the first world war \u2013 käthe kollwitz notes in her diary: \"peter fell that night. [...] i am working on the small sculpture that emerged from the sculptural attempt to make the old man. it has now become something like a pietà. the mother sits with her dead son lying between her knees in her lap. it is no longer pain, but contemplation.\" (quoted from bohnke-kollwitz, jutta: käthe kollwitz. die tagebücher 1908-1943, munich, 2nd edition, 2018, p. 690.) \n this entry was preceded by many years of grief and despair over the painful loss of her son, who had volunteered for the army in 1914 at the age of just 18 and was killed in flanders in the first days of the war. his death shook käthe kollwitz to her core and left a wound that profoundly shaped her life and artistic work from then on. \n the sculpture of the grieving mother is one of the artist's best-known works \u2013 in 1993, a copy enlarged four times in size was erected as a memorial to the victims of war and tyranny in the central memorial of the federal republic of germany in berlin's neue wache. \n \n \n \n \n mother and son \n \n echoes of the iconic interpretation of the christian pietà, the mother of god with her dead son, are unmistakable and give the work its current title \u2013 although the artist herself repeatedly emphasised that her sculpture should not be seen explicitly as a religious work. \n \"mother with dead son\" shows a seated old woman holding the lifeless, slumped body of her adult son between her knees. in a calm posture, introverted with her eyes closed, she embraces him tenderly and touches his fingertips in a gentle, loving gesture. there is no longer any despair, no rebellion, but rather a quiet acceptance and gentle letting go. \n in her compact, block-like composition, the artist unites mother and son into a silent, intimately connected unity. nothing refers to the cause of death, nothing to a specific historical context \u2013 käthe kollwitz's pietà is a universal symbol of maternal love in its deepest, most existential form, detached from the moment and carried by timeless validity and sublime depth. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n käthe kollwitz germany berlin secession modern art sculptures 1930s death sculpture bronze families"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"8","title":{"de":"käthe kollwitz: pietà (mutter mit totem sohn)","en":"käthe kollwitz: pietà (mutter mit totem sohn)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29290/view","tags":["daFineart_Sculptures","daCollectibles_ReligiousandSacredArt","daCollectibles","daCollectibles_all","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:03.125Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - \u20ac70,000","currency":"EUR","id":29290,"category":{"de":"Mod. 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(zit. nach ebd.) \n in der berliner kassenarztpraxis ihres ehemannes dr. karl kollwitz erlebt sie später hautnah die harte und entbehrungsreiche lebensrealität des großstadtproletariats und erkennt die ganze tragweite, die schwere und existenzielle not des arbeiterlebens. häufig porträtiert sie arbeiterfrauen, in deren gesichtern sich die spuren des sorgenvollen, von armut überschatteten alltags tief eingegraben haben. \n \n \n drei studien einer arbeiterfrau \n die kohlezeichnung aus der zeit um 1905 ist eine einfühlsame studie dreier frauenfiguren in unterschiedlicher perspektive und körpersprache. mit leicht gebückter haltung, gesenktem blick, eine hand ans kinn geführt oder beide in zurückhaltender gestik dicht vor dem körper zusammengeführt, wirken die frauen nachdenklich und in sich gekehrt. in wenigen prägnanten strichen und dichten schwarzen schraffuren erfasst die künstlerin ausdruck und seelische gestimmtheit ihrer modelle. die bürde des daseins lastet förmlich auf ihren schultern. die studie - die in mehreren ausdrucksstarken motiven eingang in das grafische und zeichnerische werk der künstlerin findet - offenbart nicht nur kollwitz' meisterhafte beobachtungsgabe und souveräne zeichnerische umsetzung, sondern auch ihre tiefe anteilnahme am menschlichen schicksal und ein sensibles empfinden für die leise melancholie des daseins. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n käthe kollwitz deutschland expressionismus berliner sezession moderne kunst unikate 1900er modellrahmen frau papierarbeit kohle","en":"kollwitz, käthe 1867 königsberg - 1945 moritzburg \n \n \n title: drei studien einer arbeiterfrau. \n \n date: ca. 1905. \n \n technique: charcoal on laid paper. \n \n measurement: 51 x 71cm. \n \n notation: signed lower right: käthe kollwitz. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n provenance: \n - teresa marquez collection, new york \n - sindin galleries, new york \n - galerie utermann, dortmund (1989) \n - private collection, south america/germany \n \n exhibitions: \n - galerie ernst arnold, dresden, 1919 \n \n literature: \n - nagel, otto (ed.): käthe kollwitz - die handzeichnungen, berlin 1972, cat. rais. no. 362, ill. \n - exhibition catalogue handzeichnungen deutscher meister, galerie ernst arnold, dresden 1919, cat. no. 141, ill. p. 51 \n \n \n - early charcoal study of touching power and exceptional draughtsmanship \n \n - a characteristic sheet from the theme of working-class life \n \n - with sensitive precision, the artist lends her powerful portraits of women a dignity that was previously unknown in art \"i found the porters of königsberg beautiful, the polish jimkies on their witinnen beautiful, the generosity of the people's movements beautiful. people from bourgeois life held no appeal for me. the whole of bourgeois life seemed pedantic to me. in contrast, the proletariat was a great success.\" (käthe kollwitz in: rückblick auf frühere zeit (1941), quoted from bohnke-kollwitz, jutta: käthe kollwitz. die tagebücher 1908-1943, munich, 2nd edition, 2018, pp. 736-744, p. 741) \n \n \n \n the world of workers \n \n käthe kollwitz was the best-known and most successful artist in germany during her lifetime. even then, she enjoyed worldwide renown, and her significance continues unabated to this day. the artist's distinctive drawings, prints and sculptures have become indelibly etched in our cultural memory. in her socially engaged work, she devoted herself like few others to the great themes of humanity: the lives and sufferings of ordinary people, poverty and social injustice, motherhood and loss, the horrors of war and death. empathy and compassion characterise her entire oeuvre. she often gives a voice to the socially marginalised and disadvantaged, lending impressive visibility to their struggle for a dignified existence. \n \n in her early drawings and prints, kollwitz focuses her attention on the proletariat with great artistic interest and a keen sense of social reality and human destiny. she felt connected to the world of the \"common people\" from her youth, when she and her sister lise would roam the harbour district of their hometown königsberg. the depictions of working-class life gave her \"simply and unconditionally\" what she \"found beautiful\" (quoted from ibid.). \n \n later, in the berlin medical practice of her husband, dr. karl kollwitz, she experienced first-hand the harsh and deprived reality of life for the urban proletariat and recognised the full extent, severity and existential hardship of working-class life. she often portrayed working-class women, whose faces bore the deep traces of a worrisome everyday life overshadowed by poverty. \n \n \n \n \n \"drei studien einer arbeiterfrau\" ( \n three studies of a working-class woman) this charcoal drawing from around 1905 is a sensitive study of three female figures in different perspectives and body language. with a slightly stooped posture, downcast eyes, one hand on their chin or both hands brought together close to their bodies in a reserved gesture, the women appear thoughtful and introverted. with a few concise strokes and dense black hatching, the artist captures the expression and emotional mood of her models. the burden of existence weighs heavily on their shoulders. the study \u2013 which finds its way into the artist's graphic and drawing work in several expressive motifs \u2013 reveals not only kollwitz's masterful powers of observation and confident drawing skills, but also her deep sympathy for human fate and a sensitive awareness of the quiet melancholy of existence. \n doris hansmann \n \n \n \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n käthe kollwitz germany berlin secession modern art 1900s craftman's frame woman works on paper charcoal"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"9","title":{"de":"käthe kollwitz: drei studien einer arbeiterfrau","en":"käthe kollwitz: drei studien einer arbeiterfrau"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29291/view","tags":["daFineart_DrawingsandPastels","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:03.130Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - 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stuttgarter kunstkabinett roman norbert ketterer, auktion 29.11.1955, lot 1622 \n - sammlung dallinger \n - sammlung walter bareiss, new york \n - museum of modern art (schenkung w. bareiss, 1957) \n - privatsammlung südamerika/deutschland \n \n ausstellungen: \n - städtisches kunsthaus bielefeld, 1957 \n - sala de exposiciones fundacion eugenio mendoza, caracas 1959 \n \n literatur: \n - heiderich, ursula: august macke - aquarelle, werkverzeichnis, ostfildern-ruit 1997, wvz.-nr. 108, abb. \n - vriesen, gustav: august macke, stuttgart 1957 (2. aufl.), kat.-nr. 115, abb. \n - auss.-kat. macke. aquarell-ausstellung, städtisches kunsthaus bielefeld, 1957, kat.-nr. 115, abb. s. 20 \n - auss.-kat. expressionismo in alemania, sala de exposiciones fundacion eugenio mendoza, caracas 1959, kat.-nr. 68 \n \n \n - august macke: geistiges und künstlerisches zentrum der rheinischen expressionisten, mitglied des blauen reiters \n \n - klassisches bildthema in einer radikal modernen interpretation \n \n - harmonische komposition mit leuchtender farbigkeit \n \n \"ich habe alles, was ich brauche, und bin vollkommen glücklich, wenn ich malen kann, was ich fühle.\" \n (august macke, 1911; zit. nach: ewers-schultz, ina: august macke, köln 2015, s. 55.) \n \n \n künstlerische festigung und formale klärung \n august macke gilt als frühvollendeter künstler des deutschen expressionismus und inbegriff einer malerei, die lebensfreude, farbe und modernität vereint. als mitglied der legendären künstlergruppe \"der blaue reiter\" und geistiger mittelpunkt der rheinischen expressionisten bewegt er sich im zentrum einer epoche, die das sehen und die malerei neu erfindet. geprägt von den eindrücken der französischen avantgarde - 1907, 1908 und 1912 reist er nach paris - entwickelt macke eine eigene und unverwechselbare bildsprache. seine malerei fasziniert bis heute durch eine farbenfrohe leichtigkeit, mit der sie das alltägliche ins poetische verwandelt: flanierende menschen, leuchtende schaufenster, harmonische landschaften und stillleben. \n obwohl sein leben auf den schlachtfeldern des ersten weltkriegs tragisch früh endet, hinterlässt august macke ein bedeutendes werk von zeitloser strahlkraft, das seine zentrale rolle in der entwicklung der modernen malerei eindrucksvoll belegt. \n im jahr 1911 befindet sich august macke an einem wichtigen punkt seiner entwicklung. anfang des vorjahres hat er in münchen franz marc kennengelernt, mit dem ihn eine künstlerisch inspirierende und unterstützende freundschaft verbindet: im november ist er mit seiner familie von einem längeren aufenthalt am tegernsee in die heimatstadt bonn zurückgekehrt, wo in den wintermonaten sein atelier ausgebaut wird. \n in dieser phase seines künstlerischen werdegangs gilt mackes interesse der weiterentwicklung der malerischen mittel anhand traditioneller bildthemen. seine gemälde sind längst keine abbilder der natur mehr, das gesehene verbindet sich vielmehr zu einer dekorativen ausdrucksmalerei, deren überzeugende bildwirkung durch den verzicht auf die darstellung von räumlichkeit und ein spannungsvolles miteinander farbiger flächen entsteht. \n \n \n biblisches sujet in der sprache der moderne \n mackes aquarell der \"susanna im bade\" nimmt als traditionelles biblisches motiv eine besondere stellung innerhalb seines oeuvres ein. ausgangspunkt ist die geschichte der keuschen susanna aus dem buch daniel, die beim bad von zwei ältesten heimlich beobachtet und später zu unrecht der untreue beschuldigt wird. im zentrum von mackes komposition liegt eine nackte weibliche figur auf einem rosafarbenen tuch, umgeben von leuchtenden blautönen unterschiedlicher intensität und tiefe, die eine atmosphäre von wasser, licht und bewegung erzeugen. hinter ihr erscheinen schemenhaft die gesichter zweier älterer männer, die aus der deckung heraus den entblößten körper der jungen frau betrachten. \n im gegensatz zur traditionellen darstellung der \"susanna im bade\" interessiert sich macke weniger für die erzählerische oder moralische dimension des stoffes, sondern nutzt das motiv als anlass für eine formale untersuchung über den zusammenklang von farbe, fläche und figur. die weibliche gestalt ist nicht in erster linie objekt voyeuristischer betrachtung, sondern teil einer kompositionellen harmonie, eingebettet in ein geflecht aus leuchtend farbigen flächenformen. damit löst macke das sujet aus seinem traditionellen kontext und überführt es in die sprache der moderne. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n august macke deutschland expressionismus künstlergruppe \"der blaue reiter\" moderne kunst unikate 1910er modellrahmen frau papierarbeit aquarell religiöses thema","en":"macke, august \n 1887 meschede - 1914 perthes-les-hurlus \n \n \n title: \"composition ii\" (susanna im bade). \n \n date: 1913. \n \n technique: watercolour and india ink on sketching paper. \n \n measurement: 23.5 x 25cm. \n \n notation: inscribed, dated and titled verso bottom: coloured ink composition ii 1913. here additionally with artist's estate stamp (lugt 1775b) with the documented number 29. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n provenance: \n - dr. fischer collection, stuttgart \n - roman norbert ketterer art gallery, stuttgart, auction 29 november 1955, lot 1622 \n - dallinger collection \n - walter bareiss collection, new york \n - museum of modern art (donated by w. bareiss, 1957) \n - private collection, south america/germany \n \n exhibitions: \n - städtisches kunsthaus bielefeld, 1957 \n - sala de exposiciones fundacion eugenio mendoza, caracas 1959 \n \n literature: \n - heiderich, ursula: august macke - watercolours, catalogue raisonné, ostfildern-ruit 1997, cat. rais. no. 108, ill. \n - vriesen, gustav: august macke, stuttgart 1957 (2nd edition), cat. no. 115, ill. \n - exhibition catalogue macke. watercolour exhibition, bielefeld municipal art gallery, 1957, cat. no. 115, ill. p. 20 \n - exhibition catalogue expressionismo in alemania, sala de exposiciones fundacion eugenio mendoza, caracas 1959, cat. no. 68 \n \n \n - august macke: intellectual and artistic centre of the rhenish expressionists, member of der blaue reiter \n \n - classical pictorial theme in a radically modern interpretation \n \n - harmonious composition with vibrant colours \n \n \"ich habe alles, was ich brauche, und bin vollkommen glücklich, wenn ich malen kann, was ich fühle. ('i have everything i need and am perfectly happy when i can paint what i feel.') \n (august macke, 1911; quoted from: ewers-schultz, ina: august macke, cologne 2015, p. 55.) \n \n \n \n artistic consolidation and formal clarification august macke is considered a precocious artist of german expressionism and the epitome of a style of painting that combines joie de vivre, colour and modernity. as a member of the legendary artist group \"der blaue reiter\" (the blue rider) and the intellectual centre of the rhenish expressionists, he was at the heart of an era that reinvented vision and painting. influenced by the french avant-garde \u2013 he travelled to paris in 1907, 1908 and 1912 \u2013 macke developed his own distinctive visual language. his paintings continue to fascinate today with their colourful lightness, transforming the everyday into the poetic: people strolling, bright shop windows, harmonious landscapes and still lifes. \n although his life ended tragically early on the battlefields of the first world war, august macke left behind a significant body of work of timeless radiance, which impressively demonstrates his central role in the development of modern painting. \n in 1911, august macke found himself at an important point in his development. at the beginning of the previous year, he had met franz marc in munich, with whom he formed an artistically inspiring and supportive friendship. in november, he returned with his family from a long stay at lake tegernsee to his hometown of bonn, where his studio was being expanded during the winter months. \n at this stage in his artistic career, macke was interested in further developing his painting techniques using traditional pictorial themes. his paintings were no longer mere representations of nature; rather, what he saw was combined into decorative, expressive paintings whose compelling visual impact was created by the absence of spatial representation and the exciting interplay of coloured surface. \n \n \n biblical motif in the language of modernism macke's watercolour painting \"susanna in the bath\" occupies a special place within his oeuvre as a traditional biblical motif. the starting point is the story of the chaste susanna from the book of daniel, who is secretly observed by two elders while bathing and later unjustly accused of infidelity. at the centre of macke's composition lies a naked female figure on a pink cloth, surrounded by bright blue tones of varying intensity and depth, creating an atmosphere of water, light and movement. behind her, the faces of two older men appear as silhouettes, watching the young woman's naked body from behind cover. \n in contrast to the traditional depiction of \"susanna at the bath, \" macke is less interested in the narrative or moral dimension of the subject matter, using the motif instead as an opportunity for a formal exploration of the harmony between colour, surface and figure. the female figure is not primarily an object of voyeuristic observation, but part of a compositional harmony, embedded in a network of brightly coloured surface forms. macke thus removes the subject from its traditional context and translates it into the language of modernism. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n august macke germany modern art 1910s craftman's frame woman works on paper watercolour religious theme"},"estimateMax":60000,"lotNumber":"10","title":{"de":"august macke: \"composition ii\" (susanna im bade)","en":"august macke: \"composition ii\" (susanna im bade)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29292/view","tags":["daFineart_Watercolors","daCollectibles_ReligiousandSacredArt","daCollectibles","daCollectibles_all","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":32000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:03.195Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac40,000 - \u20ac60,000","currency":"EUR","id":29292,"category":{"de":"Mod. 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(hier mit abweichenden maßen) \n \n \n - der erste lebzeitguss von 1930 mit einzigartiger modulation der oberfläche \n \n - absolute seltenheit auf dem kunstmarkt \n \n - \"der singende mann\" zählt zu den wichtigsten skulpturen des deutschen expressionismus \n \n - wunderschöne dunkle, ins rötlich changierende patina \n \n \n der kompletteste deutsche künstler \n man könnte ernst barlach als den wohl komplettesten deutschen künstler der klassischen moderne bezeichnen. sein werk besteht nicht nur aus seinen einzigartigen und ungemein populären skulpturen; er war auch ein genialer zeichner und illustrator, entwarf keramiken und war als schriftsteller und dramatiker hoch erfolgreich. ernst barlach wächst in norddeutschland als sohn eines landarztes auf. er absolviert die klassische ausbildung eines bildenden künstlers, zunächst an der allgemeinen gewerbeschule in hamburg, ab 1891 dann an der dresdener akademie der bildenden künste. um seine ausbildung zu vollenden, geht ernst barlach 1895 noch für ein jahr nach paris und schreibt sich in der académie julian ein. nach seiner rückkehr erhält der künstler in den folgenden jahren zwar auch öffentliche aufträge, verdient seinen lebensunterhalt aber überwiegend als illustrator, kunsthandwerker und zeichenlehrer. 1905 zieht barlach nach berlin, doch führen ihn künstlerische zweifel in eine tiefe depressive krise. eine zweimonatige reise nach russland 1906 bringt ersehnte impulse. hier findet ernst barlach zu einer neuen formensprache und hin zu einem ganz reduzierten, schlichten menschenbild. der durchbruch gelingt dem bildhauer, als er im folgejahr auf der ausstellung der berliner sezession zwei seiner neuen skulpturen zeigt. erstmals kann er als selbständiger künstler ein werk verkaufen. paul cassirer wird auf ernst barlach aufmerksam und nimmt ihn ab 1908 unter vertrag. gegen ein monatliches gehalt bekommt der einflussreichste kunsthändler berlins die exklusiven vermarktungsrechte an seinen arbeiten. damit erlangt der künstler finanzielle sicherheit. \n ernst barlachs schlichte und ausdrucksstarke menschenbilder treffen den zeitgeist. seine zunächst überwiegend in holz ausgeführten werke werden von sammlern und kritikern geschätzt. er wird in den vorstand der berliner sezession gewählt und ist nun teil der deutschen avantgarde. aus dem so geschäftigen leben in berlin zieht sich ernst barlach 1910 ins mecklenburgische güstrow zurück. hier arbeitet er in den kommenden jahren überaus intensiv und kräftezehrend als bildhauer, graphiker und schriftsteller. 1924 erhält ernst barlach für sein literarisches werk den kleist-preis, wie vor und nach ihm literaturgrößen wie robert musil, bertolt brecht oder anna seghers. nach dem tod paul cassirers 1926 arbeitet barlach mit dem galeristen alfred flechtheim zusammen. aus anlass seines 60. geburtstags wird der bildhauer 1930 mit ausstellungen in mehreren deutschen museen und in der galerie flechtheim geehrt. gleichzeitig nehmen rechtsnationale angriffe gegen sein werk zu. die zeit des nationalsozialismus überdauern viele seiner, nun als \"entartet\" gebrandmarkten werke durch die hilfe seines ehemaligen assistenten bernhard böhmer. 1938 stirbt ernst barlach in rostock. \n \n \n \"der singende mann\" - ein ikonisches bildwerk des 20. jahrhunderts \n ernst barlachs skulpturen gehören zu den populärsten plastischen kunstwerken des 20. jahrhunderts und \"der singende mann\" ist von allen seinen arbeiten im kollektiven kunstbewusstsein wohl die präsenteste. barfüßig sitzt ein junger mann in langem gewand auf dem boden. mit ausgestreckten armen umfasst er das aufgestellte rechte bein, während das linke angewinkelt, flach auf dem boden liegt und der figur seitlichen halt gibt. drei aspekte der gleichzeitigkeit machen diese skulptur so anrührend: die geschlossene, aber auch spannungsreiche dreiecks-komposition der körperhaltung, die selbstvergessene innerlichkeit des mit geschlossenen augen singenden und der vom betrachter mitgedachte gesang, der die skulptur, unterstützt von der linienvorgabe des gewandes, in eine - wiederum gedachte - wiegende bewegung versetzt. \n dieses hier vorliegende exemplar des \"singenden manns\" ist eine spezielle rarität. denn es handelt sich um den allerersten guss, der in berlin-friedenau von der firma h. noack 1930 ausgeführt wurde. \"sie unterscheiden sich von den folgenden güssen insoweit, dass sie in ihrer oberfläche \"mehr modellation\" aufweisen (hans barlach, zit nach expertise vom 17.4.1990). der galerist alfred flechtheim konnte ernst barlach davon überzeugen, eine kleine auflage von 10 exemplaren der skulptur gießen zu lassen. da diese ersten exemplare schnell verkauft waren, wurden noch zu lebzeiten ernst barlachs wohl sechs weitere güsse gefertigt. diese ersten güsse sind mit einer nummerierung in form eines bruchs, also mit horizontalem querstrich versehen, wie es auch bei dem vorliegenden exemplar der fall ist. nummerierte lebzeitgüsse dieser ikonischen skulptur kommen nur äußerst selten in den handel. das werkverzeichnis von elisabeth laur verzeichnet nur eine nummerierte arbeit in privatbesitz. der künstler hat dieses erste exemplar der gussreihe mit einer wunderbar dunklen, ins rötliche changierenden patina versehen. \n alexandra bresges-jung \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n ernst barlach deutschland expressionismus berliner sezession moderne kunst objekte 1920er mann skulptur bronze musik","en":"barlach, ernst \n 1870 wedel - 1938 rostock \n \n \n title: der singende mann. \n \n date: 1928 (draft). \n \n technique: bronze, patinated brown. \n \n measurement: 49.5 x 35 x 54cm. \n \n notation: numbered and signed left side of the hem: 1/10 e. barlach. \n \n foundry mark: beneath the foot foundry mark: h.noack berlin friedenau. \n \n number: 1/10. \n \n this specimen is a lifetime cast from 1930. an expert opinion by hans barlach, hamburg, dated 17 april 1990, is available for this work. \n \n provenance: \n - alfred flechtheim gallery, berlin (nov. 1930) \n - hans barlach \n - neher gallery, essen (acquired from the previous owner in 1990) \n - private collection, north rhine-westphalia (acquired from the previous owner in 1991) \n - independent foundation under the supervision of the german foundation centre, essen \n \n exhibitions: \n - alfred flechtheim gallery, berlin 1930 \n - neher gallery, west german art fair, cologne 1991 \n \n literature: \n - laur, elisabeth: ernst barlach - catalogue raisonné ii, the sculptural work, güstrow 2006, cat. rais. no. 432.1, ill. \n - schult, friedrich: ernst barlach - the sculptural work, hamburg 1960, cat. rais. no. 343, ill. (here with different dimensions) \n \n \n - the first lifetime casting from 1930 with unique surface modulation \n \n - absolute rarity on the art market \n \n - \"the singing man\" is one of the most important sculptures of german expressionism \n \n - beautiful dark patina with reddish iridescence \n \n the most complete german artist ernst barlach could be described as the most complete german artist of the classical modern era. his work consists not only of his unique and immensely popular sculptures; he was also a brilliant draughtsman and illustrator, designed ceramics and was highly successful as a writer and playwright. ernst barlach grew up in northern germany as the son of a country doctor. he completed a classical education as a visual artist, first at the allgemeine gewerbeschule (general trade school) in hamburg, then at the dresden academy of fine arts from 1891 onwards. to complete his education, ernst barlach went to paris for a year in 1895 and enrolled at the académie julian. after his return, the artist received public commissions in the following years, but earned his living mainly as an illustrator, craftsman and drawing teacher. in 1905, barlach moved to berlin, but artistic doubts led him into a deep depressive crisis. a two-month trip to russia in 1906 provided the inspiration he had been longing for. here, ernst barlach found a new formal language and a very reduced, simple image of humanity. the sculptor made his breakthrough the following year when he exhibited two of his new sculptures at the berlin secession exhibition. for the first time, he was able to sell a work as an independent artist. paul cassirer became aware of ernst barlach and signed him in 1908. in exchange for a monthly salary, berlin's most influential art dealer received the exclusive marketing rights to his works. this gave the artist financial security. \n \n ernst barlach's simple and expressive images of people capture the spirit of the times. his works, initially executed predominantly in wood, are appreciated by collectors and critics. he is elected to the board of the berlin secession and is now part of the german avant-garde. in 1910, ernst barlach withdraws from the busy life in berlin and retreats to güstrow in mecklenburg. here he works intensively and exhaustively as a sculptor, graphic artist and writer over the coming years. in 1924, ernst barlach receives the kleist prize for his literary work, as did literary greats such as robert musil, bertolt brecht and anna seghers before and after him. after the death of paul cassirer in 1926, barlach works with the gallery owner alfred flechtheim. on the occasion of his 60th birthday in 1930, the sculptor was honoured with exhibitions in several german museums and in the flechtheim gallery. at the same time, right-wing nationalist attacks against his work increased. many of his works, now branded as \"degenerate\", survived the nazi era with the help of his former assistant bernhard böhmer. ernst barlach died in rostock in 1938. \n \n \n \n \n \"der singende mann\" (the singing man) \u2013 an iconic sculpture of the 20th century ernst barlach\u2019s sculptures are among the most popular plastic artworks of the 20th century, and \"der singende mann\" is probably the most prominent of all his works in the collective artistic consciousness. a young man sits barefoot on the ground in a long robe. with his arms outstretched, he embraces his raised right leg, while his left leg is bent, lying flat on the ground and providing lateral support for the figure. three aspects of simultaneity make this sculpture so moving: the closed but also tense triangular composition of the posture, the self-forgetful inwardness of the singer with his eyes closed, and the song imagined by the viewer, which, supported by the lines of the robe, sets the sculpture in a rocking motion \u2013 again imagined. \n this example of the \"singing man\" is a special rarity. it is the very first cast, made in berlin-friedenau by the h. noack company in 1930. \"they differ from the subsequent casts in that they have \u201cmore modelling\u201d on their surface\" (hans barlach, quoted from an expert opinion dated 17 april 1990). the gallery owner alfred flechtheim was able to convince ernst barlach to have a small edition of 10 copies of the sculpture cast. as these first copies sold quickly, six more casts were made during ernst barlach's lifetime. these first casts are numbered in the form of a fraction, i.e. with a horizontal crossbar, as is the case with the present copy. numbered lifetime casts of this iconic sculpture are extremely rare on the market. elisabeth laur's catalogue raisonné lists only one numbered work in private ownership. the artist has given this first copy of the cast series a wonderfully dark patina with reddish iridescence. \n alexandra bresges-jung \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n ernst barlach germany berlin secession modern art sculptures 1920s man sculpture bronze music"},"estimateMax":300000,"lotNumber":"11","title":{"de":"ernst barlach: der singende mann","en":"ernst barlach: der singende mann"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29293/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":160000,"soldPrice":170000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.156Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac200,000 - \u20ac300,000","currency":"EUR","id":29293,"category":{"de":"Mod. 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\n auf den ersten blick hat der künstler hier, mit einer gehörigen portion humor, ein freundliches stillleben arrangiert: eine irdene, hohe schnapsflasche, eine uhr, ein weißer teller, auf dem eine pfeife und eine zitrone liegen, dahinter eine schwarze (tinten-?) flasche. dies alles sind in stillleben durchaus vertraute elemente. beherrscht wird die komposition aber von einem, auf einem kleiderbügel hängenden, hellblauen damen-oberteil mit kurzen ärmeln, in dessen ausschnitt die karikaturhaft überzeichnete maske einer person of color platziert ist. auf den kopf hat man dieser maske auch noch ein blaues tuch mit weißen tupfen gelegt, was die absurdität der gestalt weiter steigert - zumal die schattierungen des kleidungsstücks, der leicht erhobene linke ärmel und der flattrig auslaufende saum, lebendigkeit suggerieren. ein glatt aufgehängtes, kariertes geschirrtuch wird auf der linken seite des bildes wie ein paravent zum hintergrund. auf der rechten seite werden die gegenstände auf dem tisch von einer dunkelgrünen tapete hinterfangen. \n eine ungeheure intensität geht von dieser komposition aus. längeres betrachten bringt unklarheiten zutage: worauf steht die schnapsflasche am linken bildrand? wie spät ist es auf der uhr, deren zeiger fast gleich lang erscheinen? steht auf dem tisch wirklich eine schwarze flasche, oder ist es eher eine erloschene kleine laterne? und alle gegenstände werden aufgeladen durch das grotesk, aber auch unheimlich wirkende \"masken-wesen\". \n \n \n gemalt im exil \n als der dreißigjährige felix nussbaum dieses gemälde 1935 malt, ist er, aufgrund seiner jüdischen religionszugehörigkeit, ein exilant in ostende. an der berliner akademie der künste ausgebildet, zuletzt als meisterschüler hans meids, und stark beeinflusst von carl hofer, hatten sich ende der 1920er jahre erste erfolge eingestellt. 1932 erlangt er ein arbeitsstipendium für die villa massimo in rom. gemeinsam mit seiner lebensgefährtin, der malerin felka platek, wird er dort von der machtergreifung der nationalsozialisten erfasst. sein stipendium endet nach einer streiterei sofort und nach stationen in italien und frankreich landet das paar 1935 im belgischen ostende. felix nussbaum kennt die stadt von früheren reisen, hier hat er freunde. mit einem touristenvisum, das aber jegliche erwerbsarbeit ausschließt, sind ihm nur der aufenthalt und das studium der kunst erlaubt. um eine verlängerung des visums und eine eintragung ins fremdenregister zu erlangen, schreibt unter anderem james ensor, den nussbaum schon länger kennt, ein gutachten über seine malerei. aber die geschichte wird kein gutes ende nehmen. aus einer ersten verhaftung und internierung 1940 kann felix nussbaum noch fliehen und untertauchen, im sommer 1944 wird er jedoch denunziert und in das kz auschwitz-birkenau deportiert, wo er, wohl am 31.7.1944, umkommt. \n \n \n chiffren, symbole und metaphern \n vor diesem biographischen hintergrund erlangt das subtil vage, beklemmende und interpretation-fordernde des \"stilllebens mit maske\" eine noch stärkere intensität. felix nussbaums oeuvre ist voller wiederkehrender, nicht leicht zu entschlüsselnder motive. gerade im jahr 1935 setzt er wiederholt masken in seinen kompositionen ein. sich zu verbergen, identitäten zu wechseln, ist für einen verfolgten menschen teil des überlebens. hinter der hier gezeigten maske kann sich der bedrohte jude aber nicht verstecken, entlarvt die hautfarbe und die rassistische darstellung ihren träger doch sofort. genau diese maske hat felix nussbaum im selben jahr auch in einem anderen stillleben eingesetzt. (abb. 1) \n im endlosen warten und nichts-tun-können verliert die genaue uhrzeit ihre bedeutung. eine zitrone mag an die zurückliegende, zunächst schöne zeit in italien erinnern. die haltlos schwebende schnapsflasche mit dem leicht schrägen korken zeigt eine andere möglichkeit des eskapismus auf. das in felix nussbaums werk immer wiederkehrende, karierte geschirrhandtuch ist nicht wirklich gedeutet. einen hinweis mag aber die erinnerung einer cousine felix nussbaums geben, die den holocaust überlebte: \"ein küchenhandtuch, wie es so nur in deutschland verbreitet ist, hatten wir immer dabei, [.] auch wenn man es nur [.] über einem koffer ausbreitete, vermittelte es ein bisschen häuslichkeit\" (auguste moses zit. nach: junk, peter/zimmer, wendelin: felix nussbaum, 1904 - 1944, die biographie, (i.d. reihe: ortswechsel, fluchtpunkte), osnabrück/bramsche, 2008, s. 192) so mag das auch hier eingesetzte requisit neben der verbleibenden ordnung in einer chaotischen lebensphase auch konkret für die verlorene heimat stehen. \n \n alexandra bresges-jung \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n felix nussbaum deutschland neue sachlichkeit moderne kunst unikate 1930er rahmen stillleben gemälde öl","en":"nussbaum, felix \n 1904 osnabrück - 1944 auschwitz \n \n \n title: stillleben mit maske und pullover. \n \n date: 1935. \n \n technique: oil on canvas. \n \n mounting: relined. \n \n measurement: 47.5 x 65cm. \n \n notation: signed and dated lower centre: felix nussbaum 1935. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the painting is registered in the felix nussbaum archive. it is listed in the online catalogue raisonné of felix nussbaum's works, currently in progress, under catalogue number 215. we would like to thank ms anne sibylle schwetter, felix nussbaum house, osnabrück, for her kind academic support. \n \n the felix nussbaum house in osnabrück has requested to borrow the painting offered here for the planned exhibition 'felix nussbaum. masquerades' from november 2026 to april 2027. \n \n provenance: \n - private collection, belgium \n - lempertz auction house, cologne, 788th auction, 7th june 2000, lot 15 (label) \n - private collection, north rhine-westphalia \n \n \n - a still life that is as humorous as it is ominous, reflecting nussbaum's fear of the future during his exile in ostend, belgium \n \n - nussbaum's intimate and socially critical works occupy a special place in art history \n \n - paintings of this quality are rarely offered on the auction market \n \n a curious arrangement? at first glance, the artist has arranged a friendly still life with a good dose of humour: a tall earthenware liquor bottle, a clock, a white plate with a pipe and a lemon on it, and a black (ink?) bottle behind it. these are all familiar elements in still lifes. however, the composition is dominated by a light blue women's top with short sleeves hanging on a coat hanger, in the neckline of which is placed a caricatured mask of a person of colour. a blue cloth with white dots has also been placed on the mask's head, further enhancing the absurdity of the figure \u2013 especially since the shading of the garment, the slightly raised left sleeve and the fluttering hem suggest liveliness. a smoothly hung, checked tea towel on the left side of the picture acts as a screen against the background. on the right side, the objects on the table are set against a dark green wallpaper. \n \n this composition exudes tremendous intensity. looking at it for longer reveals ambiguities: what is the liquor bottle on the left edge of the picture standing on? what time is it on the clock, whose pointers appear to be almost the same length? is there really a black bottle on the table, or is it rather a small, extinguished lantern? and all the objects are charged by the grotesque, but also eerie-looking \"mask creature\". \n \n \n \n \n painted in exile when felix nussbaum, aged thirty, painted this picture in 1935, he was living in exile in ostend because of his jewish faith. trained at the berlin academy of arts, most recently as a master student of hans meid, and strongly influenced by carl hofer, he had enjoyed his first successes at the end of the 1920s. in 1932, he was awarded a working scholarship for the villa massimo in rome. together with his partner, the painter felka platek, he was caught up in the nazi seizure of power there. his scholarship ended immediately after a dispute, and after stays in italy and france, the couple ended up in ostend, belgium, in 1935. felix nussbaum knew the city from previous trips and had friends there. with a tourist visa that excluded any gainful employment, he was only allowed to stay and study art. in order to obtain an extension of his visa and registration in the foreigner's register, james ensor, whom nussbaum had known for some time, wrote an expert opinion on his painting. but the story would not end well. felix nussbaum manages to escape and go into hiding after his first arrest and internment in 1940, but in the summer of 1944 he is denounced and deported to the auschwitz-birkenau concentration camp, where he dies, probably on 31 july 1944. \n \n \n \n \n ciphers, symbols and metaphors against this biographical background, the subtle vagueness, oppressiveness and interpretative demands of \"still life with mask\" take on even greater intensity. felix nussbaum's oeuvre is full of recurring motifs that are not easy to decipher. in 1935 in particular, he repeatedly used masks in his compositions. hiding, changing identities, is part of survival for a persecuted person. however, the threatened jew cannot hide behind the mask shown here, as the skin colour and racist depiction immediately expose its wearer. felix nussbaum used this very mask in another still life in the same year. \n \n in the endless waiting and inability to do anything, the exact time loses its meaning. a lemon may remind us of the past, initially beautiful time in italy. the precariously floating liquor bottle with its slightly slanted cork shows another possibility of escapism. the checkered dish towel that recurs repeatedly in felix nussbaum's work has not really been interpreted. however, a clue may be found in the memory of a cousin of felix nussbaum who survived the holocaust: \"we always had a kitchen towel with us, the kind that is only common in germany, [...] even if you just spread it over a suitcase, it conveyed a bit of homeliness\" (auguste moses quoted in: junk, peter/zimmer, wendelin: felix nussbaum, 1904 - 1944, die biographie, (in the series: ortswechsel, fluchtpunkte), osnabrück/bramsche, 2008, p. 192). thus, in addition to representing the remaining order in a chaotic phase of life, the prop used here may also specifically stand for the lost homeland. \n \n alexandra bresges-jung \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n felix nussbaum germany new objectivity modern art 1930s framed still life painting oil"},"estimateMax":150000,"lotNumber":"12","title":{"de":"felix nussbaum: stillleben mit maske und pullover","en":"felix nussbaum: stillleben mit maske und pullover"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29294/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":80000,"soldPrice":165000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.161Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac100,000 - \u20ac150,000","currency":"EUR","id":29294,"category":{"de":"Mod. 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die bekanntschaft mit georges braque und die inspiration durch paul cézanne bringen eine gewisse strenge und ordnung in seine malerei. \n zu anfang wenig erfolgreich mit seinen bildern, wendet sich dufy dem textildesign zu und findet über ein eigenes dekorationsatelier zugang zur modewelt. für paul poiret entwirft er stoffe, das bekannte seidenhaus bianchini-férier beschäftigt ihn von 1910 bis 1914 als zeichner. diese gestalterischen erfahrungen bereichern seine malerei und führen zu einer verfeinerten technik und ausgewogenen, differenzierten farbgebung. \n \n \n dufys welt der musik \n im spätwerk erreichen seine bilder eine aquarell-ähnliche zartheit, weiche farbtonalität und graziöse melodik. zu dufys bevorzugten motiven zählt immer wieder die musik - 1942 beginnt er eine serie von instrumenten, orchester- und konzertdarstellungen. wie kaum ein anderer versteht er es, die sinnliche welt von melodie und rhythmus in farbe und form zu übersetzen. ein herausragendes beispiel dieses künstlerischen dialoges zwischen klang und bild bietet das gemälde \"l'orchestre\": eine vibrierende szene, die weit mehr ist als eine bloße wiedergabe des gesehenen - sie ist ein visueller klangraum. \n mit skizzenhafter leichtigkeit formen sich musiker und instrumente zu einem pulsierenden ensemble. die linien tanzen, die farben schwingen - alles scheint in bewegung, durchdrungen vom takt der musik. dufy verzichtet bewusst auf die präzise wiedergabe einzelner figuren, nicht das individuum interessiert ihn, sondern das gemeinsame erlebnis des musizierens. die vielfigurige szene lebt von rhythmisch gesetzten linien und flirrenden farbflächen. \n die palette ist reich und ausdrucksstark: warme ocker-, rot- und brauntöne verleihen dem bild eine festliche aura. kühlere blau- und grüntöne - vor allem in den instrumenten und anzügen der musiker - setzen lebhafte akzente und erzeugen eine harmonisch gestimmte dynamik. \n das gemälde ist exemplarisch für dufys späte schaffensphase, in der er die musik zum zentralen thema erhebt. dem künstler gelingt hier das scheinbar unmögliche: die sinnliche essenz der musik sichtbar zu machen - als leuchtende komposition aus klang, farbe und bewegung - ein fest für die sinne. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n raoul dufy frankreich fauvismus moderne kunst unikate 1940er modellrahmen musiker gemälde öl orchester","en":"dufy, raoul \n 1877 le havre - 1953 forcalquier \n \n \n title: l'orchestre. \n \n date: 1942. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 46 x 61cm. \n \n notation: signed lower left: raoul dufy. additionally equipped with collector's stamp upper right: m. eugène storck, notaire. saint-avold (moselle). \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n this work is accompanied by a certificate from fanny guillon-laffaille, paris, dated 10 july 2001. the work will be included in the 2nd supplement to the catalogue raisonné of paintings, which is currently in preparation, and is already listed on the official website under catalogue number ps-0192. (www.catalogue-raisonne-raoul-dufy.fr) \n \n provenance: \n - eugène storck collection, saint-avold/moselle \n - berthe reysz collection, perpignan \n - artcurial, paris, auction 30th june 2003, lot 62 \n - private collection, north rhine-westphalia \n \n exhibitions: \n - galerie fanny guillon-laffaille, paris 1993 \n - musée de bunkamura, tokyo 1994 \n - musée nichido de kasama, kasama 1994 \n - himeji city museum of art, himeji 1995 \n - toyohasi city art museum, toyohasi 1995 \n - centre international d'art et d'animation, le poet laval 2000 \n \n literature: \n - guillon-laffaille, fanny: raoul dufy. peintures. supplement no. 2, \n - exhibition catalogue dufy et la musique, galerie fanny guillon-lafaille, paris 1993, ill. p. 5 \n - exhibition catalogue raoul dufy. mer et musique, musée de bunkamura, tokyo/ musée nichido de kasama, kasama/himeji city museum of art, himeji/toyohashi city art museum, toyohashi 1994/95, cat. no. 81, ill. \n - exhibition catalogue raoul dufy, centre international d'art et d'animation, le poet laval 2000, ill. p. 22 \n \n \n - raoul dufy is a style-defining pioneer of modernism \n \n - warm-toned and dense orchestral performance with lively movement and dynamics \n \n - the captivating dialogue between musicality and painting is a feast for the senses \n \n the beginnings raoul dufy is not only a painter, but also a graphic artist, illustrator, ceramist and textile artist. his imagery exudes a magical lightness that celebrates life in its most beautiful form. with expressive colours, dynamic compositions and sweeping lines, he creates works of unmistakable poetry. under his brushstrokes, everyday scenes are transformed into cheerful, rhythmically pulsating snapshots \u2013 full of elegance, musicality and visual esprit. as an important representative of fauvism and a style-defining pioneer of modernism, dufy gives art a new, unmistakable language. \n \n coming from a modest background, he began his artistic career with evening classes at the municipal art school in his hometown of le havre before continuing his training at the école nationale supérieure des beaux-arts in paris. initially influenced by impressionism, from 1905 onwards he was inspired by the painting style of henri matisse and discovered the vibrant colours of fauvism; his acquaintance with georges braque and inspiration from paul cézanne brought a certain austerity and order to his painting. initially unsuccessful with his paintings, dufy turned to textile design and found his way into the world of fashion through his own decoration studio. \n \n he designed fabrics for paul poiret and worked as a draughtsman for the renowned silk house bianchini-férier from 1910 to 1914. these creative experiences enriched his painting and led to a refined technique and balanced, differentiated colouring. \n \n \n \n \n dufy's world of music in his later work, his paintings achieve a watercolour-like delicacy, soft colour tones and graceful melodies. music is one of dufy's favourite motifs \u2013 in 1942, he began a series of paintings depicting instruments, orchestras and concerts. like no other, he understood how to translate the sensual world of melody and rhythm into colour and form. an outstanding example of this artistic dialogue between sound and image is the painting \"l'orchestre\": a vibrant scene that is far more than a mere reproduction of what is seen \u2013 it is a visual sound space. \n with sketch-like ease, musicians and instruments form a pulsating ensemble. the lines dance, the colours vibrate \u2013 everything seems to be in motion, permeated by the beat of the music. dufy deliberately refrains from precisely reproducing individual figures; he is not interested in the individual, but in the shared experience of making music. \n the multi-figure scene thrives on rhythmically placed lines and shimmering areas of colour. the palette is rich and expressive: warm ochre, red and brown tones lend the painting a festive aura. cooler blue and green tones \u2013especially in the musicians' instruments and suits \u2013 set lively accents and create a harmonious dynamic. \n the painting is exemplary of dufy's late creative phase, in which he elevated music to a central theme. here, the artist achieves the seemingly impossible: making the sensual essence of music visible \u2013 as a luminous composition of sound, colour and movement \u2013 a feast for the senses. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n raoul dufy modern art 1940s craftman's frame musician painting oil"},"estimateMax":150000,"lotNumber":"13","title":{"de":"raoul dufy: l'orchestre","en":"raoul dufy: l'orchestre"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29295/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":80000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.199Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac100,000 - \u20ac150,000","currency":"EUR","id":29295,"category":{"de":"Mod. 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(hier unkorrekt als \"konstellation um iv\") \n - ausst.-kat. johannes molzahn, verein für kunst, literatur und kunsthandwerk bamberg e.v. 1964, kat.-nr. 18 \n - ausst.-kat. johannes molzahn, wilhelm-lehmbruck-museum, duisburg 1964, kat.-nr. 37 \n - ausst.-kat. johannes molzahn - gemälde und grafik, neue galerie am landesmuseum joanneum graz 1973, kat.-nr. 21 \n - ausst.-kat. johannes molzahn, ostdeutsche galerie regensburg, 1974, kat.-nr. 39 \n - reuter, marianne: \"rule and measure\". die konstruktion als sinnbild des mythos - das spätwerk des malers johannes molzahn, in: das münster 3, 39.jg., 1986, s. 210-216 \n \n \n - charakteristisches figurenbild aus der zeit vor molzahns emigration in die usa \n \n - kompromisslose, technisch-visionäre darstellung des menschen \n \n - das gemälde markiert einen höhepunkt im schaffen des künstlers \n \n \n \n ein künstlerleben zwischen avantgarde und exil johannes molzahn nimmt innerhalb der kunst der moderne eine unverwechselbare position ein. der maler, werbegrafiker, kunsttheoretiker und lehrer gilt als einer der bedeutendsten vertreter der künstlerischen avantgarde zwischen den beiden weltkriegen. sein werk verbindet elemente des expressionismus, konstruktivismus und futurismus zu einer virtuosen bildsprache, in der technik, bewegung und struktur eine zentrale rolle spielen. \n molzahn stand in enger verbindung zu den führenden avantgardistischen bewegungen und prägenden persönlichkeiten seiner zeit. früh lernt er in der schweiz otto meyer-amden kennen und begegnet johannes itten, oskar schlemmer und willi baumeister. nach dem ersten weltkrieg gehört er zum kreis von herwarth waldens sturm-galerie, ist an der gründung des weimarer bauhauses beteiligt, pflegt enge kontakte zur berliner novembergruppe und dem arbeitsrat für kunst. 1923 beruft ihn bruno taut als lehrer an die kunstgewerbe- und handwerkerschule magdeburg, 1928 folgt eine professur für grafik an der staatlichen akademie für kunst und kunstgewerbe in breslau. \n mit der machtübernahme der nationalsozialisten wird molzahn 1933 seines amtes enthoben, und 1937 in der ausstellung \"entartete kunst\" diffamiert. im darauffolgenden jahr sieht der künstler sich gezwungen, in die usa zu emigrieren, wo er in seattle, new york und chicago künstlerisch und pädagogisch wirkt, bevor er 1959 nach deutschland zurückkehrt. \n \n \n mensch und maschine im spannungsfeld der moderne während der schweren phase persönlicher und politischer umbrüche inspiriert das zeitgeschehen den künstler zu monumentalen figurenbildern. zu ihnen gehört auch das 1935 entstandene \"konstellation um vier\" - ein großformatiges ölgemälde, das in seiner dynamischen komplexität nicht leicht lesbar ist. vielfach überlagerte und strukturierte flächen und linien in kraftvollem rot und kühlen grau-, grün- und blautönen erzeugen ein facettenreiches geflecht visueller zeichen, die ein vages gefühl von energie, fortschritt und mechanisierung vermitteln. \n die dargestellten figuren erscheinen als technoide gestalten in einem gefüge unterschiedlicher körperhaltungen - mit nach vorn geneigtem oberkörper stehend, mit angezogenen beinen hockend oder in unterschiedlichen haltungen liegend. die kraftvollen, voluminösen körper sind aus zylindrischen, rohrähnlichen elementen gebaut, die an gelenke, kolben oder industrielle bauteile erinnern, während zugleich schemenhaft dargestellte hände, füße und gesichter den figuren eine subtile menschliche präsenz verleihen. \n das \"konstellation um vier\" kann als molzahns beitrag zu einer konstruktivistischen menschendarstellung verstanden werden. der antikisierenden, heroisch überhöhten figuration nationalsozialistischer kunst setzt es eine visionäre, geistig-technisch geprägte vorstellung des menschen entgegen. \n doris hansmann \n \n \n van ham art estate vertritt seit 2021 zusammen mit dem johannes molzahn centrum, kassel den künstlerischen nachlass von johannes molzahn. \n www.johannes-molzahn.org \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n johannes molzahn deutschland expressionismus abstraktion moderne kunst unikate 1930er rahmen figur / figuren gemälde öl","en":"molzahn, johannes 1892 duisburg - 1965 munich \n \n \n title: \"konstellation um vier\". \n \n date: 1935. \n \n technique: oil on burlap. \n \n measurement: 112.5 x 144.5cm. \n \n notation: dated, signed and titled verso lower left: 1935 - berlin johannes molzahn \"konstellation um vier\". here addionally inscribed twice with the work no. 102 as well as artist's stamp and work details. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the work is listed in loretto molzahn's fragmentary painting inventory under number 0102/203. \n \n provenance: \n - molzahn estate \n - loretto molzahn (the artist's second wife), munich \n - private collection, hesse \n \n exhibitions: \n - galerie f+f (dr kurt feldhäusser and marie johanne fritze), berlin, 1936 \n - kunstkabinett klihm, munich, 1963 \n - verein für kunst, literatur und kunsthandwerk bamberg e.v., 1964 \n - wilhelm-lehmbruck-museum, duisburg 1964 \n - galerie nächst st. stephan, vienna 1973 \n - neue galerie am landesmuseum joanneum, graz 1973 \n - ostdeutsche galerie regensburg, 1974 \n \n literature: \n - gries, christian: johannes molzahn (1892-1965) and the \"struggle for art\" in germany during the weimar republic (appendix: catalogue raisonné of paintings by johannes \n molzahn), diss. university of augsburg 1996, cat. rais. no. 226 a \n - exhib. catalogue paintings by johannes molzahn, new works 1935/36, galerie f+f (dr kurt feldhäusser and marie johanne fritze), berlin 1936, cat. no. 3 \n - exhib. catalogue johannes molzahn. paintings - prints from the period before emigration 1916/1935, kunstkabinett klihm, munich 1963, cat. no. 18, ill. (here incorrectly as 'konstellation um iv') \n - exhib. catalogue johannes molzahn, verein für kunst, literatur und kunsthandwerk bamberg e.v. 1964, cat. no. 18 \n - exhib. catalogue johannes molzahn, wilhelm-lehmbruck-museum, duisburg 1964, cat. no. 37 \n - exhib. catalogue johannes molzahn - paintings and prints, neue galerie am landesmuseum joanneum graz 1973, cat. no. 21 \n - exhib. catalogue johannes molzahn, ostdeutsche galerie regensburg, 1974, cat. no. 39 \n - reuter, marianne: 'rule and measure'. the construction as a symbol of myth - the late work of painter johannes molzahn, in: das münster 3, 39th year, 1986, pp. 210-216 \n \n \n - characteristic figure painting from the period before molzahn emigrated to the usa \n \n - uncompromising, technically visionary depiction of human beings \n \n - the painting marks a high point in the artist's oeuvre \n \n an artist's life between avant-garde and exile johannes molzahn occupies a distinctive position within modern art. the painter, commercial artist, art theorist and teacher is considered one of the most important representatives of the artistic avant-garde between the two world wars. his work combines elements of expressionism, constructivism and futurism to create a virtuoso visual language in which technique, movement and structure play a central role. \n molzahn had close ties to the leading avant-garde movements and influential personalities of his time. early on, he met otto meyer-amden in switzerland and encountered johannes itten, oskar schlemmer and willi baumeister. after the first world war, he belonged to herwarth walden's sturm gallery circle, was involved in the founding of the weimar bauhaus, and maintained close contacts with the berlin november group and the workers' council for art. in 1923, bruno taut appointed him as a teacher at the school of arts and crafts in magdeburg, followed in 1928 by a professorship in graphic design at the state academy of art and design in breslau. \n when the national socialists came to power in 1933, molzahn was removed from office and defamed in the 1937 exhibition \"degenerate art\". the following year, the artist was forced to emigrate to the united states, where he worked as an artist and teacher in seattle, new york and chicago before returning to germany in 1959. \n \n \n \n \n man and machine in the tension field of modernity during this difficult period of personal and political upheaval, current events inspired the artist to create monumental figurative paintings. these include \"konstellation um vier\" (constellation at four), created in 1935 \u2013 a large-format oil painting that is not easily readable in its dynamic complexity. \n multiple layers and structured surfaces and lines in powerful red and cool shades of grey, green and blue create a multifaceted network of visual signs that convey a vague feeling of energy, progress and mechanisation. \n the figures depicted appear as technoid shapes in a structure of different postures \u2013 standing with their upper bodies leaning forward, crouching with their legs drawn up, or lying in various positions. the powerful, voluminous bodies are constructed from cylindrical, tube-like elements reminiscent of joints, pistons or industrial components, while at the same time, sketchily depicted hands, feet and faces lend the figures a subtle human presence. \n the \"constellation at four\" can be understood as molzahn's contribution to a constructivist representation of humanity. it contrasts the antique, heroically exaggerated figuration of national socialist art with a visionary, intellectually and technically influenced conception of humanity. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n johannes molzahn germany abstraction modern art 1930s framed figure / figures painting oil"},"estimateMax":60000,"lotNumber":"14","title":{"de":"johannes molzahn: \"konstellation um vier\"","en":"johannes molzahn: \"konstellation um vier\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29296/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":32000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.234Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac40,000 - \u20ac60,000","currency":"EUR","id":29296,"category":{"de":"Mod. 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magisch - visionär\", vom 26.9.2026 bis 17.1.2027, vor. \n \n provenienz: \n - galerie nierendorf, berlin (direkt vom künstler) \n - ministerium für volksbildung und kultur (1935 von vorheriger erworben) \n - kunsthandel ulrich gronert, berlin \n - privatsammlung norddeutschland \n \n literatur: \n - hamburger, dietlinde (hrsg.): carl grossberg: industrie und imagination in der malerei der neuen sachlichkeit, dissertation, kassel 1990, wvz.-nr. g77 \n \n \n - carl grossberg: ein herausragender vertreter der neuen sachlichkeit \n \n - seltenes würzburger motiv aus den frühen 1930er jahren \n \n - strenge gestaltung und stille poesie verschmelzen zu einem eindrucksvollen bild \n \n \n eine konzentrierte schaffensphase \n carl grossberg zählt zu den profiliertesten vertretern der neuen sachlichkeit. sein malerisches werk, entstanden in einer konzentrierten schaffensphase von nur 15 jahren, fasziniert durch streng komponierte, fast durchweg menschenleere szenarien moderner industrie- und stadtlandschaften: fabrikhallen, maschinensäle, turbinen, kühltürme, walzwerke und bohrmaschinen sowie straßenfluchten, dörfer, brücken und urbane architekturen. mit großer klarheit und formaler strenge hält grossberg den tiefgreifenden technisch-industriellen wandel der frühen moderne in seinem oeuvre fest. expressionistisches pathos tritt zurück zugunsten einer präzisen, schnörkellosen bildsprache, in der jegliche spuren des malprozesses getilgt sind - 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1940 combiègne near laon \n \n \n title: festung marienberg bei würzburg. \n \n date: 1934. \n \n technique: oil on canvas. \n \n mounting: mounted on wood. \n \n measurement: 72.5 x 89.5cm. \n \n notation: signed and dated lower left: carl grossberg 1934. dated again (deviently), verso inscribed and titled on label: 1935 g653 festung marienberg bei würzburg. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the painting offered here has been requested on loan by the museum im kulturspeicher würzburg for the planned retrospective 'carl grossberg. objective - magical - visionary', from 26 september 2026 to 17 january 2027. \n \n provenance: \n - galerie nierendorf, berlin (directly from the artist) \n - ministry of education and culture (acquired from the previous owner in 1935) \n - ulrich gronert art dealers, berlin \n - private collection, northern germany \n \n literature: \n - hamburger, dietlinde (ed.): carl grossberg: industry and imagination in new objectivity painting, dissertation, kassel 1990, cat. rais. no. g77 \n \n \n - carl grossberg: an outstanding representative of new objectivity \n \n - rare würzburg motif from the early 1930s \n \n - austere design and quiet poetry merge to create an impressive image \n \n a concentrated creative phase carl grossberg is one of the most prominent representatives of new objectivity. his paintings, created during a concentrated creative phase lasting only 15 years, fascinate viewers with their strictly composed, almost entirely deserted scenes of modern industrial and urban landscapes: factory halls, machine rooms, turbines, cooling towers, rolling mills and drilling machines, as well as streets, villages, bridges and urban architecture. with great clarity and formal rigour, grossberg captures the profound technical and industrial changes of early modernism in his oeuvre. expressionist pathos takes a back seat in favour of a precise, unadorned visual language in which all traces of the painting process are erased \u2013 cool on the surface, yet imbued with a restrained elegance and subtle beauty. \n \n \n \n \n stages of his artistic career born in elberfeld, he began studying architecture at the technical universities of aachen and darmstadt in 1913 before being drafted into the military. marked by his experiences in the first world war, carl grossberg returned in 1919 and initially enrolled at the weimar art academy before transferring to the newly founded state bauhaus. there, lyonel feininger became his most influential teacher. in 1921, he was supposed to travel to italy, where he hoped to find inspiration for his paintings, but fate had other plans for him: his journey ended in franconia, where he met his future wife, the violinist mathilde schwarz, in sommershausen near würzburg and converted the medieval flurer tower into a residence. \n \n in addition to his industrial paintings and cityscapes, which impress with their purist clarity and impressive topographical precision, he created surreal, dreamlike worlds reminiscent of the mysterious pittura metafisica. from 1933 onwards, the artist pursued the ambitious idea of his \"industrial plan\" \u2013 a comprehensive cycle of paintings that was to depict germany's most important industrial enterprises, but was never realised. \n \n \n \n \n architectural power in a strict composition the \"festung marienberg bei würzburg\" (marienberg fortress near würzburg) from 1934 is one of carl grossberg\u2019s late and at the same time striking works. the delicately coloured oil painting presents the city\u2019s landmark as a stylised structure that rises powerfully above a calmly structured city skyline. in the foreground, the old main bridge with its characteristic arches and baroque statues runs through the picture \u2013 deep shadows and reflections in the water form a rhythmic, almost abstract interplay of sweeping lines and striking surfaces, lending the motif a quiet grandeur. between compositional rigour and meditative calm, this painting unfolds a timeless monumentality \u2013 clear, cool, precise and yet imbued with a quiet poetry. \n \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n carl grossberg germany new objectivity modern art 1930s framed architecture painting oil"},"estimateMax":100000,"lotNumber":"15","title":{"de":"carl grossberg: festung marienberg bei würzburg","en":"carl grossberg: festung marienberg bei würzburg"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29297/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":56000,"soldPrice":145000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.238Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac70,000 - 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lily klee, bern (1940-1946) \n - klee-gesellschaft, bern (1946-1947) \n - galerie rosengart, luzern (1947-1948) \n - theodor schempp, paris/new york (ab 1948) \n - privatsammlung \n - christies new york, auktion 8.11.1995, lot 280 \n - galerie neher, essen (aufkleber) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (1998 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - musée national d'art moderne, paris 1948, nr. 182 \n - the arts club, chicago 1962, nr. 65 \n - galerie neher, essen 1996, abb. \n - galerie neher/westdeutsche kunstmesse international, köln 1997 \n - galerie neher/westdeutsche kunstmesse international, köln 1998 \n - museum schloss moyland, bedburg-hau 2000 \n - kurpfälzisches museum der stadt heidelberg, 2002 \n \n literatur: \n - paul-klee-stiftung/kunstmuseum bern (hrsg.): paul klee - catalogue raisonné, bd. 9, bern 2004, wvz.-nr. 9371, abb. \n - paul-klee-stiftung/kunstmuseum bern (hrsg.): paul klee, verzeichnis der werke des jahres 1940, stuttgart 1991, wvz.-nr. 1940, 352 (f12), abb. \n \n \n - werk von stiller monumentalität, das den späten klee in seiner geistigen tiefe und formalen meisterschaft zeigt \n \n - aus dem letzten lebensjahr des künstlers, das von großer schaffenskraft geprägt ist \n \n - vibrierendes spannungsverhältnis zwischen dem schwarzen raster und dem lichtspiel der farben \n \n \n schöpfungssucht der letzten lebensjahre \n paul klees oeuvre ist von einer zerrissenheit zwischen abstraktion und figuration, musik und malerei, denken und empfinden bestimmt. eine ambivalenz, die ihn bis heute zu einem der zentralen wegbereiter der moderne macht. nach studien an der münchner akademie und frühen stilistischen experimenten schließt sich klee 1911 der künstlergruppe \"der blaue reiter\" an, wo er im dialog mit wassily kandinsky und franz marc eine neue, geistig durchdrungene form der kunst formuliert. die lehrjahre am bauhaus in weimar und dessau von 1921 bis 1931 sowie an der düsseldorfer akademie ab 1931 prägen eine generation von künstlerinnen wie künstlern und begründen seinen rang als einem der maßgeblichen lehrenden der moderne. 1933 wird klee von den nationalsozialisten als \"entartet\" diffamiert und aus seinem amt entlassen. noch im selben jahr emigriert er in die schweiz, wo er in bern eine späte, intensive schaffensphase beginnt. \n 1935 erkrankt klee an sklerodermie, einer unheilbaren autoimmunerkrankung. die folgen der krankheit und des exils lassen klee in ein tiefes loch fallen. auf eine kurze phase der ohnmacht, 1936, in der seine streng geführte werkliste gerade einmal 25 arbeiten verzeichnet, folgt ab 1937 eine scheinbar explosive entfesselung von schaffenskraft und inspiration. im wettlauf gegen die zeit versucht er noch so viel zu papier zu bringen wie möglich. allein in den letzten vier monaten seines todesjahrs 1940 schafft er 366 werke. in einem brief an seinen sohn beschreibt er diesen zustand selbst wie folgt: \"die production nimmt ein gesteigertes ausmaß in sehr gesteigertem tempo an, und ich komme diesen kindern nicht mehr ganz nach. sie entspringen.\" (paul klee in einem brief an felix klee vom 29.12.1939, zit. nach klee, felix (hrsg.): paul klee, briefe an die familie 1893-1940, bd. ii (1907-1940), köln 1979, s. 1295) klees bildthemen sind in dieser zeit von einer ambivalenz zwischen seinem persönlichen schicksal, der politischen situation in deutschland und der darstellungen der freude am leben geprägt. im mai 1940 beginnt er seine letzte reise in ein sanatorium im tessin, wo er am 29. juni 1940 stirbt. \n \n \n \"festlich\" - eine liebeserklärung an das leben \n das hier vorgestellte werk \"festlich\", entstanden 1940, ist mit der werknummer 352 von 366 eine der letzten arbeiten vor klees tod. ungleichmäßige, kräftige, schwarze linien gliedern die fläche wie ein gerüst für die farbigen felder in leuchtendem gelb, erdigem rot, kühlem blau und zartem violett. ein vibrierendes spannungsverhältnis entsteht aus dem harten kontrast der schwarzen striche und dem lichtspiel der teilweise grob aufgetragenen farben. die farbflächen leuchten wie glasfenster eines imaginären raumes, durch die ein mildes licht dringt. aus der kombination von reduzierter formensprache und geometrischer ungenauigkeit entfaltet sich eine starke präsenz: das werk verbindet strenge und leichtigkeit, ordnung und chaos und schafft damit einen balanceakt zwischen konstruktion und emotion. neben seinen figurativen zeichnungen gehören kompositionen wie diese zu den typischsten arbeiten des spätwerks klees. (prominentester vertreter ist hierbei das vieldiskutierte werk \"glas-fassade\", ebenfalls von 1940. abb.1) \n der titel \"festlich\" verweist auf eine atmosphäre, die sich dem betrachtenden nicht durch eine narrative darstellung, sondern aus der harmonie von farbe und form ergibt. in einer zeit, in der klee körperlich geschwächt und von politischen wie existenziellen bedrängnissen umgeben ist, erhält der titel eine besondere resonanz: das festliche erscheint hier als geistige haltung, als letzte bejahung des lebens und der kunst. \n \"festlich\" ist ein zeugnis von klees ungebrochener schöpferischer energie im angesicht des todes. ein werk von stiller monumentalität, das den späten klee in seiner ganzen geistigen tiefe und formalen meisterschaft zeigt. in dieser letzten phase bündelt sich das lebenswerk des künstlers: die suche nach ordnung im chaos und nach leichtigkeit in der begrenzung. \n sophie ballermann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n paul klee deutschland expressionismus künstlergruppe \"der blaue reiter\" moderne kunst unikate 1940er modellrahmen formen gemälde pastell abstrakt","en":"klee, paul \n 1879 münchenbuchsee - 1940 muralto/ ticino \n \n \n title: \"festlich\". \n \n date: 1940. \n \n technique: pastel and charcoal on linnen, laid down on paper. \n \n measurement: 41 x 31cm. backing board: 46.7 x 36.2cm. \n \n notation: signed lower right: klee (fadedd beyondrecognition). dated, inscribed and dated on the backing board: 1940 f12 festlich. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n this work is accompanied by a photo certificate from josef helfenstein and stefan frey, paul klee foundation, bern, dated 2 october 1995. \n \n provenance: \n - lily klee, bern (1940-1946) \n - klee society, bern (1946-1947) \n - galerie rosengart, lucerne (1947-1948) \n - theodor schempp, paris/new york (from 1948) \n - private collection \n - christie's new york, auction 8 november 1995, lot 280 \n - galerie neher, essen (label) \n - private collection north rhine-westphalia (acquired from previous owner in 1998) \n \n exhibitions: \n - musée national d'art moderne, paris 1948, no. 182 \n - the arts club, chicago 1962, no. 65 \n - galerie neher, essen 1996, ill. \n - galerie neher/westdeutsche kunstmesse international, cologne 1997 \n - galerie neher/westdeutsche kunstmesse international, cologne 1998 \n - museum schloss moyland, bedburg-hau 2000 \n - kurpfälzisches museum der stadt heidelberg, 2002 \n \n literature: \n - paul klee foundation/kunstmuseum bern (ed.): paul klee - catalogue raisonné, vol. 9, bern 2004, cat. rais. no. 9371, ill. \n - paul klee foundation/kunstmuseum bern (ed.): paul klee, verzeichnis der werke des jahres 1940, stuttgart 1991, cat. rais. no. 1940, 352 (f12), ill. \n \n \n - a work of quiet monumentality that reveals the spiritual depth and formal mastery of the late klee \n \n - from the last year of the artist's life, which was marked by great creative energy \n \n - a vibrant tension between the black grid and the play of light and colour \n \n creative addiction in his final years paul klee's oeuvre is characterised by a conflict between abstraction and figuration, music and painting, thought and feeling. this ambivalence makes him one of the central pioneers of modernism to this day. after studying at the munich academy and early stylistic experiments, klee joined the artist group \"der blaue reiter\" in 1911, where he formulated a new, spiritually imbued form of art in dialogue with wassily kandinsky and franz marc. his years of teaching at the bauhaus in weimar and dessau from 1921 to 1931 and at the düsseldorf academy from 1931 onwards influenced a generation of artists and established his status as one of the most influential teachers of modernism. in 1933, klee was defamed as \"degenerate\" by the national socialists and dismissed from his post. in the same year, he emigrated to switzerland, where he began a late, intense creative phase in bern. \n \n in 1935, klee fell ill with scleroderma, an incurable autoimmune disease. the consequences of the illness and exile plunged klee into a deep depression. a brief period of inactivity in 1936, during which his strictly maintained list of works recorded just 25 pieces, was followed in 1937 by a seemingly explosive unleashing of creative energy and inspiration. in a race against time, he tried to put as much as possible down on paper. in the last four months of his life alone, in 1940, he created 366 works. in a letter to his son, he himself described this state as follows: \"production is increasing at a very rapid pace, and i can no longer keep up with these children. they are springing forth.\" (paul klee in a letter to felix klee dated 29 december 1939, quoted from klee, felix (ed.): paul klee, letters to the family 1893-1940, vol. ii (1907-1940), cologne 1979, p. 1295) during this period, klee's pictorial themes are characterised by an ambivalence between his personal fate, the political situation in germany and depictions of joie de vivre. in may 1940, he began his final journey to a sanatorium in ticino, where he died on 29 june 1940. \n \n \n \n \n creative addiction in his final years \n \n paul klee's oeuvre is characterised by a conflict between abstraction and figuration, music and painting, thought and feeling. this ambivalence makes him one of the central pioneers of modernism to this day. after studying at the munich academy and early stylistic experiments, klee joined the artist group \"der blaue reiter\" in 1911, where he formulated a new, spiritually imbued form of art in dialogue with wassily kandinsky and franz marc. his years of teaching at the bauhaus in weimar and dessau from 1921 to 1931 and at the düsseldorf academy from 1931 onwards influenced a generation of artists and established his status as one of the most influential teachers of modernism. in 1933, klee was defamed as \"degenerate\" by the national socialists and dismissed from his post. in the same year, he emigrated to switzerland, where he began a late, intense creative phase in bern. \n \n in 1935, klee fell ill with scleroderma, an incurable autoimmune disease. the consequences of the illness and exile plunged klee into a deep depression. a brief period of inactivity in 1936, during which his strictly maintained list of works recorded just 25 pieces, was followed in 1937 by a seemingly explosive unleashing of creative energy and inspiration. in a race against time, he tried to put as much as possible down on paper. in the last four months of his life alone, in 1940, he created 366 works. in a letter to his son, he himself described this state as follows: \"production is increasing at a very rapid pace, and i can no longer keep up with these children. they are springing forth.\" (paul klee in a letter to felix klee dated 29 december 1939, quoted from klee, felix (ed.): paul klee, letters to the family 1893-1940, vol. ii (1907-1940), cologne 1979, p. 1295) during this period, klee's pictorial themes are characterised by an ambivalence between his personal fate, the political situation in germany and depictions of joie de vivre. in may 1940, he began his final journey to a sanatorium in ticino, where he died on 29 june 1940. \n \n \n \n \n \u2018festlich\u2019 (festive) \u2013 a declaration of love for life \n \n the work presented here, \"festlich\" (festive), created in 1940, is one of klee's last works before his death, with the work number 352 of 366. uneven, bold black lines structure the surface like a framework for the colourful fields in bright yellow, earthy red, cool blue and delicate violet. a vibrant tension arises from the stark contrast between the black lines and the play of light in the colours, some of which are applied roughly. the coloured areas shine like stained-glass windows in an imaginary room, through which a soft light penetrates. the combination of reduced formal language and geometric imprecision creates a strong presence: the work combines austerity and lightness, order and chaos, thus striking a balance between construction and emotion. alongside his figurative drawings, compositions such as this are among the most typical works of klee's late period. (the most prominent example of this is the much-discussed work \"glass facade\", also from 1940) \n the title \"festlich\" (festive) refers to an atmosphere that arises not from a narrative representation, but from the harmony of colour and form. at a time when klee was physically weakened and surrounded by political and existential pressures, the title takes on a special resonance: the festive appears here as a spiritual attitude, as a final affirmation of life and art. \n \"festlich\" is a testament to klee's unbroken creative energy in the face of death. it is a work of quiet monumentality that shows the late klee in all his spiritual depth and formal mastery. this final phase brings together the artist's life's work: the search for order in chaos and for lightness in limitation. \n sophie ballermann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n paul klee germany modern art 1940s craftman's frame shapes painting pastel abstract"},"estimateMax":200000,"lotNumber":"16","title":{"de":"paul klee: \"festlich\"","en":"paul klee: \"festlich\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29298/view","tags":["daFineart_DrawingsandPastels","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":120000,"soldPrice":145000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.242Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac150,000 - \u20ac200,000","currency":"EUR","id":29298,"category":{"de":"Mod. 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galerie dreiseitel, köln \n - privatsammlung rheinland (1974 von vorheriger erworben) \n \n literatur: \n - ernst wilhelm nay stiftung (hrsg.): werkverzeichnis - www.nay.aps-info.de, wvz.-nr. wv-s 563 (letzter zugriff 08.10.2025) \n - scheibler, aurel: ernst wilhelm nay - werkverzeichnis der ölgemälde, bd. ii 1952-1968, köln 1990, wvz.-nr. 563, abb. \n \n \n - aus nays richtungsweisender schaffensphase zwischen figuration und ungegenständlichen malerei \n \n - dynamisch, dramatisches jagdgeschehen im wechselspiel von andeutung und auflösung \n \n - nays tief empfundene, kraftvolle malerei hat bis heute nichts von ihrer bedeutung verloren \n \n - seit 50 jahren in privatbesitz \n \n \n gestaltung und reflexion \n ernst wilhelm nay zählt zu den bedeutendsten protagonisten der modernen malerei des 20. jahrhunderts und nimmt einen festen platz im deutschen wie europäischen kunstkanon ein. sein einzigartiges werk, das sich über mehr als vier jahrzehnte erstreckt, spiegelt eine beeindruckende stilistische entwicklung von den expressiv-figürlichen anfängen bis zu den leuchtend-abstrakten kompositionen der nachkriegszeit. geprägt von reisen an die ostsee, auf die lofoten, nach frankreich und in die usa, entfaltet sich ein malerisches oeuvre von außergewöhnlicher vielfalt und strahlkraft. \n nays werke leben von einer mannigfaltigen formensprache, einer intensiven farbigkeit und einer oft musikalisch gedachten bildlogik. zugleich war nay ein klarsichtiger intellektueller, der die kunst seiner zeit nicht nur mitgestaltete, sondern auch reflektierte - im dialog mit literatur, philosophie und gesellschaftlichem wandel. als künstler von internationalem rang steht nay für eine tief empfundene, kraftvolle malerei, die bis heute nichts von ihrer bedeutung verloren hat. \n \n \n malerei am wendepunkt \n die zeit nach dem zweiten weltkrieg - vor allem die jahre von 1949 bis 1951 - gilt als eine zeit des experimentierens und der wandlung in nays werk. in seinem hofheimer atelier erlebt der künstler eine überaus fruchtbare und richtungsweisende schaffensphase auf dem weg zur reinen, ungegenständlichen malerei. bildideen, die während der kriegsjahre nur in entwürfen auf papier angedeutet werden konnten, finden nun in der malerei ihre konsequente umsetzung. dabei unterzieht nay seine bildnerischen mittel einer intensiven prüfung, die durch die grafische arbeit an einer serie von zehn lithografien - im sommer 1949 in worpswede gedruckt - entscheidende impulse erhält. die formenwelt von nays malerei gewinnt an deutlichkeit und präzision, farbige flächen treten mit schärferen konturen hervor und fügen sich zu einem komplexen mosaik aus klar umrissenen, kraftvoll ineinandergreifenden formen. \n \n \n die jagd als dramatisches spiel aus linien, flächen und bewegung \n dem motiv für das gemälde \"der jäger\" nähert sich der künstler in 12 vorzeichnungen (wv c-51 246-257; abb. 1). streng voneinander abgegrenzte farbkompartimente, umrandet von weißen konturen, prägen die flächige bildstruktur. mit einem spannungsgeladenen kolorit aus strahlendem und tiefem rot, dunklem grün, kühlem blau und grau sowie schwarz und kontrastierenden hellen tönen entfaltet nay eine fast eruptive dynamik. scharfkantige formen drängen gegeneinander, überlagern und durchdringen sich - ein visuelles kraftfeld, das ständig in bewegung zu sein scheint. weder der jäger noch das gejagte tier lassen sich konkret ausmachen, lediglich schemenhafte andeutungen von augen, flügeln, schnabelsilhouetten blitzen auf, ohne sich zu fassbaren figuren zu verdichten. die gegenständliche lesart, die der titel nahelegt, wird durch das energetische formspiel bewusst unterlaufen. \n statt das jagdgeschehen minutiös erzählerisch nachzuzeichnen, übersetzt nay den moment des schusses in ein dramatisches spiel aus linien, flächen und rhythmen. die aufgewühlte bewegung eines flügelschlagenden vogels durchzieht das bild als abstrakte chiffre. die weit ausgreifenden, fragmentierten formen und abrupten richtungswechsel der linien evozieren den moment des todesschusses, das zucken der flügel, das wilde flattern des getroffenen körpers, das hinabstürzen im ungebremsten flug. \n das wechselspiel zwischen andeutung und auflösung entfaltet eine suggestive kraft, die nays gestalterische brillanz und künstlerische vision im spannungsfeld zwischen gegenständlichkeit und reiner malerei überzeugend und mit großer intensität zum ausdruck bringt. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n ernst wilhelm nay deutschland expressionismus abstraktion nachkriegskunst unikate 1950er modellrahmen jagd gemälde öl abstrakt","en":"nay, ernst wilhelm \n 1902 berlin - 1968 cologne \n \n \n title: \"der jäger\". \n \n date: 1951. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 50 x 40cm. \n \n notation: signed and dated lower left: nay. 51. additionally inscribed: nay - \"der jäger\" 1951. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n provenance: \n - wolfgang ketterer auctions, munich, 2nd auction, 21st may 1969, lot no. 970 \n - galerie dreiseitel, cologne \n - private collection, rhineland (acquired from previous owner in 1974) \n \n literature: \n - ernst wilhelm nay foundation (ed.): catalogue raisonné - www.nay.aps-info.de, cat. rais. no. wv-s 563 (last accessed 8th october 2025) \n - scheibler, aurel: ernst wilhelm nay - catalogue raisonné of oil paintings, vol. ii 1952-1968, cologne 1990, cat. rais. no. 563, ill. \n \n \n - from nay's seminal creative phase between figurative and non-representational painting \n \n - dynamic, dramatic hunting scene in an interplay of suggestion and dissolution \n \n - nay's deeply felt, powerful painting has lost none of its significance to this day \n \n - in private ownership for 50 years \n \n design and reflection ernst wilhelm nay is one of the most important protagonists of 20th-century modern painting and occupies a firm place in the german and european art canon. his unique oeuvre, spanning more than four decades, reflects an impressive stylistic development from his expressive, figurative beginnings to the luminous, abstract compositions of the post-war period. influenced by travels to the baltic sea, the lofoten islands, france and the usa, a painterly oeuvre of extraordinary diversity and charisma unfolds. nay's works thrive on a diverse formal language, intense colourfulness and an often musically conceived pictorial logic. \n at the same time, nay was a clear-sighted intellectual who not only helped shape the art of his time, but also reflected on it \u2013 in dialogue with literature, philosophy and social change. as an artist of international standing, nay stands for deeply felt, powerful painting that has lost none of its significance to this day. \n \n \n \n \n painting at a turning point the period after the second world war \u2013 especially the years from 1949 to 1951 \u2013 is considered a time of experimentation and transformation in nay's work. in his studio in hofheim, the artist experienced an extremely fruitful and groundbreaking creative phase on his way to pure, non-representational painting. ideas for paintings that could only be hinted at in sketches on paper during the war years were now consistently realised in his paintings. nay subjected his pictorial means to intensive examination, which received decisive impetus from his graphic work on a series of ten lithographs printed in worpswede in the summer of 1949. the formal world of nay's painting gained in clarity and precision, with coloured surfaces emerging with sharper contours and merging into a complex mosaic of clearly defined, powerfully interlocking forms. \n \n \n \n \n the hunt as a dramatic interplay of lines, surfaces and movement the artist approaches the motif for the painting \"der jäger\" (the hunter) in 12 preliminary sketches (wv c-51 246-257). strictly delineated colour compartments, bordered by white contours, characterise the two-dimensional structure of the painting. with a tense colour scheme of bright and deep red, dark green, cool blue and grey, as well as black and contrasting light tones, nay unfolds an almost eruptive dynamic. sharp-edged forms jostle against each other, overlap and interpenetrate \u2013 a visual force field that seems to be in constant motion. neither the hunter nor the hunted animal can be clearly identified; only shadowy hints of eyes, wings and beak silhouettes flash into view without coalescing into tangible figures. the representational interpretation suggested by the title is deliberately undermined by the energetic interplay of forms. \n instead of meticulously tracing the hunt in narrative form, nay translates the moment of the shot into a dramatic interplay of lines, surfaces and rhythms. the turbulent movement of a bird flapping its wings pervades the picture as an abstract cipher. the far-reaching, fragmented forms and abrupt changes in the direction of the lines evoke the moment of the fatal shot, the twitching of the wings, the wild fluttering of the struck body, the unchecked fall. \n the interplay between suggestion and resolution unfolds a suggestive power that convincingly and intensely expresses nay's creative brilliance and artistic vision in the field of tension between figuration and pure painting. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n ernst wilhelm nay germany abstraction post-war art modern art 1950s craftman's frame hunting painting oil abstract"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"17","title":{"de":"ernst wilhelm nay: \"der jäger\"","en":"ernst wilhelm nay: \"der jäger\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29299/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"soldPrice":50000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.266Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - 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(www.hundertwasser.com) \n \n provenienz: \n - galerie peerlings, krefeld (direkt vom künstler, lt. einlieferer) \n - privatsammlung niedersachsen \n \n ausstellungen: \n - 4. biennale sao paulo, 1957 \n \n literatur: \n - fürst, andrea christa: hundertwasser, 1928-2000, werkverzeichnis/catalogue raisonné, vol. ii, köln 2002, wvz.-nr. 268, s. 317, abb. \n - ausst.-kat. mit werkverzeichnis, hundertwasser, kestner-gesellschaft, hannover 1964, kat.-nr. 268 \n \n \n - vom tausendsassa der österreichischen kunst: künstler, grafiker, architekt, philosoph, umweltschützer \n \n - frühes spiralbild mit hohem wiedererkennungswert \n \n - 1956 erscheint seine theorie über den 'transautomatismus': von der wichtigkeit der betrachtung für die vollendung eines kunstwerks \n \n - die spirale als wiederkehrendes hauptmotiv steht für leben und tod und die verbindung vom mensch mit der natur \n \n \"maler sein, ist etwas ungeheures. die malerei gibt die möglichkeit, in unerforschte regionen vorzustoßen, die sehr, sehr weit weg sind von uns. ich glaube, dass malen eine religiöse beschäftigung ist.\" \n (friedensreich hundertwasser zit. nach ausst.-kat. friedensreich hundertwasser, haus der kunst, münchen, 1975, s. 20) \n \n \n das kaleidoskop hundertwasser \n friedensreich hundertwasser ist ein absolut singulärer ausnahmekünstler. die ihm so eigenen und wiedererkennbaren ausdrucksformen in malerei, graphik, angewandter kunst oder architektur sind überaus populär und faszinieren menschen alters-, kultur- und schichtenübergreifend. dabei gilt sein größtes interesse schon in den 1950er jahren der ökologie, der versöhnung von mensch und natur. darin und in seinem ansatz, das kunstwerk erst durch die aufnahmeleistung der betrachtenden als erschaffen zu betrachten, ist hundertwasser ein erstaunlich visionärer und \"eigenartiger\" künstler. \n das leben des als friedrich stowasser, sohn einer früh verwitweten jüdischen mutter im wien der 1930er jahre, aufgewachsenen künstlers erinnert an ein kaleidoskop: er wechselt die namen - aus stowasser wird hundertwasser, wird regentag, wird dunkelbunt. ständig ist er auf reisen, auch zwischen den kulturen. er lebt in wien, frankreich, venedig, japan und neuseeland; er lebt auf dem schiff oder an land. weder als schüler noch als lehrer hält er es an einer akademie aus. rastlos, wechselhaft und doch immer auf seinem pfad, ganz tief verwurzelt in sich, in der natur und in seiner kunst. \n frühe inspirationen auf dem weg zur eigenen formfindung zieht hundertwasser aus der kunst des wiener jugendstils, besonders gustav klimts und egon schieles. aber auch zeitgenossen wie paul klee und friedrich schröder-sonnenstern oder die heute nicht mehr so populären künstler walter kampmann und hans neuffer beeinflussen ihn. \n hundertwasser ist 33 jahre alt, als er 1952 seine bilder erstmals im wiener art club ausstellt. einmal in der öffentlichkeit wird sein außenseitertum wohl bald positiv erkannt, denn der internationale erfolg kommt schnell: 1954 hat er eine erste einzelausstellung in der pariser galerie facchetti, ist auf der biennale von venedig ebenso vertreten wie beim internationalen festival in parma. ab 1957 arbeitet hundertwasser mit der französischen galerie h. kamer zusammen. anfang der 1960er jahre erhält er den mainichi-preis in tokio, wird bereits mit retrospektiven geehrt und ist auf der documenta iii vertreten. besonders ab den 1980er jahren tritt er auch als künstlerischer architekt und pionier der fassadenbegrünung auf. 2000 stirbt friedensreich hundertwasser auf einer schiffsreise vor brisbane. \n \n \n \"stark fortgeschrittene genesis\" \n in seiner theorie über den \"transautomatismus\" aus dem jahr 1956, dem entstehungsjahr dieses blattes, und in der daraus entwickelten \"grammatik des sehens\", betont hundertwasser wie entscheidend die leistung des betrachtenden für die vollendung eines kunstwerkes ist. zur identifizierung einzelner werke ist die vom künstler vergebene nummer wichtig. der titel ist nur ein angebot zur assoziation, die den zugang, auch zu diesem aquarell, öffnen mag. so viel steht fest: ein aquarelliert schlieriges grün ist die vorherrschende farbe, die durchzogen ist von terrakotta-braunen und blauen linien. die geschlossene, grüne fläche füllt das bildrechteck, besonders an dessen seiten, nicht aus. es reicht nahe an den rand, wird aber selbst weitgehend von einer rotbraunen linie umschlossen. nun aber werden sprachliche einordnungen nötig: vermehrt in der oberen bildhälfte finden sich blaue einzel- und doppel-augen-formen. in der unteren bildhälfte, rechts und links sind zwei spiralformen mit einem dunkleren zentrum platziert. weiß erscheinen zwei übereinanderstehende schiffchen am unteren bildrand. ausgehend von dem angebotenen titel, könnte eine verständnismöglichkeit sein, dass es sich um die aufsicht auf ein stück natur - garten, park oder insel - handelt, das von braunen wegen und wasserläufen durchzogen ist. in der unteren rechten ecke könnte ein see verortet sein. diese \"fortgeschrittene genesis\" ist nicht die biblische, die schiffe sind nicht naturgegeben, eher handelt es sich um die genese, das werden dieses natur-raumes wohl auch durch menschliche gestaltung. die augen-symbole mögen die beseelung, vielleicht auch die weisheit oder das schützende der natur chiffrieren. im jugendwerk friedensreich hundertwassers ist ein aquarell aus dem jahr 1949 zu finden, das einen park vor pompeji zeigt (abb.1). das sieben jahre später entstandene blatt wirkt wie eine unmaßstäbliche aufsicht auf ein ähnliches naturstück. \n oder geht es auch ganz anders? anthropomorph gesehen, werden aus den spiralen augen, die schiffe werden zu einem klitzekleinen mund: ein grünes naturgeistwesen? vordergründig hat dieses aquarell, wie alle hundertwasser-kunst starke dekorative qualitäten. aber in dieser vieldeutigkeit, die jedermann anspricht, ist es ein großartiger ausgangspunkt für eine gedankenreise in die natur und zu der position des menschen im so fragilen ökologischen gleichgewicht. \n alexandra bresges-jung \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n friedensreich hundertwasser österreich figurative kunst nachkriegskunst unikate 1950er rahmen abstrakt gemälde aquarell","en":"hundertwasser, friedensreich \n 1928 vienna - 2000 queen elizabeth 2 \n \n \n title: stark fortgeschrittene genesis. \n \n date: 1956. \n \n technique: watercolour on paper. \n \n mounting: mounted on canvas. \n \n measurement: 46 x 54.5cm. \n \n notation: signed and dated lower left: hundertwasser 1956. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the work is listed in the artist's online catalogue raisonné under work no. 268 (not mounted on canvas here). (www.hundertwasser.com) \n \n provenance: \n - galerie peerlings, krefeld (directly from the artist, according to the consignor) \n - private collection, lower saxony \n \n exhibitions: \n - 4th sao paulo biennial, 1957 \n \n literature: \n - fürst, andrea christa: hundertwasser, 1928-2000, catalogue raisonné, vol. ii, cologne 2002, catalogue no. 268, p. 317, ill. \n - exhibition catalogue with catalogue raisonné, hundertwasser, kestner-gesellschaft, hanover 1964, cat. no. 268 \n \n \n - on the jack-of-all-trades of austrian art: artist, graphic designer, architect, philosopher, environmentalist \n \n - early spiral painting with high recognition value \n \n - in 1956, he published his theory on \"transautomatism\": on the importance of contemplation for the completion of a work of art \n \n - the spiral as a recurring main motif stands for life and death and the connection between man and nature \n \n \"being a painter is something tremendous. painting gives you the opportunity to venture into unexplored regions that are very, very far away from us. i believe that painting is a religious activity.\" \n (friedensreich hundertwasser, quoted from the exhib. cat. friedensreich hundertwasser, haus der kunst, munich, 1975, p. 20). \n \n \n the hundertwasser kaleidoscope friedensreich hundertwasser is a truly unique and exceptional artist. his distinctive and recognisable forms of expression in painting, graphic art, applied art and architecture are extremely popular and fascinate people of all ages, cultures and social classes. \n his greatest interest, even in the 1950s, was in ecology and the reconciliation of man and nature. in this and in his approach of considering a work of art to be created only through the perception of the viewer, hundertwasser is an astonishingly visionary and \"peculiar\" artist. \n the life of the artist, who grew up as friedrich stowasser, the son of a jewish mother who was widowed early in the 1930s in vienna, is reminiscent of a kaleidoscope: he changes his name \u2013 from stowasser to hundertwasser, to regentag, to dunkelbunt. he is constantly travelling, including between cultures. he lives in vienna, france, venice, japan and new zealand; he lives on a ship or on land. he cannot stand being at an academy, either as a student or as a teacher. restless, changeable and yet always on his path, deeply rooted in himself, in nature and in his art. \n hundertwasser draws early inspiration on his way to finding his own form from viennese art nouveau, especially gustav klimt and egon schiele. but he is also influenced by contemporaries such as paul klee and friedrich schröder-sonnenstern, or artists who are no longer so popular today, such as walter kampmann and hans neuffer. \n hundertwasser was 33 years old when he exhibited his paintings for the first time at the vienna art club in 1952. once in the public eye, his outsider status was soon recognised in a positive light, as international success came quickly: in 1954, he had his first solo exhibition at the galerie facchetti in paris and was represented at the venice biennale and the international festival in parma. from 1957 onwards, hundertwasser worked with the french gallery h. kamer. in the early 1960s, he received the mainichi prize in tokyo, was honoured with retrospectives and was represented at documenta iii. from the 1980s onwards in particular, he also emerged as an artistic architect and pioneer of façade greening. friedensreich hundertwasser died in 2000 on a boat trip off brisbane. \n \n \n \"highly advanced genesis\" in his theory of \u201ctransautomatism\u201d from 1956, the year this sheet was created, and in the \"grammar of seeing\" developed from it, hundertwasser emphasises how crucial the viewer's contribution is to the completion of a work of art. the number assigned by the artist is important for identifying individual works. the title is merely an invitation to make associations that may open up access to this watercolour, among others. one thing is certain: a watercolour-like streaky green is the predominant colour, interspersed with terracotta-brown and blue lines. the closed, green area does not fill the rectangular image, especially at its sides. it reaches close to the edge, but is itself largely enclosed by a reddish-brown line. now, however, linguistic classifications become necessary: blue single and double eye shapes are increasingly found in the upper half of the image. in the lower half of the picture, two spiral shapes with a darker centre are placed on the right and left. two small boats appear in white, one above the other, at the bottom edge of the picture. based on the title provided, one possible interpretation could be that this is a view of a piece of nature \u2013 a garden, park or island \u2013 criss-crossed by brown paths and watercourses. a lake could be located in the lower right corner. this \"advanced genesis\" is not the biblical one; the boats are not natural, but rather represent the genesis, the becoming of this natural space, probably also through human design. the eye symbols may symbolise the soul, perhaps also the wisdom or protective nature of nature. in friedensreich hundertwasser's early work, there is a watercolour from 1949 showing a park in front of pompeii. the sheet, created seven years later, looks like an unscaled bird's-eye view of a similar piece of nature. \n or is there another interpretation? seen anthropomorphically, the spirals become eyes, the ships become a tiny mouth: a green nature spirit? superficially, this watercolour, like all hundertwasser's art, has strong decorative qualities. but in its ambiguity, which appeals to everyone, it is a great starting point for a journey of the mind into nature and the position of humans in such a fragile ecological balance. \n alexandra bresges-jung \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n friedensreich hundertwasser figurative art post-war art post war 1950s framed abstract painting watercolour"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"18","title":{"de":"friedensreich hundertwasser: stark fortgeschrittene genesis","en":"friedensreich hundertwasser: stark fortgeschrittene genesis"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29300/view","tags":["daFineart_Watercolors","daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"soldPrice":80000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.271Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - \u20ac120,000","currency":"EUR","id":29300,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post 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feinste detailtreue und fotorealistische darstellung erzeugen die illusion von dreidimensionalität \n \n - spiegelt die auseinandersetzung des künstlers mit fernöstlicher philosophie und westlicher konzeptkunst wid er \n \n \n seoul - new york - paris \n tschang-yeul kim zählt zu den bedeutendsten zeitgenössischen künstlern koreas und ist international vor allem für seine werke mit wassertropfen bekannt. der 1929 im japanisch besetzten nordkorea geborene künstler wächst in den wirren des koreakriegs auf, was seine kunst nachhaltig prägt. nach dem studium am college of fine arts in seoul zieht tschang-yeul kim in den 1960er jahren nach new york und wird dort stark von der pop art beeinflusst. später lässt er sich in paris nieder, wo die ikonischen wassertropfen in seinem werk entstehen, die bis heute sein markenzeichen sind. bis zu seinem tod 2021 widmet sich tschang-yeul kim über fünf jahrzehnte diesem motiv, das für ihn nicht nur eine ästhetische, sondern auch eine therapeutische bedeutung hat, um die traumatischen erlebnisse des krieges zu verarbeiten. als einer der einflussreichsten koreanischen zeitgenössischen künstler schreibt er nicht nur in asien kunstgeschichte, sondern ist heute auch in zahlreichen bedeutenden kunstsammlungen der westlichen welt vertreten. \n \n \n wassertropfen \n die angebotene arbeit aus dem jahr 1975 zeigt einen einzelnen wassertropfen, der aus der beigefarbenen leinwand herauszutreten scheint, um nach unten zu fließen. der tropfen ist mit verblüffender detailtreue gemalt, die fast fotorealistisch wirkt und die illusion von dreidimensionalität erzeugt. diese technik erinnert an die tradition der illusionistischen malerei (\"trompe l'oeil\"), die darauf abzielt, den betrachter in die irre zu führen, indem die gemalten objekte so täuschend echt dargestellt werden, dass sie für reale gegenstände gehalten werden. die serielle beschäftigung des künstlers mit dem element wasser spiegelt jedoch auch seine nähe zur fernöstlichen philosophie wider. wasser ist das fließende element der transformation - immer gleichbleibend und sich doch ständig verändernd. wasser ist transparent und formlos. es wird erst durch licht, schatten und spiegelungen sichtbar, was die frage aufwirft: was ist realität und was ist illusion? \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n tschang-yeul kim korea figurative malerei akustische kunst zeitgenössische kunst unikate 1970er wasser gemälde öl","en":"kim, tschang-yeul \n 1929 miangsan/korea - 2021 seoul/south korea \n \n \n title: untitled (wassertropfen). \n \n date: 1975. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 41.5 x 33cm. \n \n notation: signed and dated lower right: t. kim 75. \n \n we would like to thank mr oan kim, the artist's son, for his kind scholarly assistance. \n \n provenance: \n - private collection, north rhine-westphalia \n \n \n - iconic work by one of korea's most important contemporary painters \n \n - finest attention to detail and photorealistic representation create the illusion of three-dimensionality \n \n - reflects the artist's exploration of far eastern philosophy and western conceptual art \n \n seoul \u2013 new york \u2013 paris tschang-yeul kim is one of korea's most important contemporary artists and is internationally renowned for his works featuring water droplets. born in 1929 in japanese-occupied north korea, the artist grew up during the turmoil of the korean war, which had a lasting impact on his art. after studying at the college of fine arts in seoul, chang-yeul kim moved to new york in the 1960s, where he was strongly influenced by pop art. he later settled in paris, where he created the iconic water droplets that remain his trademark to this day. until his death in 2021, chang-yeul kim devoted himself to this motif for over five decades, which had not only aesthetic but also therapeutic significance for him in coming to terms with the traumatic experiences of war. as one of the most influential korean contemporary artists, he not only wrote art history in asia, but is also represented in numerous important art collections in the western world today. \n \n \n \n \n water drop the work on offer, from 1975, shows a single drop of water that seems to emerge from the beige canvas and flow downwards. the drop is painted with astonishing detail, which appears almost photorealistic and creates the illusion of three-dimensionality. this technique is reminiscent of the tradition of illusionistic painting (\"trompe l'oeil\"), which aims to mislead the viewer by depicting the painted objects so realistically that they are mistaken for real objects. however, the artist's serial preoccupation with the element of water also reflects his affinity with far eastern philosophy. water is the flowing element of transformation \u2013 always constant and yet constantly changing. water is transparent and formless. it only becomes visible through light, shadow and reflections, which raises the question: what is reality and what is illusion? \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n tschang-yeul kim korea figurative painting acoustic art contemporary art post war 1970s water painting oil"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"19","title":{"de":"tschang-yeul kim: ohne titel (wassertropfen)","en":"tschang-yeul kim: untitled (wassertropfen)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29301/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"soldPrice":75000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.274Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - \u20ac70,000","currency":"EUR","id":29301,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post 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\n \n - die form- und materialexperimente von tony cragg setzen weltweit maßstäbe \n \n - betörende transluzidität und organische formensprache schaffen eine grenzenlose verbindung zwischen raum und werk \n \n \n stetige innovationskraft \n tony cragg ist eine der prägenden stimmen der internationalen bildhauerei. seit über vier jahrzehnten begeistert der deutsch-britische künstler mit einer einzigartigen formensprache und beeindruckenden vielfalt an materialien. geboren 1949 in liverpool und seit den späten 1970er jahren in deutschland beheimatet, entwickelte cragg ein geradezu enzyklopädisches werk, das durch seine stetige innovationskraft weltweit anerkennung findet. \n bekannt wird er zunächst durch seine skulpturalen collagen aus industriellen fundstücken - seither hat er das feld der skulptur kontinuierlich erweitert. ob holz, stein, stahl, bronze, glas, glasfaser oder kunststoff: cragg verwandelt jedes material in überzeugende skulpturale werke, die oft durch stapeln, schichten und aufhäufen entstehen und als biomorphe skulpturen wie gewachsene körper in den raum hineingreifen. mit internationalen ausstellungen - zum beispiel der kasseler documenta 7 und 8, den biennalen in venedig, são paulo und sydney -, zahlreichen auszeichnungen - darunter dem begehrten turner prize - und einer langjährigen tätigkeit als professor und rektor an der kunstakademie düsseldorf hat tony cragg die zeitgenössische skulptur entscheidend mitgeprägt. seine arbeiten sind heute in renommierten museen und sammlungen rund um den globus vertreten, bedeutende werke im außenraum prägen das erscheinungsbild zahlreicher städte. in wuppertal, wo er lebt und arbeitet, gründet er 2008 den skulpturenpark waldfrieden - einen ort, der seine künstlerische vision auf eindrucksvolle weise erlebbar macht. \n \n \n \"curl\" - geschwungene eleganz der gestaltung \n bewegung spielt in tony craggs oeuvre eine wichtige rolle - die skulpturalen formen wirken vital, so als seien sie in einem moment des werdens oder wandels eingefangen. diese werke sind nicht nur als objekte zu verstehen, sondern in gewisser weise als lebendige prozesse. besonders eindrucksvoll zeigt sich dies in der verwendung von geschwungenen oder spiralartigen strukturen, die seinen arbeiten eine fließende rhythmik und dynamische, fast tänzerische qualität verleihen. \n die skulptur \"curl\" aus dem jahr 2024 ist aus bernsteinfarbenem glas gefertigt - einem material, dessen bearbeitung größte herausforderungen mit sich bringt. der werktitel verweist auf die geschwungenen linien der glasstruktur, die an die natürliche bewegung von locken oder ranken erinnern und sich wie organische spiralen in den raum hinein entfalten. der transparente, vom wechselnden lichteinfall durchdrungene werkstoff schafft zudem eine fließende, grenzenlose verbindung zwischen raum und skulptur, lässt eine zweite, imaginäre welt jenseits des materiellen aufscheinen. \n wie nur wenigen künstlern der gegenwart gelingt es tony cragg, dem schier unendlichen reichtum der welt immer noch neue facetten hinzuzufügen. mit jedem werk erfindet er die wirklichkeit neu - überraschend und eindringlich, voller anmut und einer subtilen sinnlichkeit. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n tony cragg deutschland abstraktion nachkriegskunst objekte 2020er abstrakt objekt glas","en":"cragg, tony \n 1949 liverpool \n \n \n title: curl. \n \n date: 2024. \n \n technique: polychromed murano glas. \n \n measurement: 78 x 22 x 23cm. \n \n notation: signed (incised) verso below: tony cragg. \n \n from an edition of 8 copies. \n \n this work comes with a certificate from the artist dated february 1st, 2024. \n \n provenance: \n - galerie sies + höke, düsseldorf (sticker on transport crate) \n - private collection, north rhine-westphalia \n \n \n - current work by the famous sculptor \n \n - tony cragg's experiments with form and material set standards worldwide \n \n - bewitching translucency and organic design language create a boundless connection between space and work \n \n constant innovative power tony cragg is one of the defining voices in international sculpture. for over four decades, the german-british artist has been inspiring audiences with his unique formal language and impressive variety of materials. born in liverpool in 1949 and based in germany since the late 1970s, cragg has developed an encyclopaedic body of work that has gained worldwide recognition for its constant innovative power. \n he first became known for his sculptural collages made from industrial found objects \u2013 since then, he has continuously expanded the field of sculpture. whether wood, stone, steel, bronze, glass, fibreglass or plastic: cragg transforms every material into compelling sculptural works, often created by stacking, layering and piling, which reach into the space as biomorphic sculptures like grown bodies. with international exhibitions \u2013 for example, documenta 7 and 8 in kassel, the biennials in venice, são paulo and sydney \u2013 numerous awards \u2013 including the coveted turner prize \u2013 and many years as a professor and rector at the düsseldorf art academy, tony cragg has had a decisive influence on contemporary sculpture. his works are now represented in renowned museums and collections around the globe, and important outdoor works shape the appearance of numerous cities. in wuppertal, where he lives and works, he founded the waldfrieden sculpture park in 2008 \u2013 a place that brings his artistic vision to life in an impressive way. \n \n \n \"curl\" \u2013 curved elegance of design movement plays an important role in tony cragg's oeuvre \u2013 the sculptural forms appear vital, as if they were captured in a moment of becoming or change. these works are not only to be understood as objects, but in a certain sense as living processes. this is particularly impressive in the 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besichtigt werden. \n \n provenienz: \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n ausstellungen: \n - museum abteiberg mönchengladbach, 1987 \n - museum abteiberg mönchengladbach, 2009 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. strange i've seen that face before - objekt, gestalt, phantom, städtisches museum abteiberg mönchengladbach, köln 2006, s.68, abb. \n - kersting, hannelore: u.r. - granit bleu de vire, gespalten, geschnitten und zur ursprünglichen form wieder zusammengesetzt (\"vier jahreszeiten\") 1986, besucherblätter des städtischen museums abteiberg mönchengladbach 1997 \n - ausst.-kat. luis jacob, 7 pictures of nothing repeated four times, in gratitude, museum abteiberg mönchengladbach, köln 2009, s. 15, abb. nr.23 \n - stemmler, dierk: städtisches museum abteiberg mönchengladbach, berichte aus westdeutschen museen, in: wallraf-richartzjb, bd.l, köln 1989, s.389 \n - junkers, claudia: die geschichte der kunst wird von der erfindung getrieben; von der klassischen moderne bis zur gegenwart, teil ii, in: immer am ball, mönchengladbacher seniorenzeitschrift, heft 185, august 2008, s.14, abb. \n - stemmler, dierk: städtisches museum abteiberg mönchengladbach, berichte aus westdeutschen museen, in: wallraf-richartz jb, bd.li, köln 1990, s.387f, abb. \n \n \n - rückriem zählt zu den bedeutenden vertretern der deutschen minimal art \n \n - monumentale installation von musealer qualität \n \n - kann sowohl als innen- wie auch außenrauminstallation aufgestellt werden \n \n - der künstler ist in renommierten öffentlichen sammlungen vertreten, u.a. hamburger bahnhof, berlin, museum für moderne kunst, frankfurt a.m., tate britain, london \n \n \n das handwerk als grundlage \n bevor der gebürtige düsseldorfer ulrich rückriem beginnt, an der kölner werkschule bei ludwig gies zu studieren, hat er bereits eine steinmetzlehre in düren absolviert. in seiner jugend ist rückriem mit der architekturzeichnung in berührung gekommen und bricht die künstlerische ausbildung alsbald ab - das handwerk sollte die grundlage für sein späteres künstlerisches schaffen werden. zunächst setzt rückriem seine fertigkeiten an der kölner dombauhütte ein und fertigt auch als selbständiger steinmetz grabsteine zum broterwerb. die begegnung mit dem galeristen konrad fischer verhilft dem freien bildhauerischen werk rückriems zu weltweiter bekanntheit. seit 1966 nimmt er an zahlreichen internationalen gruppenausstellungen teil, darunter an der documenta 5 (1972), documenta 7 (1982), documenta 8 (1987) und documenta ix (1992), sowie 1978 an der biennale di venezia. \n \n \n \"gespalten, geschnitten, geschliffen und poliert\" \n seine charakteristischen, aus einem steinrohling gewonnenen steinskulpturen entstehen prozesshaft und sind zugleich ergebnis einer genauen planung: \"wenn ich in einem block eine skulptur gesehen habe, machte ich eine zeichnung und dann wurde gespalten, geschnitten, geschliffen und poliert. das sind die vier prozesse der herstellung.\" (ulrich rückriem zit. nach franziska leuthäußer, café deutschland - im gespräch mit der ersten kunstszene der brd: ulrich rückriem, städel museum, 28.11.2017) \n ausgehend von meist quaderförmigen rohlingen, die er in verschiedenen steinbrüchen auswählt, legt ulrich rückriem eine einfache grundform fest, die er entsprechend ihrer platzierung im raum als freistehende \"stele\", \"kubus\" oder \"scheibe\", bzw. als \"wand-\" oder \"bodenrelief\" bezeichnet. nach bestimmung dieser grundform zeichnet rückriem den entwurf zur aufteilung des rohlings, der strengen architektonischen regeln folgt. \n am ende dieser für rückriem spezifischen vorgehensweise steht eine skulptur, deren einzelteile zur ursprünglichen form des blocks zusammengefügt werden. an offenen schnittstellen und dünnen spalten im gestein bleiben die spuren der einwirkung auf das material durch hammer und eisenkeile oder kreissäge sichtbar. sie lassen die einzelnen bearbeitungsschritte nachvollziehbar werden: \"[es] war das wichtigste überhaupt. dass man alles, was ich am stein mache, lesen kann: was war das erste, was war das zweite, das dritte und so weiter. was kam nach der spaltung, was kam nach dem schnitt, was kam nach der fläche.\" (ebd.) die äußerste reduktion der form und der verzicht auf jegliche illusionistische wirkung sowie auf individuelle künstlerische handschrift zugunsten maschineller bzw. industrieller verfahren verbindet rückriem mit den künstlern der minimal art. dass für rückriem der ort immer teil der arbeit ist, rückt ihn in die nähe der land art. \n \n \n körperliches volumen und flächige zeichnung \n das vorliegende werk besteht aus vier annähernd quadratischen blöcken von geringer tiefe aus granit bleu de vire. dieser aus der normandie stammende stein ist meist blaugrau, feinkörnig und reich an glimmer. aufgrund seiner widerstandsfähigkeit lässt er sich vielfach verwenden, etwa zur herstellung von gehwegplatten, sowie statuen und grabmäler. häufig als baumaterial eingesetzt, dient er der auskleidung von innen- und außenbereichen - bis hin zur pflasterung von flughäfen. ohne die natürliche beschaffenheit des materials zu verfremden, zerlegt rückriem die sich nach oben verjüngenden, keilähnlichen grundformen mit präzise kalkulierten schnitten in sechs bis sieben teile. diese minimalistischen interventionen folgen klaren konstruktiven prinzipien zur strukturierung des jeweiligen volumens: über einer sockelzone sind die felder wie gliederungselemente einer fassade variantenreich angeordnet - möglicherweise eine anspielung auf die titelgebenden jahreszeiten. zugleich führt rückriem mit den linearen einschnitten eine rhythmisierung der oberfläche durch, die über die lebendige unebenheit des rostbraunen steins mit seinen flecken und schlieren hinausgeht. die eindrücklich monumentale räumlichkeit der skulptur tritt in ein spannungsvolles verhältnis zur flächigkeit einer feinen aufrisszeichnung, als welche das exakt bemessene linienraster der durchbrüche erscheint. auch die wechselwirkung zwischen der einheitlichkeit des massiven, tonnenschweren korpus und der vielheit seiner komponenten nimmt den blick des betrachters fordernd in anspruch. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n ulrich rückriem deutschland zeitgenössische kunst objekte 1980er","en":"rückriem, ulrich \n 1938 düsseldorf \n \n \n title: vier jahreszeiten. \n \n subtitle: wall relief, 4-part. \n \n date: 1986. \n \n technique: bleu de vire granite (normandy), split, cut, reassembled to its original shape. \n \n a) 200 x 205 x 26.5 cm (7 parts) \n b) 212 x 205 x 30.5 cm (7 parts) \n c) 202 x 202 x 33 cm (6 parts) \n d) 206 x 203 x 32 cm (6 parts) \n weight each ca. 2,5 t \n \n the work can be viewed by appointment at a warehouse near cologne. \n \n provenance: \n - private collection, north rhine-westphalia \n \n exhibitions: \n - museum abteiberg mönchengladbach, 1987 \n - museum abteiberg mönchengladbach, 2009 \n \n literature: \n - exhib. cat. strange i've seen that face before - object, form, phantom, städtisches museum abteiberg mönchengladbach, cologne 2006, p. 68, ill. \n - kersting, hannelore: u.r. - granit bleu de vire, split, cut and reassembled into its original form ('four seasons') 1986, visitor sheets of the städtisches museum abteiberg mönchengladbach 1997 \n - exhib. cat. luis jacob, 7 pictures of nothing repeated four times, in gratitude, museum abteiberg mönchengladbach, cologne 2009, p. 15, ill. no. 23 \n - stemmler, dierk: municipal museum abteiberg mönchengladbach, berichte aus westdeutschen museen, in: wallraf-richartzjb, vol. l, cologne 1989, p. 389 \n - junkers, claudia: die geschichte der kunst wird von der erfindung getrieben; von der klassischen moderne bis zur gegenwart, part ii, in: immer am ball, mönchengladbach senior citizens' magazine, issue 185, august 2008, p. 14, ill. \n - stemmler, dierk: städtisches museum abteiberg mönchengladbach, berichte aus westdeutschen museen, in: wallraf-richartz jb, vol. li, cologne 1990, p. 387f, ill. \n \n \n - rückriem is one of the most important representatives of german minimal art \n \n - monumental installation of museum quality \n \n - can be installed both indoors and outdoors \n \n - the artist is represented in renowned public collections, including hamburger bahnhof, berlin, museum für moderne kunst, frankfurt am main, tate britain, london \n \n craftsmanship as a foundation before ulrich rückriem, a native of düsseldorf, began studying at the cologne werkschule under ludwig gies, he had already completed an apprenticeship as a stonemason in düren. in his youth, rückriem came into contact with architectural drawing and soon broke off his artistic training \u2013 craftsmanship was to become the foundation for his later artistic work. rückriem initially put his skills to use at cologne cathedral and also earned his living as a freelance stonemason, crafting gravestones. his encounter with gallery owner konrad fischer helped rückriem's independent sculptural work gain worldwide recognition. since 1966, he has participated in numerous international group exhibitions, including documenta 5 (1972), documenta 7 (1982), documenta 8 (1987) and documenta ix (1992), as well as the 1978 venice biennale. \n \n \n \n \n \"split, cut, ground and polished\" his characteristic stone sculptures, carved from a single block of stone, are created through a process that is also the result of precise planning: \"when i saw a sculpture in a block, i made a drawing and then it was split, cut, ground and polished. these are the four processes of production.\" (ulrich rückriem quoted by franziska leuthäußer, café deutschland \u2013 in conversation with the first art scene of the frg: ulrich rückriem, städel museum, 28 november 2017) \n starting with mostly cuboid blanks that he selects from various quarries, ulrich rückriem determines a simple basic form, which he designates as a free-standing \"stele\", \"cube\" or \"disc\"\u2019 or as a \"wall\" or \"floor relief\", depending on its placement in the space. once he has determined this basic form, rückriem draws up a design for dividing the blank, which follows strict architectural rules. \n \n at the end of this process, which is specific to rückriem, the result is a sculpture whose individual parts are assembled to form the original shape of the block. traces of the impact of the hammer, iron wedges or circular saw on the material remain visible at open interfaces and thin cracks in the rock. they make it possible to trace the individual steps of the process: \"that was the most important thing of all. that everything i do to the stone can be read: what was the first thing, what was the second, the third, and so on. what came after the split, what came after the cut, what came after the surface.\" (ibid.) the extreme reduction of form and the renunciation of any illusionistic effect or individual artistic signature in favour of mechanical or industrial processes connects rückriem with the artists of minimal art. the fact that for rückriem the location is always part of the work brings him closer to land art. \n \n \n \n \n physical volume and two-dimensional drawing this work consists of four approximately square blocks of shallow depth made of bleu de vire granite. this stone, which comes from normandy, is mostly blue-grey, fine-grained and rich in mica. due to its durability, it can be used in many ways, for example in the manufacture of paving slabs, statues and tombs. frequently used as a building material, it is used to line interior and exterior areas \u2013 even for paving airports. without altering the natural properties of the material, rückriem divides the upwardly tapering, wedge-like basic forms into six to seven parts with precisely calculated cuts. these minimalist interventions follow clear constructive principles for structuring the respective volume: above a base zone, the fields are arranged in a variety of ways like structural elements of a façade \u2013 possibly an allusion to the seasons that give the work its title. at the same time, rückriem uses the linear incisions to create a rhythm on the surface that goes beyond the lively unevenness of the rust-brown stone with its spots and streaks. the impressive monumental spatiality of the sculpture enters into an exciting relationship with the flatness of a fine elevation drawing, as which the precisely measured grid of lines of the openings appears. the interaction between the uniformity of the massive, tonne-heavy corpus and the multiplicity of its components also demands the viewer's attention. \n bettina haiss \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n ulrich rückriem germany contemporary art sculptures 1980s"},"estimateMax":60000,"lotNumber":"21","title":{"de":"ulrich rückriem: vier 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1975. \n \n technik: öl auf leinwand. \n \n maße: 70 x 50cm. \n \n bezeichnung: signiert und datiert unten rechts: schumacher 75. datiert und betitelt verso oben auf dem keilrahmen: 1975 titel: \"ablon\". hier zudem mit werkangaben versehen. \n \n rahmen/sockel: rahmen. \n \n das gemälde ist mit der inventarnummer 0/6 in dem von dr. ulrich schumacher angelegten verzeichnis der emil schumacher stiftung aufgeführt. wir danken herrn rouven lotz, direktor des emil schumacher museums, hagen, für die freundliche, wissenschaftliche unterstützung. \n \n provenienz: \n - galerie hans ostertag, frankfurt a.m. \n - privatsammlung süddeutschland (lt. einlieferer von vorheriger erworben) \n \n \n - vom bedeutenden vertreter des deutschen informel \n \n - expressive farblandschaft in der schumachers bestreben, mit farbe größtmögliche materialität zu erreichen, meisterhaft umgesetzt ist \n \n - gemälde mit großer haptischer wirkung an der grenze zwischen figuration und abstraktion \n \n \n materialität der farbe als bildgebender eigenwert \n emil schumacher ist einer der bedeutendsten vertreter des deutschen informel. nach dem zweiten weltkrieg hat er sich als freier künstler den zeitgenössischen tendenzen expressiver, ungegenständlicher malerei angeschlossen, die vor allem von der abstrakten avantgarde der \"nouvelle école de paris\" ausgingen. ihre vertreter vollzogen den bruch mit der vergangenheit durch die befreiung der kunst von den traditionellen regeln, die formgebung und komposition bestimmt hatten. an ihre stelle traten informelle ausdrucksweisen, die um gestik und textur kreisen. \n entsprechend verzichtet schumacher ab den 1950er jahren auf jegliche konstruktive ordnung. seine experimentelle bildsprache beruht auf einer hinwendung zur unmittelbaren materialität der farbe, die er bildgebend einsetzt. in seiner plastisch formenden arbeitsweise, die durch einen extrem pastosen farbauftrag besticht, lotet er die stofflichen eigenschaften der malsubstanz aus. schon 1951 hat schumacher notiert: \"die farbe als stoff, als materie, als etwas tastbares begann mich zu interessieren.\" (zit. nach: ausst.-kat. emil schumacher, arbeiten auf papier. kunstmuseum hannover, kunsthalle darmstadt et al., 1982/83, s. 26.) expressive bewegungen erzeugen eine spannungsvolle dynamik der bildoberfläche, treiben ihre haptische entwicklung voran. der bildträger wird so zum aktionsfeld für den kraftvollen einsatz, einschließlich gewaltvoller handlungen wie einritzungen und schläge mit dem hammer. derartig destruktive einwirkungen ermöglichten den durchbruch in die dreidimensionalität und damit eine grundsätzliche öffnung der malerei. neben groben schichtungen von farbe setzt schumacher draht, papier, holz, steine, nägel, asphalt oder sisal ein, um in farbreliefs die physische präsenz seiner malerei zu steigern. \n schon 1954 nimmt schumacher an der ausstellung \"deutsche kunst nach 45\" im stedelijk museum in amsterdam teil, die erstmals nach dem krieg zeitgenössische kunst aus deutschland im ausland präsentiert. seinen internationalen durchbruch markiert 1955 die für die neuausrichtung deutscher kunst maßgebliche ausstellung \"peintures et sculptures non figuratives en allemagne d'aujourd'hui\" im pariser cercle volney. mit der verleihung des guggenheim award 1958 und den teilnahmen an der documenta (ii, iii und 6) sowie der 29. biennale von venedig 1961 festigt sich sein erfolg kontinuierlich. \n \n \n eruptives schöpfungsmoment \n im vorliegenden werk \"ablon\" (1975) ergießt sich pastose rote farbmasse wie zähflüssige lodernde lava über die bildfläche. sie scheint von der entstehung der erdoberfläche aus glühendem gestein zu erzählen: in diesem vulkanischen motiv haben sich strukturen von innen heraus, gleichsam in einem eruptiven akt, gebildet und sind zur schrundigen farbkruste erstarrt. \n die farbmaterie wird hier zur entfesselten urkraft, der sich der künstler im malvorgang ausgesetzt sieht, denn für schumacher formte sich das bild immer auch aus dem widerstand des materials. in seinem schaffen wirkt sich die ursprüngliche ewige auseinandersetzung des künstlers mit dem werkstoff, den er in form zu bringen sucht, immer unmittelbar aus: die oberfläche ist trägerin der spuren dieses mitunter körperlich anstrengenden arbeitsprozesses, bei dem schumacher die eigenwillige stofflichkeit des materials nicht zu bändigen sucht, sondern als gleichwertiges schöpferisches moment einbezieht. \". diese farbe ist auch [.] stoff, greifbarer, tastbarer stoff. es gilt, ihre gefügigkeit zu überwinden. nur dann nimmt sie charakter an.\" (emil schumacher zit. nach ebd., s. 38.) \n der titel \"ablon\" verweist auf die kleine französische hafenstadt ablon in der normandie, die nahe der mündung der seine bei le havre gelegen ist. zeichenhaft scheinen daher die schwarzen, kreisförmigen markierungen auf dem gemälde den verlauf des geländes und den einschnitt durch den fluss abzubilden. jedoch kann trotz der konturhaften andeutung eines ortes keine allgemeine bedeutungszuschreibung vorgenommen werden, ist doch schumachers auffassung von räumlichkeit weder illusionistisch noch illustrativ, sondern folgt vielmehr einer unbestimmten offenheit. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n emil schumacher deutschland informel nachkriegskunst unikate 1970er rahmen abstrakt gemälde öl farbe","en":"schumacher, emil \n 1912 hagen - 1999 san josé/ibiza \n \n \n title: \"ablon\". \n \n date: 1975. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 70 x 50cm. \n \n notation: signed and dated lower right: schumacher 75. dated and titled verso top on the stretcher: 1975 title: \"ablon\". here additionally equipped with work details. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the painting is listed with inventory number 0/6 in the emil schumacher foundation's catalogue compiled by dr ulrich schumacher. we would like to thank mr rouven lotz, director of the emil schumacher museum in hagen, for his kind academic support. \n \n provenance: \n - hans ostertag gallery, frankfurt am main \n - private collection, southern germany (acquired from previous owner according to consignor) \n \n \n - by the important representative of german informel \n \n - expressive colour landscape masterfully executed in schumacher's endeavour to achieve the greatest possible materiality with colour \n \n - painting with a strong haptic effect on the border between figuration and abstraction \n \n the materiality of colour as an intrinsic value in image creation emil schumacher is one of the most important representatives of german informel. after the second world war, as a freelance artist, he joined the contemporary trends of expressive, non-representational painting, which originated primarily from the abstract avant-garde of the \"nouvelle école de paris\". its representatives broke with the past by liberating art from the traditional rules that had determined form and composition. these were replaced by informal forms of expression centred on gesture and texture. \n accordingly, schumacher dispensed with any constructive order from the 1950s onwards. his experimental visual language is based on a turn towards the immediate materiality of colour, which he uses to create images. in his sculptural working method, which captivates with its extremely impasto application of paint, he explores the material properties of the painting substance. as early as 1951, schumacher noted: \"i began to take an interest in paint as a substance, as a material, as something tangible.\" (quoted from: exhibition catalogue emil schumacher, arbeiten auf papier. kunstmuseum hannover, kunsthalle darmstadt et al., 1982/83, p. 26.) expressive movements create an exciting dynamic on the surface of the picture, driving its haptic development forward. the picture carrier thus becomes a field of action for powerful interventions, including violent actions such as scratching and hammering. such destructive influences enabled the breakthrough into three-dimensionality and thus a fundamental opening up of painting. in addition to rough layers of paint, schumacher uses wire, paper, wood, stones, nails, asphalt and sisal to enhance the physical presence of his painting in colour reliefs. \n as early as 1954, schumacher took part in the exhibition \"deutsche kunst nach 45\" (german art after 1945) at the stedelijk museum in amsterdam, which presented contemporary art from germany abroad for the first time after the war. his international breakthrough came in 1955 with the exhibition \"peintures et sculptures non figuratives en allemagne d'aujourd'hui\" (non-figurative paintings and sculptures in germany today) at the cercle volney in paris, which was decisive for the reorientation of german art. his success continued to grow with the award of the guggenheim award in 1958 and his participation in documenta (ii, iii and 6) and the 29th venice biennale in 1961. \n \n \n eruptive moment of creation in the present work, \"ablon\" (1975), impasto red paint pours across the picture surface like viscous, blazing lava. it seems to tell of the formation of the earth's surface from glowing rock: in this volcanic motif, structures have formed from within, as if in an eruptive act, and have solidified into a cracked crust of paint. \n here, the paint becomes an unleashed primal force to which the artist is exposed in the painting process, for schumacher, the picture always took shape from the resistance of the material. in his work, the artist's original, eternal struggle with the material he seeks to shape always has an immediate effect: the surface bears the traces of this sometimes physically demanding work process, in which schumacher does not seek to tame the idiosyncratic materiality of the material, but incorporates it as an equal creative element. \"this paint is also [...] substance, tangible, palpable substance. it is necessary to overcome its malleability. only then does it take on character.\" (emil schumacher, quoted in ibid., p. 38.) \n the title \"ablon\" refers to the small french port town of ablon in normandy, located near the mouth of the seine at le havre. the black, circular markings on the painting thus seem to symbolically depict the course of the terrain and the incision made by the river. however, despite the contour-like suggestion of a place, no general attribution of meaning can be made, as schumacher's conception of spatiality is neither illusionistic nor illustrative, but rather follows an indeterminate openness. \n bettina haiss \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n emil schumacher germany informel post-war art post war 1970s framed abstract painting oil colour"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"22","title":{"de":"emil schumacher: \"ablon\"","en":"emil 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1960. \n \n technik: öl auf leinwand. \n \n maße: 195,5 x 129,5cm. \n \n bezeichnung: signiert und datiert unten rechts: htrier 60. signiert, datiert und betitelt verso oben links: htrier 1960 \"keltern\". \n \n rahmen/sockel: rahmen. \n \n provenienz: \n - villa grisebach, 123. auktion, lot 395 (aufkleber) \n - galerie henze & ketterer, wichtrach/bern (aufkleber) \n - privatsammlung schweiz \n \n ausstellungen: \n - mathildenhöhe darmstadt, 1961 (aufkleber) \n \n literatur: \n - fehlemann, sabine (hrsg.): hann trier - monographie und werkverzeichnis, köln 1990, wvz.-nr. 303, abb. \n - ausst.-kat. neue darmstädter sezession. grosse herbstausstellung 1961, kat.-nr. 377, abb. \n \n \n - triers kunst lebt von energie und bewegung, die er vor allem in seiner malweise mit zwei pinseln reflektiert \n \n - er gilt heute als einer der bedeutendsten vertreter des deutschen informel \n \n \n mut zur abstraktion \n 1915 in kaiserswerth bei düsseldorf geboren, gehört hann trier heute zu einem der bekanntesten vertreter des deutschen informel. schon früh beginnt hann, ein spitzname, den sein bruder eduard ihm in kindertagen gab, zu zeichnen und zu malen. die inspiration für sein schaffen sucht er in der natur und bei regelmäßigen ausstellungsbesuchen in museen und im kölner kunstverein. während hann trier in seiner zeit an der düsseldorfer kunstakademie vor allem von den strömungen der moderne geprägt ist und seine künstlerische wahrheit in der naturtreue sucht, gehört er nach dem zweiten weltkrieg zu jenen, die sich in ihrem künstlerischen schaffen von der gegenständlichen malweise abwenden. \n trier gehört zu jenen künstlern, kunsthistorikern und kunstinteressierten, die kurz nach ende des zweiten weltkriegs die sogenannte donnerstagsgesellschaft in alfter bei bonn gründen. bei den regelmäßig stattfindenden treffen werden aktuelle themen aus kunst, kultur, gesellschaft und politik diskutiert. neben vorträgen finden im rahmen der donnerstagsgesellschaft auch ausstellungen statt. die erste ausstellung, an der sich auch hann trier mit seinen arbeiten beteiligt, wird am 20. juli 1947 unter dem titel \"tag der abstrakten kunst\" präsentiert. \n in der abstraktion findet hann trier seine künstlerische ausdrucksweise. begegnungen mit anderen abstrakten strömungen, wie dem französischen informel, inspirieren ihn seine eigenen bilddefinitionen zu finden. \n nach stationen in kolumbien, new york und hamburg, zahlreichen internationalen ausstellungen sowie der teilnahme an der ersten documenta 1955, folgt hann trier 1957 dem ruf an die hochschule für bildende künste in berlin, wo er bis zu seiner emeritierung 1990 als professor lehrt. \n \n \n mit pinseln tanzen \n mit beginn der 1950er jahre wird für hann trier die linie zum zentralen bildelement. sie ist für ihn energie und bewegung. der abbildende charakter rückt immer mehr in den hintergrund, während das gemalte den malprozess an sich reflektieren soll. im fokus seiner arbeit steht die bewegung. so beginnt hann trier in den 1950er jahren auch mit zwei pinseln gleichzeitig - in jeder hand einen - zu malen. als 1960 seine arbeit \"keltern\" entsteht, hat er das beidhändige malen bereits entwickelt. den betrachtenden öffnet sich ein undurchdringbares geflecht von linien, die sich zu einer gitterstruktur vereinen. die schwarzen linien auf rotem grund wirken einerseits kontrastierend, andererseits harmonieren die farben der komposition auf interessante weise miteinander. durch die tiefe des schwarzes entsteht beinahe ein eindruck von dreidimensionalität. je länger man das werk betrachtet, desto mehr ebenen der komposition eröffnen sich den betrachtenden. mit der zeit beginnt man den rhythmus, die bewegung, die energie zu entdecken, von denen hann trier in seiner arbeit beeinflusst ist. schauen wir als betrachtende genau hin, erkennen wir die unterschiedlichen richtungen der pinselstriche, die sich aus der beidhändigen malweise ergeben. die unterschiedlich eng gesetzten linien geben hier und da den blick auf den roten hintergrund frei, der dadurch die facetten seiner intensität offenbart. mit seinem werk \"keltern\" gelingt hann trier das festhalten von energie und bewegung im bild. die kombination aus verschlungenen linien und kontrastierenden farben lässt das bild pulsieren. betrachtet man das bild lang genug, offenbart es, was hann trier meinte als er sagte, er tanze mit den pinseln. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n hann trier deutschland informel nachkriegskunst unikate 1960er rahmen abstrakt gemälde öl","en":"trier, hann \n 1915 kaiserswerth - 1999 castiglione della pescaia \n \n \n title: \"keltern\". \n \n date: 1960. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 195.5 x 129.5cm. \n \n notation: signed and dated lower right: htrier 60. signed, dated and titled verso top left: htrier 1960 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early age. \n he sought inspiration for his work in nature and through regular visits to exhibitions in museums and the cologne art association. while hann trier was primarily influenced by modernist trends during his time at the düsseldorf art academy and sought his artistic truth in naturalism, after the second world war he was among those who turned away from representational painting in their artistic work. \n trier was one of the artists, art historians and art lovers who founded the so-called donnerstagsgesellschaft (thursday society) in alfter near bonn shortly after the end of the second world war. current topics from the worlds of art, culture, society and politics were discussed at the regular meetings. in addition to lectures, exhibitions were also held as part of the donnerstagsgesellschaft. the first exhibition, in which hann trier also participated with his works, was presented on 20 july 1947 under the title \"day of abstract art\". \n hann trier found his artistic expression in abstraction. encounters with other abstract movements, such as the french informel, inspired him to find his own visual definitions. \n after spending time in colombia, new york and hamburg, numerous international exhibitions and participation in the first documenta in 1955, hann trier accepted a position at the university of the arts in berlin in 1957, where he taught as a professor until his retirement in 1990. \n \n dancing with brushes at the beginning of the 1950s, the line became the central pictorial element for hann trier. for him, it represented energy and movement. the representational character receded more and more into the background, while the painting was intended to reflect the painting process itself. the focus of his work was movement. in the 1950s, hann trier began painting with two brushes at the same time \u2013 one in each hand. by the time he created his work \u2018keltern\u2019 in 1960, he had already developed his two-handed painting technique. the viewer is presented with an impenetrable network of lines that combine to form a grid structure. the black lines on a red background create a contrast, yet the colours in the composition harmonise with each other in an interesting way. the depth of the black almost creates an impression of three-dimensionality. the longer one looks at the work, the more layers of the composition open up to the viewer. over time, one begins to discover the rhythm, movement and energy that influence hann trier's work. if we look closely, we can see the different directions of the brushstrokes that result from the two-handed painting technique. the varying density of the lines reveals glimpses of the red background here and there, revealing the facets of its intensity. with his work \"keltern\", hann trier succeeds in capturing energy and movement in the picture. the combination of intertwined lines and contrasting colours makes the picture pulsate. if you look at the picture long enough, it reveals what hann trier meant when he said he danced with his brushes. \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n hann trier germany informel post-war art modern art 1960s framed abstract painting oil"},"estimateMax":65000,"lotNumber":"23","title":{"de":"hann trier: \"keltern\"","en":"hann trier: \"keltern\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29305/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":36000,"soldPrice":45000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.419Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac45,000 - \u20ac65,000","currency":"EUR","id":29305,"category":{"de":"Mod. 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privatsammlung \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - honisch, dieter: mack - skulpturen 1953-1986, düsseldorf/wien 1986, nachtrag im oeuvre-verzeichnis, wvz.-nr. 376a \n - skulpturen im raum der natur, köln 1991, kat.-nr. 70, abb. \n \n \n - ein seltenes sammlerstück aus dem frühwerk des künstlers \n \n - heinz mack - grenzgänger zwischen bild, skulptur, raum und natur \n \n - eindrucksvolle skulptur mit hochästhetischer formensprache und materialität \n \n \n die anfänge \n heinz mack zählt zu den faszinierendsten persönlichkeiten der deutschen nachkriegskunst, sein schöpferischer elan ist bis heute ungebrochen. er wird bekannt als einer der zentralen köpfe der zero-bewegung, die er gemeinsam mit otto piene 1957 im rheinischen düsseldorf ins leben ruft. der künstler ist ein ebenso radikaler wie genialer grenzgänger zwischen bild, skulptur, raum und natur, er experimentiert mit unterschiedlichsten materialen, medien und formen, arbeitet mit spiegeln, metallen, glas und sand, entwirft vibrierende lichtreliefs, kinetische objekte, lichtreflektierende kuben und monumentale lichtstelen, installiert seine werke in wüsten und auf gletschern. \n 1931 im hessischen lollar geboren, studiert der junge mack zunächst ab 1950 an der kunstakademie düsseldorf, später ergänzt er seine ausbildung durch ein philosophiestudium an der universität zu köln. im gemeinsamen atelier mit otto piene, der wie mack philosophie in köln studiert hatte, werden die sogenannten abendausstellungen organisiert - präsentationen, in denen neue ästhetische konzepte erprobt werden. ihre künstlerischen experimente werden bald durch spektakuläre aktionen im öffentlichen raum und legendäre environments erweitert. von anfang an stehen licht, bewegung sowie eine bewusste abkehr vom traditionellen kunstverständnis und dem subjektiven gestus des informel im fokus ihrer bemühungen. \n \n \n \"licht-stufen\" - der beginn einer ungegenständlichen formfindung \n macks impetus zu einer radikalen neuinterpretation der bildenden kunst findet sein medium zunächst in der skulptur. während zu anfang einige werke in holz und stein entstehen, in denen eine sukzessive loslösung vom naturmotiv zu beobachten ist, so vermittelt die zweiteilige stele des jahres 1955 mit dem titel \"licht-stufen\" bereits den eindruck einer völlig freien, ungegenständlichen formfindung. die schlanke säule ragt in einer gestaffelten struktur mit zehn stufen empor, die dem objekt eine rhythmisch gegliederte aufwärtsbewegung verleihen. der onyx - ein edler naturstein aus der gruppe der chalcedone - ist durchsetzt von einer lebendigen, überaus dekorativen hellen bis bernsteinfarbenen marmorierung und wird auf diese weise zu einem aktiven gestaltungselement der skulptur. in dieser eindrucksvollen arbeit aus dem frühwerk zeigt sich macks streben nach einer kunst, die frei von persönlicher handschrift über das rein materielle hinausweist und zu einer sinnlich-geistigen erfahrung von licht und raum wird - ganz im sinne des zero-gedankens, die kunst von subjektiver geste zu befreien und auf elementare phänomene wie licht, klarheit und struktur zurückzuführen. \n \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n heinz mack deutschland zero nachkriegskunst objekte 1950er licht skulptur stein","en":"mack, heinz \n 1931 lollar \n \n \n title: licht-stufen. \n \n subtitle: 2-part. \n \n date: 1955. \n \n technique: onyx on acrylic glass. on a wooden pedestal of the artist. \n \n measurement: onyx: 85 x 18 x 11cm. \n \n notation: acrylic block: 7 x 20 x 20cm; wood pedestal: 73 x 26 x 23cm; total height: 165cm. signed lower centre: mack (engraved). again signed centre on the acrylic block: mack (engraved). \n \n the work comes with a certificate signed by the artist dated 18th april 1995. \n \n provenance: \n - private collection \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - honisch, dieter: mack - skulpturen 1953-1986, düsseldorf/vienna 1986, addendum to the catalogue of works, cat. rais no. 376a \n - skulpturen im raum der natur, cologne 1991, cat. no. 70, ill. \n \n \n - a rare collector's item from the artist's early work \n \n - heinz mack - crossing boundaries between painting, sculpture, space and nature \n \n - impressive sculpture with highly aesthetic design language and materiality \n \n the beginnings heinz mack is one of the most fascinating personalities in post-war german art, and his creative energy remains unbroken to this day. he became known as one of the central figures of the zero movement, which he founded together with otto piene in düsseldorf in 1957. the artist is a radical and ingenious crossover artist between painting, sculpture, space and nature. he experiments with a wide variety of materials, media and forms, working with mirrors, metals, glass and sand, designing vibrant light reliefs, kinetic objects, light-reflecting cubes and monumental light steles, installing his works in deserts and on glaciers. \n born in lollar, hesse, in 1931, the young mack first studied at the düsseldorf art academy from 1950 onwards, later supplementing his education with a degree in philosophy from the university of cologne. in a shared studio with otto piene, who like mack had studied philosophy in cologne, the so-called evening exhibitions were organised \u2013 presentations in which new aesthetic concepts were tested. their artistic experiments were soon expanded to include spectacular actions in public spaces and legendary environments. from the outset, their efforts focused on light, movement and a conscious departure from the traditional understanding of art and the subjective gesture of informel \n \n \n \"licht-stufen\" (light steps) \u2013 the beginning of a non-representational search for form mack's impetus for a radical reinterpretation of the visual arts initially found its medium in sculpture. while some of his early works in wood and stone show a gradual detachment from natural motifs, the two-part stele from 1955 entitled \"licht-stufen\" (light steps) already conveys the impression of a completely free, non-representational form. the slender column rises in a staggered structure with ten steps, giving the object a rhythmically structured upward movement. the onyx \u2013 a precious natural stone from the chalcedony group \u2013 is interspersed with lively, extremely decorative light to amber-coloured marbling, thus becoming an active design element of the sculpture. this impressive early work reveals mack's pursuit of an art that, free of personal signature, transcends the purely material and becomes a sensual and spiritual experience of light and space \u2013 entirely in keeping with the zero concept of liberating art from subjective gesture and reducing it to elementary phenomena such as light, clarity and structure. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n heinz mack germany zero post-war art sculptures 1950s light sculpture stone"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"24","title":{"de":"heinz mack: licht-stufen","en":"heinz mack: licht-stufen"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29306/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.445Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - 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privatsammlung \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - fleck, robert (hrsg.): heinz mack - zero malerei, catalogue raisonné, vol. i 1956-1968, münchen/düsseldorf/wien 2017, wvz.-nr. 1962/43, abb. s. 277 und (in vol. ii) s. 73 \n \n \n - vom hauptprotagonist der düsseldorfer zero-gruppe \n \n - die gemälde aus der frühen zero-zeit zählen zu den gefragtesten werken auf dem kunstmarkt \n \n - außergewöhnlich, seltene farbgebung mit einer besonders dynamisch-flirrenden struktur \n \n - verkörpert macks frühe visuelle erkundungen in bezug auf licht, oberfläche, farbe und form \n \n \n gedankliche fundamente einer neuen malerei \n 1957 begründen otto piene und heinz mack zero - eine aufbruchsbewegung junger, experimentierfreudiger künstler in der \"stunde null\" nach dem zweiten weltkrieg, die von düsseldorf aus rasch internationale ausstrahlung gewinnt. licht, luft, feuer und wasser werden zu den neuen bildnerischen materialien ihrer radikalen erweiterung des kunstbegriffs. \n gegenständliche arbeiten finden sich bei heinz mack nur im frühwerk vor 1955. bald jedoch löst sich der künstler von figuration und individueller handschrift und sucht nach einer klar geordneten, rationalen bildsprache, die auf objektivierbaren prinzipien beruht. die in den frühen jahren seines schaffens entwickelten ausdrucks- und gestaltungsformen behalten in seinem gesamten oeuvre ihre prägende gültigkeit. \n schon 1958, in seiner programmschrift \"die neue dynamische struktur\", abgedruckt in der ersten ausgabe der gemeinsam mit otto piene herausgegebenen zero-zeitschrift, erläutert der künstler die theoretischen grundlagen seines schaffens: \"eine farbe kann verschiedene bedeutungen haben; ihre virtuelle objektivation aber, d.i. ihre eigentliche energie, gewinnt sie, wenn sie in ihre eigene vibration gerät: das ist ihr atem, ihr leben. [...] diese intensität der farbvibration erreichen wir durch das kontinuum der abweichung von einem idealen monochrom, bzw. durch das kontinuum der annäherung an ein solches. [...] ich gebe der farbe eine vibration, d.i. ich gebe der farbe eine struktur, oder: ich gebe der farbe ihre form. von formbildung im bisherigen sinne kann keine rede mehr sein.\" (heinz mack zit. nach: zero 1 (nachdruck), s. 12/13) \n macks vorstellung eines neuen bildgedankens beruht auf einer präzisen lenkung der wahrnehmung. parallel geführte horizontale zonen, gebildet von einer vielzahl kleiner, nur minimal variierter vertikaler elemente, bilden das konstruktive gerüst seiner gemälde dieser jahre. sie erzeugen eine subtile innerbildliche bewegung. die häufig auf schwarz und weiß reduzierte farbigkeit verweist dabei auf die elementare polarität von licht und schatten als kernelemente der malerei. \n \n \n die energie der bewegung im rhythmus der form \n das prinzip systematischer wiederholung zeigt sich auch in macks früher \"dynamischer struktur schwarz und braun\" aus den jahren 1961/62: eine streng gegliederte komposition aus horizontal angeordneten reihen dunkler, vertikal gesetzter formen auf einem warmbraunen grund. abstrahierte, keilförmige elemente variieren in dichte und form und erzeugen ein pulsierendes wechselspiel von licht und schatten, positiv- und negativformen, bewegung und ruhe. nach unten hin verdichtet sich die farbskala - das braun glüht zunehmend auf, bis es am unteren bildrand in tiefes rotbraun übergeht. die oberfläche scheint zu atmen, sie wirkt lebendig und vibrierend, während feine unregelmäßigkeiten und fließende schwünge den bildgrund zusätzlich vitalisieren. das werk ist ein exemplarisches zeugnis für die malerei in macks früher zero-phase, in der er licht und bewegung in strukturierte, energetisch aufgeladene bildfelder übersetzt. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n heinz mack deutschland zero nachkriegskunst unikate 1960er atelierleiste formen gemälde kunstharz farbe","en":"mack, heinz \n 1931 lollar \n \n \n title: \"dynamische struktur schwarz und braun\" (herbstblätter). \n \n date: 1961/62. \n \n technique: synthetic resin on untreated cotton. \n \n measurement: 85 x 85.5cm. \n \n notation: titled, signed and dated verso top: \"dynamische struktur\" schwarz und braun mack 61/62. additionally equipped with directional arrow. \n \n frame/pedestal: studio bar. \n \n the work comes with a certificate signed by the artist in october 1988. \n \n provenance: \n - private collection \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - fleck, robert (ed.): heinz mack - zero malerei, catalogue raisonné, vol. i 1956-1968, munich/düsseldorf/vienna 2017, cat. rais. no. 1962/43, ill. p. 277 and (in vol. ii) p. 73 \n \n \n - by the main protagonist of the düsseldorf zero group \n \n - paintings from the early zero period are among the most sought-after works on the art market \n \n - exceptional, rare colour scheme with a particularly dynamic, shimmering structure \n \n - embodies mack's early visual explorations of light, surface, colour and form \n \n conceptual foundations of a new style of painting in 1957, otto piene and heinz mack founded zero \u2013 a movement of young, experimental artists in the \"stunde null\" (zero hour) after the second world war, which quickly gained international recognition from its base in düsseldorf. light, air, fire and water became the new artistic materials in their radical expansion of the concept of art. \n heinz mack's representational works are found only in his early work before 1955. soon, however, the artist moved away from figuration and individual style and sought a clearly ordered, rational visual language based on objectifiable principles. the forms of expression and design developed in the early years of his career retained their formative validity throughout his entire oeuvre. \n as early as 1958, in his manifesto \"die neue dynamische struktur\" (the new dynamic structure), printed in the first issue of the zero magazine published jointly with otto piene, the artist explained the theoretical foundations of his work: \"a colour can have different meanings, but it gains its virtual objectification, i.e. its actual energy, when it enters into its own vibration: this is its breath, its life. [...] we achieve this intensity of colour vibration through the continuum of deviation from an ideal monochrome, or through the continuum of approximation to such a monochrome. [...] i give colour a vibration, i.e. i give colour a structure, or: i give colour its form. there can no longer be any question of form creation in the previous sense.\" (heinz mack quoted from: zero 1 (reprint), pp. 12/13) \n mack's idea of a new pictorial concept is based on precise control of perception. parallel horizontal zones, formed by a multitude of small, only minimally varied vertical elements, form the constructive framework of his paintings from these years. they create a subtle movement within the picture. the colour scheme, often reduced to black and white, refers to the elementary polarity of light and shadow as core elements of painting. \n \n \n \n \n the energy of movement in the rhythm of form the principle of systematic repetition is also evident in mack's early \"dynamic structure black and brown\" from 1961/62: a strictly structured composition of horizontally arranged rows of dark, vertically placed forms on a warm brown background. abstract, wedge-shaped elements vary in density and form, creating a pulsating interplay of light and shadow, positive and negative forms, movement and stillness. the colour scale becomes denser towards the bottom \u2013 the brown glows increasingly brightly until it transitions into a deep reddish brown at the bottom edge of the picture. the surface seems to breathe, appearing alive and vibrant, while fine irregularities and flowing curves further enliven the background. the work is an exemplary testimony to mack's painting in his early zero phase, in which he translates light and movement into structured, energetically charged pictorial fields. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n heinz mack germany zero post-war art post war 1960s studio bar shapes painting synthetic resin colour"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"25","title":{"de":"heinz mack: \"dynamische struktur schwarz und braun\" (herbstblätter)","en":"heinz mack: \"dynamische struktur schwarz und braun\" (herbstblätter)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29307/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.480Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - 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galerie m, bochum (aufkleber) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n ausstellungen: \n - städtisches museum mönchengladbach, 1972 (aufkleber) \n - museum van bommel, venlo 1972 (aufkleber) \n - stedelijk museum, amsterdam 1973 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. jan j. schoonhoven, städtisches museum mönchengladbach 1972, kat.-nr. 23 \n - ausst.-kat. jan j. schoonhoven, museum van bommel, venlo 1972, kat.-nr. 23 \n - ausst.-kat jan schoonhoven, stedelijk museum, amsterdam 1973, kat.-nr. 31, abb. \n \n \n - frühes raster-relief des wichtigen vertreters der niederländischen nul-gruppe \n \n - die schräge, serielle anordnung sorgt für ein subtiles licht- und schattenspiel \n \n - seit jahrzehnten in privatbesitz \n \n - vergleichbare großformatige reliefs befinden sich heute in bedeutenden museen, u.a. museum boijmans van beuningen, rotterdam, museum of modern art, new york und tate modern, london \n \n \n reduktion und ruhe \n jan j. schoonhoven ist einer der bedeutendsten niederländischen künstler der zweiten hälfte des 20. jahrhunderts, der in der nachfolge von mondrian und seinem neoplastizismus eingeordnet wird. bekannt wird er durch ein minimalistisches, monochromes werk aus meist weiß gefassten reliefs. nach einer ausbildung zum zeichenlehrer an der koninklijke academie van beeldende kunsten in den haag zwingen der zweite weltkrieg und die aus ihm hervorgehenden lebensumstände schoonhoven dazu, seine künstlerischen ambitionen zurückstellen. obwohl er bis zu seinem ruhestand 1979 einer arbeit als postbeamter nachgeht, entwickelt sich seine künstlerische laufbahn fortlaufend. seit anfang der 1960er jahre erreicht sein werk eine breite öffentlichkeit und etabliert sich nach erfolgreichen teilnahmen an der são paulo biennale 1967 sowie der documenta 4 in kassel auch international. \n \n das werk von schoonhoven bewegt sich zwischen den vorherrschenden nachkriegstendenzen des informel und der von theo van doesburg proklamierten konkreten kunst. unter schoonhovens beteiligung formiert sich 1959 die \"nederlandse informele groep\" (niederländische informelle gruppe), die 1960 in die gruppe \"nul\" übergeht. wie die namensverwandte deutsche gruppe zero vertritt die künstlergemeinschaft \"nul\" das ideal einer puristischen ästhetik in dem die ablehnung überkommener, tradierter bildkonzepte den neuanfang der kunst in der \"stunde null\" bestimmt. 1964 beschreibt zero-mitbegründer otto piene in einem artikel für die \"times literary supplement\" zero als \"unmeßbare zone, in der ein alter zustand in einen unbekannten neuen übergeht. zugleich ist es die \"zone des schweigens und neuer möglichkeiten\". es handelte sich bei dieser ablösung von der vergangenheit um eine art produktive inkubationszeit, in der stille und kontemplative kraft innovationen hervorbringen sollen. \n \n \n spiel zwischen starrer struktur und belebten lichteffekten \n zwischen skulptur und bild angesiedelt, verweigern die reliefs von schoonhoven jegliche naturalistische oder symbolische aussage zugunsten einer asketischen ausstrahlung. statt sich einem illusionismus zu verschreiben, verweisen sie einzig auf ihre eigenen konkreten materiellen bestandteile und bedingungen. entsprechend hat sich der künstler von der emotional aufgeladenen, expressiven geste einer individuellen handschrift befreit. \n das vorliegende werk \"r69-2\" ist einer mathematisch-rationalen, objektiven ordnung verpflichtet. statt künstlerischer ausdruck rückt hier das kalkül in den vordergrund. sogar die titelgebung scheint diesem nüchternen ansatz verpflichtet. jegliche narrative andeutung bleibt aus, lediglich die jahreszahl und die nummer des werkes sind neben der initiale der werkgruppe erfasst - innerhalb der reihenfolge aller in diesem jahr geschaffenen arbeiten. entsprechend dieser zählweise handelt es sich um das zweite relief aus dem jahr 1969. wie in zahlreichen werken von schoonhoven folgt auch diese zu den \"raster-reliefs\" zählende komposition einem streng repetitiven und seriellen prinzip. ein gerüst aus horizontalen und vertikalen linien ergibt die gleichmäßige, ahierarchische struktur eines rasters oder gitters. sie teilt den quadratischen, weiß gefassten bildträger in gleichgroße quadratische felder. jedoch lässt schoonhoven durch die subtile plastische modellierung des pappmachés kippmomente aufkommen, bei denen sich die einzelnen komponenten des bildgefüges gegeneinander verschieben. ausgelöst wird die perspektivische irritation der vor- und zurücktretenden felder mit dem lichteinfall und den einsetzenden effekten von reflexionen und schattierungen. besonders eindrucksvoll zeigt sich hier die \"spezifische kräuselung innerhalb der straffen formationen des reglementierten weiß. das zusammenspiel seiner reliefs mit dem licht entlockte poesie, die den stil eines autors verriet.\" (wim beeren zit. nach jan schoonhoven - retrospectief, den haag 1984) \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n jan schoonhoven niederlande informel zero nachkriegskunst unikate 1960er abstrakt objekt relief","en":"schoonhoven, jan \n delft 1914 - 1994 \n \n \n title: \"r69-2\". \n \n date: 1969. \n \n technique: papier-mâché, polychromed white on chipboard, painted white. \n \n measurement: 94 x 94cm. \n \n notation: signed, dated and titled verso upper right: j.j.schoonhoven 1969 \"r69-2\". here additionally equipped with work details. \n \n the work will be included in the catalogue raisonné of relief works currently in preparation. we would like to thank mr. antoon melissen, amsterdam, for his kind and knowledgeable support. \n \n provenance: \n - galerie m, bochum (label) \n - private collection north rhine-westphalia \n \n exhibitions: \n - städtisches museum mönchengladbach, 1972 (label) \n - museum van bommel, venlo 1972 (label) \n - stedelijk museum, amsterdam 1973 \n \n literature: \n - exhib. cat. jan j. schoonhoven, städtisches museum mönchengladbach 1972, cat. no. 23 \n - exhib. cat. jan j. schoonhoven, museum van bommel, venlo 1972, cat. no. 23 \n - exhib. cat. jan schoonhoven, stedelijk museum, amsterdam 1973, cat. no. 31, ill. \n \n \n - early grid relief by the important representative of the dutch nul group \n \n - the slanted, serial arrangement creates a subtle play of light and shadow \n \n - privately owned for decades \n \n - comparable large-format reliefs can now be found in major museums, including museum boijmans van beuningen, rotterdam, museum of modern art, new york, and tate modern, london \n reduction and tranquility \n jan j. schoonhoven is one of the most important dutch artists of the second half of the 20th century, classified as a successor to mondrian and his neoplasticism. he became known for his minimalist, monochrome work consisting mainly of white reliefs. after training as an art teacher at the koninklijke academie van beeldende kunsten in the hague, the second world war and the resulting circumstances forced schoonhoven to put his artistic ambitions on hold. although he worked as a postal clerk until his retirement in 1979, his artistic career continued to develop. since the early 1960s, his work has reached a wide audience and has also established itself internationally after successful participations in the 1967 são paulo biennial and documenta 4 in kassel. \n \n schoonhoven's work oscillates between the prevailing post-war tendencies of informel and the concrete art proclaimed by theo van doesburg. with schoonhoven's participation, the \u201cnederlandse informele groep\u201d (dutch informal group) was formed in 1959, which merged into the \u201cnul\u201d group in 1960. like the german group zero, which shares its name, the \u201cnul\u201d artists' community represented the ideal of a purist aesthetic in which the rejection of traditional, established visual concepts determined a new beginning for art in the \u201czero hour.\u201d in 1964, zero co-founder otto piene described zero in an article for the times literary supplement as \u201can immeasurable zone in which an old state transitions into an unknown new one. at the same time, it is the \u2018zone of silence and new possibilities.\u2019\u201d this departure from the past was a kind of productive incubation period in which silence and contemplative power were supposed to give rise to innovation. \n \n \n interplay between rigid structure and animated light effects \n situated between sculpture and painting, schoonhoven's reliefs reject any naturalistic or symbolic statement in favor of an ascetic aura. instead of committing themselves to illusionism, they refer solely to their own concrete material components and conditions. accordingly, the artist has freed himself from the emotionally charged, expressive gesture of an individual signature. \n the present work, \u201cr69-2,\u201d is committed to a mathematical-rational, objective order. instead of artistic expression, calculation comes to the fore here. even the title seems committed to this sober approach. there is no narrative suggestion whatsoever; only the year and the number of the work are recorded next to the initial of the work group\u2014within the sequence of all works created that year. according to this counting method, this is the second relief from 1969. as in numerous works by schoonhoven, this composition, which belongs to the \u201cgrid reliefs, \u201d follows a strictly repetitive and serial principle. a framework of horizontal and vertical lines creates the uniform, hierarchical structure of a grid or lattice. it divides the square, white picture carrier into equal-sized square fields. however, schoonhoven uses the subtle plastic modeling of the papier-mâché to create moments of tilt in which the individual components of the image structure shift against each other. the perspective distortion of the advancing and receding fields is triggered by the incidence of light and the resulting effects of reflections and shadows. particularly impressive here is the \"specific rippling within the taut formations of the regulated white. the interplay of its reliefs with the light evoked poetry that betrayed the style of an author.\" (wim beeren quoted from jan schoonhoven - retrospectief, the hague 1984) \n bettina haiss \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n jan schoonhoven the netherlands informel zero post-war art post war 1960s abstract object relief"},"estimateMax":200000,"lotNumber":"26","title":{"de":"jan schoonhoven: \"r69-2\"","en":"jan schoonhoven: \"r69-2\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29308/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":120000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.492Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac150,000 - \u20ac200,000","currency":"EUR","id":29308,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post War"},"estimateMin":150000},{"startPrice":240000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29309/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29309/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29309/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29309/004/004.jpg"],"soldDate":"2025-12-03","available":false,"description":{"de":"uecker, günther \n 1930 wendorf - 2025 düsseldorf \n \n \n titel: \"spirale\". \n \n datierung: 1980. \n \n technik: eingeschlagene nägel und farbe auf leinwand. auf holz. \n \n maße: 120 x 120 x 16cm. \n \n bezeichnung: betitelt, signiert und datiert unten: spirale uecker 80. nochmals signiert, datiert und betitelt verso. hier zudem mit richtungspfeil und maßangaben versehen. \n \n dieses werk ist im uecker archiv unter der nummer gu.80.006 registriert und wird vorgemerkt für die aufnahme in das entstehende uecker-werkverzeichnis. \n \n provenienz: \n - privatsammlung niedersachsen \n \n ausstellungen: \n - mönchehaus-museum, goslar 1983 (ausstellung zur überreichung des kaiserrings der stadt goslar) \n \n literatur: \n - honisch, dieter: uecker, new york 1986, wvz.-nr. 999 \n \n \n - von einem der großen deutschen, international gefeierten nachkriegskünstler \n \n - die virtuose anordnung der nägel zieht das auge des betrachters auf magische weise mitten ins herz der spirale \n \n - die dichten nagelobjekte zählen zu den gefragtesten werken des künstlers auf dem auktionsmarkt \n \n - seit jeher in privatbesitz und erstmals auf dem kunstmarkt angeboten \n \n \n zero \n in der \"stunde null\" nach den verheerungen des zweiten weltkriegs stand die deutsche kunst vor einem scherbenhaufen. in dieser atmosphäre gründeten heinz mack und otto piene 1957 in düsseldorf die künstlergruppe zero mit dem ziel eines radikalen neuanfangs. mit mutigem experimentiergeist und beharrlicher innovationskraft warfen die jungen künstler traditionelles formenrepertoire und alte ausdrucksweisen radikal über bord. stattdessen stellten sie licht, bewegung und raum ins zentrum ihres schaffens - elemente, die der kunst ungeahnte dimensionen eröffneten und sie in ein neues zeitalter katapultierten. zero wollte nichts geringeres, als die bildende kunst von grund auf neu definieren - mit experimentellem impetus und frei vom ballast ideologischer oder emotionaler bedeutungen: von anfang an war die bewegung international ausgerichtet und vernetzte sich früh mit gleichgesinnten niederländischen künstlern der gruppe nul, den französischen nouveaux réalistes und den japanischen avantgardisten der künstlergruppe gutai. günther uecker stieß 1961 zur gruppe zero hinzu und prägte sie mit seiner markanten bildsprache entscheidend mit. geboren 1930 in mecklenburg, studierte er zunächst an der kunsthochschule berlin-weißensee und wechselte im anschluss an die kunstakademie düsseldorf, wo er schüler war und später selbst als professor wirkte. seine aufsehenerregenden nagelobjekte - spannungsvoll arrangierte, mit nägeln durchsetzte reliefs, die mithilfe von licht und schatten lebendige oberflächen voller rhythmus und spannung schaffen - waren sein \"markenzeichen\" und sicherten ihm einen gebührenden rang in der geschichte der deutschen nachkriegskunst. \n \n \n nagelobjekt mit magischer aura \n seine \"spirale\" aus dem jahr 1980 ist ein werk von beeindruckender präsenz und intensität. auf einer rechteckigen, mit heller leinwand bezogen holzplatte, sind unzählige nägel in perfekter ordnung eingeschlagen - im zentrum dicht gedrängt und fast senkrecht, zum rand hin weiter voneinander entfernt und flacher geneigt. diese virtuose komposition erzeugt eine kraftvolle bewegung, die das auge magisch ins herz der spirale und den betrachter in ihren bann zieht. die geradezu hypnotische sogwirkung des reliefs wird durch feine, weiße und graue farbspuren verstärkt, die sich mit schwungvoller gestik und pulsierender vitalität unterhalb der nägel ausbreiten und die dynamik der spirale zusätzlich betonen. sie ergänzen die warme tonigkeit von chamoisfarbener leinwand und durch rost patinierten nägeln durch kühle farbeffekte, die das faszinierende spiel von licht und schatten eindrucksvoll verstärken und intensivieren. \n \n \n erfahrbar durch das licht \n günther uecker verstand seine arbeiten als offene werke, deren wirklichkeit erst durch das licht erfahrbar wird. der lichteinfall ist ein unverzichtbarer bestandteil seiner kunst - ein zentrales element, das seine arbeiten aktiviert und ihnen eine tiefe und berührende sinnlichkeit verleiht. auch die visuelle wirkung der spirale verändert sich mit dem jeweiligen lichteinfall und dem standort des betrachters. aus diesem wechselspiel entsteht eine belebende energie, die zur aktiven wahrnehmung herausfordert und der spirale eine geheimnisvolle aura verleiht. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n günther uecker deutschland zero nachkriegskunst objekte 1980er nagel objekt mischtechnik","en":"uecker, günther \n 1930 wendorf - 2025 düsseldorf \n \n \n title: \"spirale\". \n \n date: 1980. \n \n technique: hammered-in nails and paint on canvas. on wood. \n \n measurement: 120 x 120 x 16cm. \n \n notation: titled, signed and dated at the bottom: spirale uecker 80. again signed, dated and titled verso. here additionally equipped with direction arrow and dimensions. \n \n this work is registered in the uecker archive under the number gu.80.006 and will be noted for inclusion in the forthcoming uecker catalogue raisonné. \n \n provenance: \n - private collection lower saxony \n \n exhibitions: \n - mönchehaus-museum, goslar 1983 (exhibition on the occasion of the presentation of the kaiserring award by the city of goslar) \n \n literature: \n - honisch, dieter: uecker, new york 1986, cat. rais. no. 999 \n \n \n - by one of germany's greatest internationally acclaimed post-war artists \n \n - the virtuoso arrangement of nails magically draws the viewer's eye to the centre of the spiral \n \n - these dense nail objects are among the artist's most sought-after works on the auction market \n \n - always privately owned and offered on the art market for the first time zero in the \u201czero hour\u201d following the devastation of world war ii, german art was left in ruins. it was in this atmosphere that heinz mack and otto piene founded the zero artist group in düsseldorf in 1957 with the aim of making a radical new start. with a courageous spirit of experimentation and persistent innovative power, the young artists radically discarded traditional forms and old modes of expression. instead, they placed light, movement, and space at the center of their work\u2014elements that opened up undreamt-of dimensions for art and catapulted it into a new era. zero wanted nothing less than to redefine the visual arts from the ground up\u2014with experimental impetus and free from the ballast of ideological or emotional meanings. from the outset, the movement had an international focus and early on networked with like-minded dutch artists from the nul group, the french nouveaux réalistes, and the japanese avant-garde artists of the gutai group. günther uecker joined the zero group in 1961 and had a decisive influence on it with his striking visual language. born in mecklenburg in 1930, he first studied at the berlin-weißensee art academy and then transferred to the düsseldorf art academy, where he was a student and later worked as a professor himself. his sensational nail objects\u2014excitingly arranged reliefs interspersed with nails that use light and shadow to create lively surfaces full of rhythm and tension\u2014were his \u201ctrademark\u201d and secured him a well-deserved place in the history of post-war german art. \n \n \n nail object with a magical aura \n his \u201cspiral\u201d from 1980 is a work of impressive presence and intensity. countless nails are hammered into a rectangular wooden panel covered with light-colored canvas in perfect order\u2014crowded together in the center and almost vertical, becoming more widely spaced and less steeply inclined toward the edges. this virtuoso composition creates a powerful movement that magically draws the eye into the heart of the spiral and captivates the viewer. the almost hypnotic pull of the relief is enhanced by fine white and gray traces of color that spread beneath the nails with sweeping gestures and pulsating vitality, further emphasizing the spiral's dynamism. they complement the warm tones of the chamois-colored canvas and rust-patinated nails with cool color effects that impressively enhance and intensify the fascinating play of light and shadow. \n \n \n experienced through light \n günther uecker saw his works as open pieces whose reality can only be experienced through light. the incidence of light is an indispensable part of his art - a central element that activates his works and lends them a deep and touching sensuality. the visual effect of the spiral also changes with the incidence of light and the viewer's location. this interplay creates an invigorating energy that challenges active perception and lends the spiral a mysterious aura. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n günther uecker germany zero post-war art sculptures 1980s nail object mixed media"},"estimateMax":500000,"lotNumber":"27","title":{"de":"günther uecker: \"spirale\"","en":"günther uecker: \"spirale\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29309/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":240000,"soldPrice":360000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.614Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac300,000 - \u20ac500,000","currency":"EUR","id":29309,"category":{"de":"Post War Objekte","en":"Post War Sculptures"},"estimateMin":300000},{"startPrice":96000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29310/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29310/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29310/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29310/004/004.jpg"],"soldDate":"2025-12-03","available":false,"description":{"de":"mack, heinz \n 1931 lollar \n \n \n titel: chromatische konstellation. \n \n datierung: 2010. \n \n technik: acryl auf leinwand. \n \n maße: 130 x 159,5cm. \n \n bezeichnung: signiert und datiert unten mittig: mack 10. \n \n rahmen/sockel: atelierleiste. \n \n zu diesem werk liegt ein zertifikat des künstlers von juli 2011 vor. \n \n provenienz: \n - galerie samuelis baumgarte, bielefeld \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (2011 von vorheriger erworben) \n \n \n - durch und durch harmonisches farbspektakel aus licht und farben in attraktivem format \n \n - seit 1991 widmet sich heinz mack wieder intensiv der malerei \n \n - macks meisterschaft ist es einfachen formen auf sinnliche art pure lebendigkeit und strahlkraft zu verleihen \n \n \n mack und die malerei - eine lichtvolle explosion der farben \n der name heinz mack ist untrennbar mit der internationalen zero-bewegung der späten 1950er und 1960er-jahre verbunden - sinnbild eines radikalen künstlerischen neuanfangs nach dem zweiten weltkrieg. macks vielgestaltiges oeuvre entfaltet sich in einer beeindruckenden bandbreite von bildhauerischen arbeiten, lichtreliefs und kinetischen objekten über installationen und raumprojekte bis hin zu spektakulären land-art-inszenierungen. auch in malerei, zeichnung, grafik und fotografie bleibt das zentrale anliegen seines schaffens präsent: die sichtbarmachung des lichts als gestaltende, geistige und energetische kraft. \n nachdem heinz mack nur wenige jahre nach der gründung von zero die malerei vollständig aufgegeben hatte, kehrt er 1991 - nach fast drei jahrzehnten - zu pinsel und leinwand zurück. was darauf folgt, ist eine unvergleichliche explosion der farbe: mit rot, orange, gelb, grün, blau, indigo und violett entfaltet der künstler das gesamte spektrum des lichts in leuchtenden regenbogenfarben - als lichtdurchflutete, vibrierende kompositionen von außergewöhnlicher energie und strahlkraft. \n \n \n \"musik und malerei sind wie zwei schöne schwestern\" \n inspiriert vom musikalischen begriff der chromatik bezeichnet heinz mack - selbst ausgebildeter pianist und leidenschaftlicher verehrer der modernen avantgarde, insbesondere der zwölftontechnik und des minimalismus - seine ungegenständlichen gemälde als \"chromatische konstellationen\". in ihnen lässt er die farben wie töne miteinander klingen - sensibel nuanciert und harmonisch abgestuft oder in kraftvollen kontrasten aufeinanderprallend. so formuliert der künstler: \"musik und malerei sind wie zwei schöne schwestern [...]\" (heinz mack zit. nach ebd., s. 84.) \n \n \n ein kosmos von farbiger opulenz als manifestation des lichts \n \"in meinen chromatischen bildern\", so schreibt er, \"haben formen nur noch die bedeutung einer rhythmischen begrenzung, innerhalb derer das licht als farbe zu erscheinung kommt. damit ich mich auf das abenteuer der reinen malerei einlassen kann, muß die form der begrenzung so einfach oder so offen wie möglich sein. [...] die identität von licht und farbe, welche im spektrum sichtbar wird, ist der gegenstand meiner malerei, - es ist ihr einziger gegenstand.\" (heinz mack zit. nach ausst.-kat. mack - lichtkunst, kunst-museum ahlen, köln 1994, s. 36.) \n die \"chromatische konstellation\" von 2010 offenbart eine präzise austarierte komposition stufenartig ineinandergreifender und sich überlagernder quadrate und rauten vor grauem grund. in horizontaler abfolge entfaltet sich ein farbspektrum von schwarz und grau über tiefes blau und türkis bis hin zu strahlendem gelb, warmtonigem orange und leuchtendem rot. die strenge ordnung des geometrischen gefüges wird durch einen offenen, bewegten pinselduktus belebt: locker gesetzte strichlagen verweben sich zu einem zarten, vibrierenden geflecht, das die konturen der formen auflöst und in pulsierendem licht schwingen lässt. in werken wie diesem vereint heinz mack die asketische klarheit formaler reduktion mit der sinnlichen fülle farblicher orchestrierung - zu einer malerei von unvergleichlichem zauber und zeitloser strahlkraft. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n heinz mack deutschland zero nachkriegskunst unikate 2010er atelierleiste farbe gemälde acryl","en":"mack, heinz \n 1931 lollar \n \n \n title: chromatische konstellation. \n \n date: 2010. \n \n technique: acrylic on canvas. \n \n measurement: 130 x 159.5cm. \n \n notation: signed and dated lower centre: mack 10. \n \n frame/pedestal: studio strip. \n \n this work comes with a certificate of the artist from july 2011. \n \n provenance: \n - galerie samuelis baumgarte, bielefeld \n - private collection north rhine-westphalia (acquired from the previous owner in 2011) \n \n \n - a thoroughly harmonious spectacle of light and colour in an attractive format \n \n - since 1991, heinz mack has once again devoted himself intensively to painting \n \n - mack's mastery lies in his ability to lend simple forms a sensual purity and radiance \n \n mack and painting \u2013 a luminous explosion of colors the name heinz mack is inextricably linked to the international zero movement of the late 1950s and 1960s \u2013 a symbol of a radical artistic new beginning after the second world war. mack's multifaceted oeuvre unfolds in an impressive range of sculptural works, light reliefs, and kinetic objects, from installations and spatial projects to spectacular land art productions. the central concern of his work also remains present in painting, drawing, graphic art, and photography: the visualization of light as a creative, spiritual, and energetic force. \n after heinz mack had completely abandoned painting just a few years after the founding of zero, he returned to brush and canvas in 1991\u2014after almost three decades. what followed was an incomparable explosion of color: using red, orange, yellow, green, blue, indigo, and violet, the artist unfolded the entire spectrum of light in brilliant rainbow colors\u2014as light-flooded, vibrant compositions of extraordinary energy and radiance. \n \n \n \u201cmusic and painting are like two beautiful sisters.\u201d inspired by the musical concept of chromaticism, heinz mack\u2014himself a trained pianist and passionate admirer of the modern avant-garde, especially twelve-tone technique and minimalism\u2014describes his non-representational paintings as \u201cchromatic constellations.\u201d in them, he allows the colors to resonate with each other like tones \u2013 sensitively nuanced and harmoniously graded or colliding in powerful contrasts. as the artist puts it: \u201cmusic and painting are like two beautiful sisters [...]\u201d (heinz mack, quoted from ibid., p. 84). \n \n \n a cosmos of colorful opulence as a manifestation of light \u201cin my chromatic paintings, \u201d he writes, \"forms have only the meaning of a rhythmic boundary within which light appears as color. in order for me to embark on the adventure of pure painting, the form of the boundary must be as simple or as open as possible. [...] the identity of light and color, which becomes visible in the spectrum, is the subject of my painting\u2014it is its sole subject.\" (heinz mack, quoted in the exhibition catalog mack\u2014lichtkunst, kunst-museum ahlen, cologne, 1994, p. 36.) \n the \u201cchromatic constellation\u201d from 2010 reveals a precisely balanced composition of squares and diamonds interlocking and overlapping in steps against a gray background. a color spectrum unfolds in horizontal sequence from black and gray to deep blue and turquoise to bright yellow, warm orange, and luminous red. the strict order of the geometric structure is enlivened by an open, animated brushstroke: loosely placed strokes interweave to form a delicate, vibrant mesh that dissolves the contours of the shapes and allows them to vibrate in pulsating light. in works such as this, heinz mack combines the ascetic clarity of formal reduction with the sensual richness of color orchestration\u2014resulting in paintings of incomparable magic and timeless radiance. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n heinz mack germany zero post-war art post war 2010s studio bar colour painting acrylic"},"estimateMax":180000,"lotNumber":"28","title":{"de":"heinz mack: chromatische konstellation","en":"heinz mack: chromatische konstellation"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29310/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":96000,"soldPrice":135000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.684Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac120,000 - \u20ac180,000","currency":"EUR","id":29310,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post War"},"estimateMin":120000},{"startPrice":144000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29311/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29311/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29311/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29311/004/004.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29311/005/005.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29311/006/006.jpg"],"soldDate":"2025-12-03","available":false,"description":{"de":"uecker, günther \n 1930 wendorf - 2025 düsseldorf \n \n \n titel: \"lichtkasten\". \n \n datierung: 1966. \n \n technik: eingeschlagene nägel und weiße farbe auf leinwand, auf holzscheibe. in holzkasten, weiß gefasst. beleuchtet und elektrifiziert. \n \n maße: 80 x 80 x 17cm. \n \n bezeichnung: zweifach signiert und betitelt auf der rückseite der vorderen holzplatte oben: uecker lichtkasten. \n \n das werk ist voll funktionsfähig. \n \n dieses werk ist im uecker archiv unter der nummer gu.66.035 registriert und wird vorgemerkt für die aufnahme in das enstehende uecker-werkverzeichnis. \n \n provenienz: \n - gimpel fils gallery, london (aufkleber) \n - sotheby's, london, auktion 22.10.1998, lot 38 \n - galerie heseler, münchen (lt. einlieferer) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - honisch, dieter: uecker, stuttgart 1983, wvz.-nr. 503, abb \n \n \n - kinetisches lichtobjekt aus der zero-zeit \n \n - aus der kleinen werkgruppe der \"lichtscheiben\" mit denen uecker ab 1961 eine neue ästhetische dimension erreicht \n \n - fesselnde, visuelle kraft durch bewegtes licht- und schattenspiel \n \n \n die radikale entscheidung \n die \"lichtscheiben\" sind die wohl faszinierendsten und poetischsten werke in günther ueckers oeuvre. bereits in den 1960er jahren entstehen die ersten kinetischen lichtscheiben. nachdem uecker in den späten 1950er jahren mit den \"monochromen\" von yves klein in berührung kommt, wird er bald von der verwendung reiner, monochromer weißer oberflächen inspiriert, die die wirkung des lichts verstärken und den werken einen meditativen und spirituellen unterton verleihen. geboren aus dem wunsch den künstlerischen ausdruck zu radikalisieren, widmet sich uecker 1957 der verwendung von nägeln, einem medium, das heute synonym für sein künstlerisches schaffen ist. die entwicklungen und entdeckungen, die uecker in dieser prägenden zeit macht, stehen ganz im geiste der avantgardistischen künstlerbewegung zero, der auch uecker angehört. der \"lichtkasten\" entstand in dem jahr als sich die düsseldorfer zero gruppe um günther uecker, heinz mack und otto piene nach knapp neun jahren der gemeinsamen zusammenarbeit und ausstellungen auflöst. der gemeinsame weg endet am 25. november 1966 mit der zero-demonstration \"zero ist gut für dich\" im bahnhof rolandseck. über das fest schrieb mack: \"1966 fand zero ein positives ende. über tausend menschen haben es in einer nacht gefeiert. ich selbst hatte mir dieses ende gewünscht: ein ende, das ich genauso befreiend fand wie den anfang von zero.\" (zit. nach: schmitt, ulrike: \"zero ist gut für dich\", in: sediment. mitteilungen zur geschichte des kunsthandels. heft 10. 2006). \n \n \n skulpturale qualität in bewegung \n die einfachheit der materialien und die kraft ihrer kombinierten, lyrischen wirkung sind ausschlaggebend für die fesselnde visuelle kraft des lichtobjekts. in kreisförmiger reihung hämmert der künstler hunderte von nägeln in die runde holzplatte, bevor er sie mit einem einheitlichen weißen anstrich versieht. an einem punkt der komposition beginnend, setzte der künstler einen nagel nach dem anderen ein und schafft so eine anziehende komposition, die in die welt des betrachters hineinreicht. als kinetisches werk wird die scheibe an einem motor befestigt, der sie rotieren lässt, und von einem punkt aus anstrahlt. so wird ein betörender tanz aus licht und schatten erzeugt. weit von der wand abstehend hat die arbeit eine skulpturale qualität, die durch ihre mobile natur noch verstärkt wird. beim betrachten der sich drehenden arbeit spürt man eine gewisse spannung zwischen dem sog der vergehenden zeit und dem meditativen, fesselnden rausch der sich drehenden nägel. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n günther uecker deutschland zero nachkriegskunst objekte 1960er nagel objekt mischtechnik licht","en":"uecker, günther \n 1930 wendorf - 2025 düsseldorf \n \n \n title: \"lichtkasten\". \n \n date: 1966. \n \n technique: hammered-in nails and white paint on canvas, on a wooden disc. in wooden box, polychromed white. illuminated and wired for electricity. \n \n measurement: 80 x 80 x 17cm. \n \n notation: twice signed and titled on the back of the front wooden panel at the top: uecker lichtkasten. \n \n the work is fully functional. \n \n this work is registered in the uecker archive under the number gu.66.035 and will be noted for inclusion in the forthcoming uecker catalogue raisonné. \n \n provenance: \n - gimpel fils gallery, london (label) \n - sotheby's, london, auction 22nd october 1998, lot 38 \n - galerie heseler, munich (acc. to consignor) \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - honisch, dieter: uecker, stuttgart 1983, cat. rais. no. 503, ill. \n \n \n - kinetic light object from the zero period \n \n - from the small group of works known as 'light discs' with which uecker achieved a new aesthetic dimension from 1961 onwards \n \n - captivating visual power through the interplay of moving light and shadow \n \n the radical decision the \u201clight discs\u201d are arguably the most fascinating and poetic works in günther uecker's oeuvre. the first kinetic light discs were created as early as the 1960s. after uecker came into contact with yves klein's \u201cmonochromes\u201d in the late 1950s, he was soon inspired by the use of pure, monochrome white surfaces, which enhance the effect of light and lend the works a meditative and spiritual undertone. born out of a desire to radicalize artistic expression, uecker devoted himself in 1957 to the use of nails, a medium that is now synonymous with his artistic work. the developments and discoveries that uecker made during this formative period were very much in the spirit of the avant-garde artist movement zero, to which uecker also belonged. the \u201clight box\u201d was created in the year that the düsseldorf zero group around günther uecker, heinz mack, and otto piene disbanded after almost nine years of collaboration and exhibitions. their joint journey ended on november 25, 1966, with the zero demonstration \u201czero is good for you\u201d at rolandseck station. mack wrote about the celebration: \" in 1966, zero came to a positive end. over a thousand people celebrated it in one night. i myself had wished for this ending: an ending that i found just as liberating as the beginning of zero.\u201c (quoted from: schmitt, ulrike: \u201dzero ist gut für dich, \" in: sediment. mitteilungen zur geschichte des kunsthandels. issue 10. 2006). \n \n \n sculptural quality in motion the simplicity of the materials and the power of their combined, lyrical effect are decisive for the captivating visual power of the light object. in a circular arrangement, the artist hammers hundreds of nails into the round wooden panel before coating it with a uniform white paint. starting at one point in the composition, the artist inserts one nail after another, creating an attractive composition that reaches into the viewer's world. as a kinetic work, the disc is attached to a motor that rotates it and illuminates it from one point. this creates a beguiling dance of light and shadow. protruding far from the wall, the work has a sculptural quality that is further enhanced by its mobile nature. when viewing the rotating work, one senses a certain tension between the pull of passing time and the meditative, captivating frenzy of the spinning nails. \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n günther uecker germany zero post-war art sculptures 1960s nail object mixed media light"},"estimateMax":240000,"lotNumber":"29","title":{"de":"günther uecker: \"lichtkasten\"","en":"günther uecker: \"lichtkasten\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29311/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":144000,"soldPrice":120000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.710Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac180,000 - \u20ac240,000","currency":"EUR","id":29311,"category":{"de":"Post War Objekte","en":"Post War Sculptures"},"estimateMin":180000},{"startPrice":240000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29312/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29312/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29312/003/003.jpg"],"soldDate":"2025-12-03","available":false,"description":{"de":"albers, josef \n 1888 bottrop - 1976 new haven, ct/usa \n \n \n titel: study for homage to the square \"morning sight\". \n \n datierung: 1969. \n \n technik: öl auf masonit. \n \n maße: 81 x 81cm. \n \n bezeichnung: monogrammiert und datiert unten rechts (in die nasse farbe eingeritzt): a69. betitelt, signiert und datiert verso oben rechts: study for homage to the square \"morning sight\" albers 1969. hier zudem mit werkangaben und widmung versehen. \n \n rahmen/sockel: rahmen. \n \n das werk ist in der josef and anni albers foundation, connecticut/usa, unter der nummer jaaf 1969.1.42 registriert. \n \n provenienz: \n - sammlung jürgen wißmann (1969 direkt vom künstler) \n - galerie m, bochum \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (1976 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - städtische kunsthalle, düsseldorf 1970 \n - galerie gmurzynska, köln 1973 \n \n literatur: \n - josef albers, städtische kunsthalle, düsseldorf 1970, kat.-nr.93 \n - josef albers, galerie gmurzynska, köln 1973, kat.-nr.28 \n \n \n - eines der seltenen und sehr gesuchten größeren gemälde, die in vergleichbarar qualität nur selten auf dem deutschen auktionsmarkt zu finden sind \n \n - anordnung der farben erweckt sinnlichen eindruck von morgendlicher dämmerung zu sonnendurchfluteter helligkeit \n \n - romantisches stimmungsbild durch zarte, nuancierte farbigkeit \n \n \n \"interaction of color\" \n josef albers zählt zu den einflussreichsten künstlern des 20. jahrhunderts. durch seine bahnbrechende farbtheorie und seine lehre prägte er die entwicklung amerikanischer malerei maßgeblich. 1888 in bottrop geboren, malte albers 1913 sein erstes, von piet mondrian inspiriertes abstraktes gemälde. nach kunststudien in berlin, essen und münchen besuchte albers zunächst den grundlagenkurs für handwerkliches gestalten von johannes itten am weimarer bauhaus. der katholisch geprägte albers, der eine vorliebe für die symbolik des werkstoffs glas hatte, leitete später dort die werkstatt für glasmalerei und möbel. in seiner lehre, die kurse in zeichnen und schrift umfasste, ergeben sich formen und funktionen immer aus den eigenschaften von materialien und ihren möglichkeiten. 1930 war er stellvertreter von mies van der rohe als leiter des bauhauses. albers emigriert nach machtergreifung der nationalsozialisten und schließung des bauhauses 1933 mit seiner frau, der textilgestalterin anni albers, in die usa und unterrichtet am black mountain collage. dort führte er seinen legendären farbkurs ein, der 1963 in seiner epochalen schrift \"interaction of color\" mündete und auf der direkten beobachtung des farbverhaltens basierte. in einfachen übungen wurde jeweils ein aspekt der farbinteraktion isoliert, um das zusammenwirken eingehend zu beobachten. \n \n \n endlose variabilität von farben \n im gegensatz zu den bis dahin vorherrschenden wissenschaftlichen farbtheorien unterscheidet albers zwischen den physikalischen eigenschaften und der visuellen wahrnehmung von farbe. dieser umstand, dass objektives wissen und subjektive empfindung mitunter divergieren, macht, so albers in \"interaction of color\", \"farbe zum relativsten medium in der kunst.\" \n albers experimentelle methode \"zur untersuchung und vermittlung von farben\" schlägt sich insbesondere in seiner berühmten serie \"homage to the square\" nieder. die zahlreichen varianten der untersuchungsreihe veranschaulichen die essentielle veränderliche qualität von farben und ihren damit verbundenen täuschungscharakter. nach albers auffassung entfaltet sich die wirkung von farbe immer in unmittelbarer abhängigkeit von ihrer jeweiligen umgebung: in zusammenhang mit verschiedenen benachbarten farben entwickle eine farbe abweichende varianten ihres grundwerts. \n \n \n akribische untersuchung und romantisches stimmungsbild \n wie alle werke der bedeutenden reihe \"homage to the square\" besteht auch die vorliegende studie \"morning sight\" aus ineinander geschachtelten quadraten, die mit ungemischten farben in einer einzigen schicht auf den bildgrund aufgetragen wurden. die genaue vorgehensweise vermerkt albers auf der rückseite des bildträgers - \"all in one primary coat directly from the tube\". ebenso notiert er stets akribisch die bezeichnungen der verwendeten farben, um die vielfalt der wahrnehmungsmöglichkeiten eines spezifischen farbtons innerhalb der gesamten werkgruppe nachvollziehbar werden zu lassen. hier interagieren die farben \"ultramarine yellow\" des herstellers levebre, \"schweningen yellow\" von old holland mit dem tonwert von \"reilly´s grey ii g\", einem spezifischen farbton aus abgestuften grauwerten, die der illustrator frank j. reilly in den 1940er jahren entwickelt hatte. im kern der trias leuchtet das \"scheweninger gelb\", dessen name auf die flagge bezug nimmt, die an dem küstenort gefährliche bedingungen wie starke winde oder strömungen anzeigt, besonders intensiv. seine warme wirkung entfaltet sich von innen heraus: wie die sonne licht und wärme ausstrahlt, erreicht auch hier die intensität des mittleren quadrats die farbwerte des kühlen, milchig-weißen ultramaringelb und des weiter entfernten graus - und verwandelt sie. der farbakkord verweist auf die frühen stunden des erwachenden tages: wenn die fahle helligkeit der aufgehenden sonne den grauen schleier der verfliegenden nächtlichen dunkelheit durchdringt und sich langsam zum kraftvollen tageslicht steigert. mit seiner abstrahierten darstellung erkundet albers den wirkungsbereich der verwendeten farben, den er an sinnliche erfahrungswerte knüpft, um ein geradezu romantisches stimmungsbild voller licht und luft zu evozieren. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n josef albers deutschland bauhaus konkrete kunst nachkriegskunst unikate 1960er rahmen geometrische abstraktion gemälde öl farbe","en":"albers, josef \n 1888 bottrop - 1976 new haven/connecticut \n \n \n title: study for homage to the square \"morning sight\". \n \n date: 1969. \n \n technique: oil on masonite. \n \n measurement: 81 x 81cm. \n \n notation: monogrammed and dated lower right (engraved in the wet paint): a69. titled, signed and dated verso top right: study for homage to the square \"morning sight\" albers 1969. here additionally equipped with work details and dedication. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the work is registered with the josef and anni albers foundation, connecticut, usa, under the number jaaf 1969.1.42. \n \n provenance: \n - jürgen wißmann collection (1969, directly from the artist) \n - galerie m, bochum \n - private collection, north rhine-westphalia (1976, acquired from the previous owner) \n \n exhibitions: \n - städtische kunsthalle, düsseldorf 1970 \n - galerie gmurzynska, cologne 1973 \n \n literature: \n - josef albers, städtische kunsthalle, düsseldorf 1970, cat. no. 93 \n - josef albers, galerie gmurzynska, cologne 1973, cat. no. 28 \n \n \n - one of the rare and highly sought-after larger paintings, which are rarely found in comparable quality on the german auction market \n \n - the arrangement of colors evokes a sensual impression of morning twilight transitioning to sun-drenched brightness \n \n - romantic mood created by delicate, nuanced colors \n \u201cinteraction of color\u201d \n josef albers is one of the most influential artists of the 20th century. his groundbreaking color theory and teaching had a significant impact on the development of american painting. born in bottrop in 1888, albers painted his first abstract painting, inspired by piet mondrian, in 1913. after studying art in berlin, essen, and munich, albers first attended johannes itten's basic course in craft design at the bauhaus in weimar. albers, who was influenced by catholicism and had a preference for the symbolism of glass as a material, later headed the workshop for glass painting and furniture there. in his teaching, which included courses in drawing and writing, forms and functions always arose from the properties of materials and their possibilities. in 1930, he was mies van der rohe's deputy as director of the bauhaus. after the nazis seized power and closed the bauhaus in 1933, albers emigrated to the usa with his wife, textile designer anni albers, and taught at black mountain college. there he introduced his legendary color course, which culminated in his epoch-making book \u201cinteraction of color\u201d in 1963 and was based on direct observation of color behavior. in simple exercises, one aspect of color interaction was isolated in order to observe the interaction in detail. \n \n \n endless variability of colors \n in contrast to the scientific color theories that had prevailed until then, albers distinguished between the physical properties and visual perception of color. according to albers in \u201cinteraction of color, \u201d the fact that objective knowledge and subjective perception sometimes diverge makes \u201ccolor the most relative medium in art.\u201d \n albers' experimental method \u201cfor investigating and communicating colors\u201d is particularly evident in his famous series \u201chomage to the square.\u201d the numerous variations in the series illustrate the essential variable quality of colors and their associated deceptive nature. according to albers, the effect of color always unfolds in direct dependence on its respective environment: in connection with different neighboring colors, a color develops deviating variations of its basic value. \n \n \n meticulous investigation and romantic mood \n like all works in the important series \u201chomage to the square, \u201d the present study \u201cmorning sight\u201d consists of nested squares applied to the picture ground in a single layer of unmixed colors. albers notes the exact procedure on the back of the picture carrier - \u201call in one primary coat directly from the tube.\u201d he also meticulously notes the names of the colors used in order to make the variety of possible perceptions of a specific color tone within the entire group of works comprehensible. here, the colors \u201cultramarine yellow\u201d from the manufacturer levebre and \u201cschweningen yellow\u201d from old holland interact with the tone value of \u201creilly's grey ii g, \u201d a specific shade of graduated gray tones developed by illustrator frank j. reilly in the 1940s. at the core of the triad, \u201cscheweninger yellow, \u201d whose name refers to the flag that indicates dangerous conditions such as strong winds or currents in the coastal town, shines particularly intensely. its warm effect unfolds from within: just as the sun radiates light and warmth, here too the intensity of the middle square reaches the color values of the cool, milky-white ultramarine yellow and the more distant gray\u2014and transforms them. the color chord refers to the early hours of the awakening day: when the pale brightness of the rising sun penetrates the gray veil of the fading nighttime darkness and slowly intensifies into powerful daylight. with his abstract representation, albers explores the effect of the colors he uses, linking them to sensory experiences to evoke an almost romantic mood full of light and air. \n bettina haiss \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n josef albers germany bauhaus concrete art post-war art post war 1960s framed geometric abstraction painting oil colour"},"estimateMax":500000,"lotNumber":"30","title":{"de":"josef albers: study for homage to the square \"morning sight\"","en":"josef albers: study for homage to the square \"morning sight\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29312/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":240000,"soldPrice":460000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.712Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac300,000 - 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(www.gerhard-richter.com) \n \n provenienz: \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (hrsg.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern 2014, wvz.-nr. 148 \n \n \n - gerhard richter führt seit jahren die spitze des rankings im \"kunstkompass\" an \n \n - unikat, da jedes exemplar der auflage mit anderer farbigkeit \n \n - komplexe rhythmisierung der streifen verleiht dem werk eine flirrende dynamik \n \n \n struktur einer digital vorgegebenen farbigkeit \n die exemplare der edition \"strip\" werden 2011 als vielfarbige tintenstrahldrucke auf karton produziert. die abstrakte bildstruktur besteht flächenfüllend aus unterschiedlich schmalen, waagerecht angeordneten farbstreifen. die vielfalt der farbigen intervalle und die dadurch erzeugte komplexe rhythmisierung der streifen verleihen der bildfläche eine flirrende dynamik, die das auge zumindest in der nahsicht nicht zur ruhe kommen lässt. \n gerhard richter hat diese seriellen grafiken nicht komponiert, sie zeigen demnach keine koloristisch geplante ordnung, sondern die struktur einer digital vorgegebenen farbigkeit. er lässt dafür das motiv seines ölgemäldes \"abstraktes bild\" von 1990 am computer in 4096 nur 0,08 millimeter schmale, vertikale farbstreifen zerlegen. nach der auswahl eines einzelnen streifens wird dieser unzählige male horizontal gespiegelt, bis sich daraus ein geometrischer rapport von langen, waagerechten streifen ergibt. die nummer auf der rückseite jeder einzelnen druckgrafik gibt an, welches der jeweiligen gemäldesegmente vom künstler nach dem zufallsprinzip ausgewählt wurde. jedes exemplar der edition weist eine andere farbigkeit auf, da es auf einem anderen segment basiert und somit ein unikat ist. \n hubertus butin \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n gerhard richter deutschland abstraktion kapitalistischer realismus neuer realismus nachkriegskunst grafik 2010er künstlerrahmen (105 x 53cm). im rahmen beschrieben farbe druckgrafik pigmentdruck abstrakt","en":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n title: strip (3817). \n \n date: 2011. \n \n technique: digital carbon print on card. \n \n mounting: mounted on aluminium dibond under glass. \n \n depiction size: 32 x 91cm. \n \n notation: signed, dated and inscribed on the back of the frame. here additionally with edition label. \n \n publisher: joe hage, london (publisher). \n \n number: printer's proof 5/5. \n \n frame: artist's frame (105 x 53cm). not examined out of frame. \n \n this work is a printer's proof outside of the edition of 72 copies. \n \n a unique edition in which each copy has its own colour palette. \n it is based on a detail from the 1990 work 'abstraktes bild' ('abstract picture'), which has been divided into 4,096 segments. the number on the back of the edition label identifies the respective section. our work is one of five test prints, in this case section no. 3817. \n \n the work is listed under editionen (editions) on the artist's official website. (www.gerhard-richter.com) \n \n provenance: \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (ed.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern 2014, cat. rais. no. 148 \n \n \n - gerhard richter has topped the kunstkompass rankings for years \n \n - unique, as each copy in the edition has a different colour scheme \n \n - the complex rhythm of the stripes gives the work a shimmering dynamism \n structure of a digitally specified color scheme \n the copies of the \u201cstrip\u201d edition will be produced in 2011 as multicolored inkjet prints on cardboard. the abstract image structure consists of color stripes of varying widths arranged horizontally across the entire surface. the variety of colored intervals and the resulting complex rhythm of the stripes lend the image surface a shimmering dynamism that, at least when viewed up close, does not allow the eye to rest. \n gerhard richter did not compose these serial graphics; they therefore do not show a coloristically planned order, but rather the structure of a digitally specified color scheme. instead, he had the motif of his 1990 oil painting \u201cabstract picture\u201d broken down on the computer into 4096 vertical color stripes, each only 0.08 millimeters wide. after selecting a single stripe, it was mirrored horizontally countless times until a geometric pattern of long, horizontal stripes emerged. the number on the back of each individual print indicates which segment of the painting was randomly selected by the artist. each copy in the edition has a different color scheme, as it is based on a different segment and is therefore unique. \n hubertus butin \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n gerhard richter germany abstraction capitalistic realism new realism post-war art prints 2010s colour print carbon print abstract"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"31","title":{"de":"gerhard richter: strip (3817)","en":"gerhard richter: strip (3817)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29313/view","tags":["daFineart_PrintsandMultiples","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"soldPrice":50000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:00.516Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - \u20ac70,000","currency":"EUR","id":29313,"category":{"de":"Zeitgen. 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(www.gerhard-richter.com) \n \n provenienz: \n - sies + höke galerie, düsseldorf (aufkleber) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (hrsg.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern/köln 2013, wvz.-nr. 153, s. 325, abb. \n \n \n - maßstabsgetreue überführung der ikonischen vorlage \"vorhang iii (hell)\" von 1965 in eine edition \n \n - beeindruckendes format mit dreidimensionaler wirkung \n \n - das gemälde befindet sich in der sammlung der nationalgalerie der staatliche museen zu berlin \n \n \n ein autonomes, alleiniges sujet \n im jahr 2012 wendet sich gerhard richter in einer edition einem motiv zu, das er 1965 unter dem titel \"vorhang iii (hell)\" in öl gemalt hatte. der fast fünf jahrzehnte später entstandene tintenstrahldruck basiert zwar auf diesem gemälde, doch der künstler lässt die großformatige grafik hinter plexiglas aufziehen, sodass sie eine glänzende oberfläche erhält und sich somit deutlich von der malerei unterscheidet. das bild zeigt eine struktur aus vertikalen, alternierend hellen und dunklen streifen, welche die vorstellung des plastischen faltenwurfs eines vorhangs vermittelt. als optische täuschung zeigt der druck die denkbar einfachste illusionistische darstellung eines dreidimensionalen objekts auf einer zweidimensionalen fläche, wodurch eine greifbare körperlichkeit der stoffbahnen suggeriert wird. \n da die streifen die gesamte fläche einnehmen, entspricht der umriss des gegenständlichen motivs dem umriss des bildträgers, sodass beides zur deckung kommt und als eins erscheint, was die illusion noch verstärkt. in dieser augentäuschung wird der vorhang zum bild und das bild zum vorhang. das textil steht hier nicht mehr wie in altmeistergemälden der renaissance und des barock für das verhüllen und enthüllen, für das zeigen und verbergen, sondern es ist zum autonomen und alleinigen sujet geworden. \n hubertus butin \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n gerhard richter deutschland abstraktion kapitalistischer realismus neuer realismus nachkriegskunst grafik 2010er künstlerrahmen raum multiple inkjet-print farbe","en":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n title: vorhang. \n \n date: 2012. \n \n technique: inkjet-print behind acrylic glass. \n \n depiction size: 205 x 195cm. \n \n notation: numbered and signed verso: 1/25 richter. here additionally with edition label. \n \n publisher: verein der freunde der nationalgalerie e.v., berlin (publisher). \n \n number: 1/25. \n \n frame: artist's frame. \n \n the edition was based on the painting 'vorhang iii (hell)' (cat. rais. no. 56) from 1965. the work is listed under editionen (editions) on the artist's official website. (www.gerhard-richter.com) \n \n provenance: \n - sies + höke galerie, düsseldorf (label) \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (eds.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern/cologne 2013, cat. rais. no. 153, p. 325, ill. \n \n \n - true-to-scale transfer of the iconic 1965 painting 'vorhang iii (hell)' into an edition \n \n - impressive format with a three-dimensional effect \n \n - the painting is part of the collection of the national gallery of the berlin state museums \n \n an autonomous, singular subject in 2012, gerhard richter turned his attention to a motif he had painted in oil in 1965 under the title \u201ccurtain iii (light)\u201d. although the inkjet print, created almost five decades later, is based on this painting, the artist had the large-format graphic mounted behind plexiglas, giving it a glossy surface and thus clearly distinguishing it from the painting. the image shows a structure of vertical, alternating light and dark stripes, which conveys the idea of the plastic drape of a curtain. as an optical illusion, the print shows the simplest conceivable illusionistic representation of a three-dimensional object on a two-dimensional surface, suggesting a tangible physicality of the fabric. \n since the stripes cover the entire surface, the outline of the representational motif corresponds to the outline of the image carrier, so that both coincide and appear as one, which further enhances the illusion. in this optical illusion, the curtain becomes the image and the image becomes the curtain. here, the textile no longer stands for veiling and unveiling, for showing and hiding, as in the paintings of the old masters of the renaissance and baroque periods, but has become an autonomous and sole subject. \n hubertus butin \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n gerhard richter germany abstraction capitalistic realism new realism post-war art prints 2010s artist's frame space multiple inkjet-print colour"},"estimateMax":100000,"lotNumber":"32","title":{"de":"gerhard richter: vorhang","en":"gerhard richter: vorhang"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29314/view","tags":["daFineart_PrintsandMultiples","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":56000,"soldPrice":65000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:00.559Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac70,000 - \u20ac100,000","currency":"EUR","id":29314,"category":{"de":"Post War Grafik","en":"Post War Prints"},"estimateMin":70000},{"startPrice":64000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/004/004.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/005/005.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/006/006.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/007/007.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/008/008.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/009/009.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/010/010.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/011/011.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/012/012.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/013/013.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/014/014.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/015/015.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/016/016.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/017/017.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29315/018/018.jpg"],"soldDate":"2025-12-03","available":false,"description":{"de":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n titel: farbfelder. 6 anordnungen von 1260 farben. \n \n untertitel: vollständiges mappenwerk von sechs druckgrafiken. \n \n datierung: 1974. \n \n technik: jeweils: offset auf weißem karton. \n \n darstellungsmaß: 62,5 x 77,5cm. \n \n blattmaß: 64,5 x 79cm. \n \n bezeichnung: jeweils bezeichnet, nummeriert, signiert und datiert. \n \n herausgeber: galerie heiner friedrich, münchen (hrsg.). \n \n exemplar: 21/32. \n \n rahmen: jeweils rahmen. im rahmen beschrieben. \n \n das mappenwerk ist auf der offiziellen internetseite des künstlers unter den editionen gelistet. (www.gerhard-richter.com) \n \n provenienz: \n - villa grisebach, 268. auktion, 2.12.2016, lot 845 (aufkleber) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (hrsg.): gerhard richter - editions \n 1965-2013, ostfildern/köln 2013, wvz.-nr. 51, s. 215, abb. \n \n \n - eine der bedeutendsten editionen gerhard richters \n \n - serielle anordnung durch zufallsprinzip sorgt für ruhe und unruhe in der betrachtung \n \n - komplette mappen werden selten auf dem auktionsmarkt angeboten \n \n \n der zufall als bildkonstituierendes prinzip \n die 1974 produzierte mappe \"farbfelder. 6 anordnungen von 1260 farben\" ist eine der bedeutendsten editionen gerhard richters. die sechs offsetdrucke enthalten als motiv jeweils 1260 farben in form von kleinen, horizontal und vertikal angeordneten rechtecken, wobei jedes blatt eine andere verteilung der farbtöne zeigt. der künstler hat bei der festlegung der farben keinerlei subjektivität zugelassen, sondern vielmehr den zufall als bildkonstituierendes prinzip eingesetzt. denn die farbzusammensetzungen wurden ausgelost, indem er für jedes kästchen drei papierzettel mit den ziffern eins bis neun aus einem topf zog. die auf diese weise generierten zahlen geben die verschiedenen anteile der drei primärfarben an; zum beispiel bedeutet 482 beim drucken das mischungsverhältnis vier teile blau, acht teile rot und zwei teile gelb. das auslosen als zufallsgenerator verhindert zwangsläufig eine ordnung nach den abstufungen eines farbspektrums oder nach intendierten kompositorischen kontrasten. stattdessen weist die farbgebung ein bewusst organisiertes chaos im sinne eines zustands höchster unordnung auf. \n \n \n ordnung und unordnung \n neben dem zufall ist das prinzip des seriellen als wiederholung des gleichen die zweite grundlegende kategorie, welche die \"farbfelder\" charakterisiert. die blätter weisen eine strenge bildorganisation auf, der ein serielles und symmetrisches ordnungsprinzip zugrunde liegt: die rechtwinklige anordnung der farbkästchen mit weißen zwischenräumen bildet eine gleichmäßige rasterstruktur. dabei stehen alle bildnerischen elemente in einem egalitären verhältnis zueinander, denn sie sind prinzipiell nicht nur gleichförmig, sondern auch völlig gleichwertig. während die rechtecke durch das raster also ein höchstmaß an ordnung zeigen, vermittelt sich die verteilung der farben als ein höchstmaß an unordnung. richters grafikmappe ist somit geradezu ein musterbeispiel für eine hierarchielose sprache der kunst. \n hubertus butin \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n gerhard richter deutschland abstraktion kapitalistischer realismus neuer realismus nachkriegskunst druckgrafik 1970er jeweils rahmen. im rahmen beschrieben farbe druckgrafik offset geometrische abstraktion","en":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n title: farbfelder. 6 anordnungen von 1260 farben. \n \n subtitle: complete collection of six prints. \n \n date: 1974. \n \n technique: each: offset on white card. \n \n depiction size: 62.5 x 77.5cm. \n \n sheet size: 64.5 x 79cm. \n \n notation: each inscribed, numbered, signed and dated. \n \n publisher: galerie heiner friedrich, munich (publisher). \n \n number: 21/32. \n \n frame: each framed. not examined out of the frame. \n \n the work is listed under editionen (editions) on the artist's official website. (www.gerhard-richter.com) \n \n provenance: \n - villa grisebach, 268th auction, 2nd december 2016, lot 845 (label) \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (eds.): gerhard richter - editions \n 1965-2013, ostfildern/cologne 2013, cat. rais. no. 51, p. 215, ill. \n \n \n - one of gerhard richter's most significant editions \n \n - random serial arrangement creates calm and unrest in the viewer \n \n - complete portfolios are rarely offered on the auction market \n \n chance as a principle of image composition the portfolio \u201ccolor fields. 6 arrangements of 1260 colors, \u201d produced in 1974, is one of gerhard richter's most important editions. the six offset prints each contain 1260 colors in the form of small rectangles arranged horizontally and vertically, with each sheet showing a different distribution of colors. the artist did not allow any subjectivity in determining the colors, but rather used chance as a principle for constructing the image. the color compositions were determined by drawing three pieces of paper with the numbers one to nine from a pot for each box. the numbers generated in this way indicate the different proportions of the three primary colors; for example, 482 means a mixing ratio of four parts blue, eight parts red, and two parts yellow when printing. drawing lots as a random generator inevitably prevents any order according to the gradations of a color spectrum or intended compositional contrasts. instead, the color scheme exhibits a deliberately organized chaos in the sense of a state of utmost disorder. \n \n \n order and disorder in addition to chance, the principle of seriality as a repetition of the same is the second fundamental category that characterizes the \u201ccolor fields.\u201d the sheets exhibit a strict image organization based on a serial and symmetrical principle of order: the rectangular arrangement of the color boxes with white spaces between them forms a uniform grid structure. all pictorial elements are in an egalitarian relationship to one another, as they are not only uniform in principle, but also completely equal. while the rectangles thus display a maximum of order through the grid, the distribution of colors conveys a maximum of disorder. richter's portfolio of prints is thus a prime example of a non-hierarchical language of art. \n hubertus butin \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n gerhard richter germany abstraction capitalistic realism new realism post-war art silkscreen each framed. not examined out of the frame colour print offset geometric abstraction"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"33","title":{"de":"gerhard richter: farbfelder. 6 anordnungen von 1260 farben","en":"gerhard richter: farbfelder. 6 anordnungen von 1260 farben"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29315/view","tags":["daFineart_PrintsandMultiples","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"soldPrice":90000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:00.561Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - \u20ac120,000","currency":"EUR","id":29315,"category":{"de":"Post War Serigrafien / Offsets","en":"Post War Silkscreen"},"estimateMin":80000},{"startPrice":96000,"sold":false,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29316/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29316/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29316/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29316/004/004.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29316/005/005.jpg"],"available":false,"description":{"de":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n titel: mustangs. \n \n datierung: 2005. \n \n technik: farbfotografie zwischen stark spiegelndem glas und alu-dibond. \n \n darstellungsmaß: 88 x 150cm. \n \n bezeichnung: signiert und nummeriert. \n \n herausgeber: joseph heni g.f. london (hrsg.). \n \n exemplar: 10/48. \n \n rahmen: originalverpackung. \n \n die arbeit ist auf der offiziellen internetseite des künstlers unter den editionen gelistet. (www.gerhard-richter.com) \n \n provenienz: \n - galerie sies + höke, düsseldorf (aufkleber auf transportkiste) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (hrsg.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern 2014, wvz.-nr. 131 \n \n \n - maßstabsgetreu nach dem gemälde \"mustang-staffel\" aus dem jahr 1964 \n \n - aus der berühmten werkgruppe der fotomalerei \n \n - rückführung von fotomalerei auf fotografie zeichnet richters künstlerische vielseitigkeit aus \n \n \n erinnerung und reflexion \n die edition \"mustangs\" entsteht 2005 nach dem ölgemälde \"mustang-staffel\" von 1964. aus welcher zeitschrift oder zeitung die fotografische vorlage stammt, ist nicht bekannt. doch der weiße streifen am unteren rand des bildes verweist deutlich auf den medialen kontext, aus dem gerhard richter das motiv für seine fotomalerei entnommen hat. \n die auflagenarbeit, die als farbfotografie auf laserchrome-papier produziert wurde, lässt der künstler hinter antelio-glas aufziehen. dieses beschichtete material weist einen sehr starken spiegeleffekt auf, sodass die betrachter und betrachterinnen im bild reflektiert und teil des motivs werden. \n die edition zeigt acht p-51 mustangs, amerikanische jagdflugzeuge der united states army air forces aus dem zweiten weltkrieg. wie aufgrund der hoheitszeichen auf den militärmaschinen zu erkennen ist, wurden diese flugzeuge auch von der britischen royal air force eingesetzt. der kunsthistoriker uwe m. schneede erläutert, ein solches von richter verwendetes motiv sei \"noch längst kein zeitkritisches bild, wohl aber eines, das subjektiv festhält, was die zeit bewegte\". denn in der ersten hälfte der 1960er-jahre beginnen sowohl die selbstkritische deutsche auseinandersetzung mit der geschichte des nationalsozialismus als auch die schweren luftangriffe auf vietnam, die krieg zum gegenstand des erinnerns und der reflexion werden lassen. \n hubertus butin \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n gerhard richter deutschland abstraktion kapitalistischer realismus neuer realismus nachkriegskunst fotografie 2000er originalverpackung flugzeug fotografie","en":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n title: mustangs. \n \n date: 2005. \n \n technique: colour photography between mirrored glass and aluminium dibond. \n \n depiction size: 88 x 150cm. \n \n notation: signed and numbered. \n \n publisher: joseph heni g.f. london (pulisher). \n \n number: 10/48. \n \n frame: original. \n \n the work is listed on the official internet site of the artist under editionen (editions). (www.gerhard-richter.com) \n \n provenance: \n - galerie sies + höke, düsseldorf (label on transport box) \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (ed.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern 2014, cat. rais. no. 131 \n \n \n - true to scale based on the painting 'mustang squadron' from 1964 \n \n - from the famous series of photo paintings \n \n - the return from photo painting to photography highlights richter's artistic versatility \n \n memory and reflection the \u201cmustangs\u201d edition was created in 2005 based on the 1964 oil painting \u201cmustang squadron.\u201d it is not known which magazine or newspaper the photographic template came from. however, the white strip at the bottom of the image clearly refers to the media context from which gerhard richter took the motif for his photo painting. \n the artist had the edition, which was produced as a color photograph on laserchrome paper, mounted behind antelio glass. this coated material has a very strong mirror effect, so that viewers are reflected in the image and become part of the motif. \n the edition shows eight p-51 mustangs, american fighter planes of the united states army air forces from world war ii. as can be seen from the insignia on the military aircraft, these planes were also used by the british royal air force. art historian uwe m. schneede explains that a motif such as the one used by richter is \u201cby no means a time-critical image, but rather one that subjectively captures what moved the times.\u201d this is because the first half of the 1960s saw the beginning of both germany's self-critical examination of its nazi history and the heavy air raids on vietnam, which made war a subject of remembrance and reflection. \n hubertus butin \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n gerhard richter germany abstraction capitalistic realism new realism post-war art photographs 2000s plane photography"},"estimateMax":180000,"lotNumber":"34","title":{"de":"gerhard richter: mustangs","en":"gerhard richter: mustangs"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29316/view","tags":["daFineart_Photography","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":96000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:00.570Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac120,000 - \u20ac180,000","currency":"EUR","id":29316,"category":{"de":"Fotografie","en":"Photographs"},"estimateMin":120000},{"startPrice":48000,"sold":false,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29317/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29317/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29317/003/003.jpg"],"available":false,"description":{"de":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n titel: september. \n \n datierung: 2009. \n \n technik: inkjet-print auf vinyl. \n \n montierung: zwischen zwei glasscheiben. \n \n darstellungsmaß: 52 x 71,5cm. \n \n blattmaß: 66 x 90cm. \n \n bezeichnung: signiert und nummeriert auf etikett verso. \n \n herausgeber: joe hage, london (hrsg.). \n \n exemplar: 38/40. \n \n rahmen: künstlerrahmen. im rahmen beschrieben. \n \n die arbeit ist auf der offiziellen internetseite des künstlers unter den editionen gelistet. (www.gerhard-richter.com) \n \n provenienz: \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (hrsg.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern 2014, wvz-nr. 139 \n \n \n - das gemälde befindet sich im new yorker museum of modern art \n \n - vorlage für das motiv war ein foto des anschlags auf das world trade center am 11. sept. 2001 \n \n - ästhetische inszenierung des motivs durch besondere rahmung \n \n \n ambivalenz von realismus und abstraktion \n das motiv der 2009 entstandenen druckgrafik \"september\" basiert auf einer fotografie von gerhard richters gleichnamigen ölgemälde aus dem jahr 2005, das sich im new yorker museum of modern art befindet. diese malerei geht wiederum auf eine fotografische abbildung zurück, die der künstler in der zeitschrift \"der spiegel\" gefunden hat und die den terroranschlag auf das world trade center in new york am 11. september 2001 zeigt. richter hat im malprozess teile der noch feuchten ölfarbe mit einem langen messer seitlich von der fläche abgeschabt, bis stellenweise die weiße grundierung durchkam. so entstand ein bild mit einer starken ambivalenz von realismus und abstraktion. \n der digitale tintenstrahldruck auf vinylfolie, der dieses motiv wiedergibt, unterscheidet sich deutlich von dem ölgemälde, da er eine andere farbigkeit aufweist. außerdem erhält die druckgrafik durch die präsentation zwischen zwei glasscheiben, ohne rahmen und mit abstandshalterung an der wand die anmutung von etwas schwebendem. bei der edition handelt es sich demnach nicht um eine bloße druckgrafische reproduktion des gemäldes, sondern um eine eigenständige auflagenarbeit mit eigenem charakter. \n hubertus butin \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n gerhard richter deutschland abstraktion kapitalistischer realismus neuer realismus nachkriegskunst grafik 2000er künstlerrahmen. im rahmen beschrieben abstrakt druckgrafik inkjet-print","en":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n title: september. \n \n date: 2009. \n \n technique: inkjet-print on vinyl. \n \n mounting: between two panes of glass. \n \n depiction size: 52 x 71,5cm. \n \n sheet size: 66 x 90cm. \n \n notation: signed and numbered on the label verso. \n \n publisher: joe hage, london (publisher). \n \n number: 38/40. \n \n frame: artist's frame. not examined out of the frame. \n \n the work is listed on the official internet site of the artist under editionen (editions). (www.gerhard-richter.com) \n \n provenance: \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (eds.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern 2014, cat. rais. no. 139 \n \n \n - the painting is located in the museum of modern art in new york \n \n - the motif was based on a photograph of the attack on the world trade centre on 11 september 2001 \n \n - aesthetic presentation of the motif through special framing \n \n ambivalence of realism and abstraction the motif of the 2009 print \u201cseptember\u201d is based on a photograph of gerhard richter's oil painting of the same name from 2005, which is housed in the museum of modern art in new york. this painting, in turn, is based on a photograph that the artist found in the magazine \u201cder spiegel\u201d showing the terrorist attack on the world trade center in new york on september 11, 2001. during the painting process, richter scraped parts of the still-wet oil paint off the surface with a long knife until the white primer showed through in places. the result is an image with a strong ambivalence between realism and abstraction. \n the digital inkjet print on vinyl foil that reproduces this motif differs significantly from the oil painting in that it has a different color scheme. in addition, the print graphic is presented between two glass panes, without a frame and with spacers on the wall, giving it the appearance of something floating. the edition is therefore not merely a print graphic reproduction of the painting, but an independent limited edition work with its own character. \n hubertus butin \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n gerhard richter germany abstraction capitalistic realism new realism post-war art prints 2000s artist's frame. not examined out of the frame abstract print inkjet-print"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"35","title":{"de":"gerhard richter: september","en":"gerhard richter: september"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29317/view","tags":["daFineart_PrintsandMultiples","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:00.580Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":29317,"category":{"de":"Post War Grafik","en":"Post War Prints"},"estimateMin":60000},{"startPrice":24000,"sold":false,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29318/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29318/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29318/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29318/004/004.jpg"],"available":false,"description":{"de":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n titel: vermalung (grau). \n \n datierung: 1971. \n \n technik: öl auf kunststoffpapier. \n \n maße: 39,5 x 40cm. \n \n bezeichnung: signiert, datiert und nummeriert verso mittig: richter, 8.9.71 i/x. ex. i/x. . \n \n die arbeit erschien in einer gesamtauflage von 160 exemplaren, wovon 10 exemplare römisch nummeriert und 150 exemplare arabisch nummeriert sind. laut werkverzeichnis sind 20 der 150 exemplare zerstört. \n \n aufgrund der auftragsweise der farbe mit dem finger unterscheiden sich alle blätter voneinander, sodass jedes exemplar einen unikatcharakter hat. \n \n das werk ist auf der offiziellen internetseite unter den editionen gelistet. (www.gerhard-richter.com) \n \n provenienz: \n - privatsammlung süddeutschland \n \n literatur: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (hrsg.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern 2014, wvz.-nr. 45, abb. \n \n \n - jedes werk der gemäldeedition ist ein unikat \n \n - charakteristisches, frühes beispiel für richters intensive beschäftigung mit der farbe grau, die ihn zur abstraktion führte \n \n \n die erste gemäldeedition \n mit der \"vermalung (grau)\" entstand 1971 gerhard richters erste gemäldeedition. bei allen exemplaren der auflage hat der künstler die flüssige, monochrom graue ölfarbe auf kunststoffpapier mit dem finger verteilt, dessen bewegungen keinen anfang und kein ende zu haben scheinen. dadurch entstand eine gleichmäßige und hierarchielose all-over-struktur, bei der sich die spuren der farbmaterie durchdringen und überlagern. solche vermalungen sind, wie richter 1973 formuliert, \"bilder, die aus dem prozess entstehen\" (zitat) und die diesen prozess auch sichtbar machen. \n die gestischen spuren sind dabei nicht als persönlicher ausdruck zu lesen. es sind keine expressiven, sondern vielmehr emotionslose, selbstvergessene gesten, die richter aufs papier setzt. das unbunte, indifferente und somit neutrale grau unterstützt diesen eindruck, da es keine gefühle auslöst und nichts veranschaulicht. der künstler reflektiert hier auf eine äußerst zurückhaltende weise die mittel seiner malerei und schafft doch eine komplexe bildstruktur, die sich bei jedem exemplar anders zeigt und die edition zu einer serie von unikaten macht. \n hubertus butin \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n deutschland: 28,00 euro inkl. 4,47 euro mwst \n eu: 40,00 euro inkl. 6,39 euro mwst \n weltweit: 70,00 euro inkl. 11,18 euro mwst \n zzgl. versandversicherung \n bis rechnungsgesamtbetrag 25.000 euro: max. 41,65 euro \n über rechnungsgesamtbetrag 25.000 euro: 1,8 o/oo \n \n usa individuell nach absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n gerhard richter deutschland abstraktion kapitalistischer realismus neuer realismus nachkriegskunst unikate 1970er abstrakt papierarbeit öl farbe","en":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n title: vermalung (grau). \n \n date: 1971. \n \n technique: oil on plastic paper. \n \n measurement: 39,5 x 40cm. \n \n notation: signed, dated and numbered verso centre: richter, 8.9.71 i/x. ex. i/x. . \n \n the work appears in a total edition of 160 copies, of which 10 copies are numbered with roman numerals and 150 with arabic numerals. according to the catalogue raisonné, 20 of the 150 copies were destroyed. \n \n due to the way the paint is applied with the finger, all sheets differ from each other, giving each copy a unique character. \n \n the work is listed on the official website under editionen (editions). \n (www.gerhard-richter.com) \n \n provenance: \n - private collection south germany \n \n literature: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (eds.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern 2014, cat. rais. no. 45, ill. \n \n \n - each work in the painting edition is unique \n \n - characteristic early example of richter's intense preoccupation with the colour grey, which led him to abstraction \n \n the first painting edition gerhard richter's first painting edition, \u201cvermalung (grau)\u201d (painting (gray)), was created in 1971. in all copies of the edition, the artist spread liquid, monochrome gray oil paint on plastic paper with his finger, whose movements seem to have no beginning and no end. this created a uniform and non-hierarchical all-over structure in which the traces of the paint interpenetrate and overlap. such paintings are, as richter put it in 1973, \u201cpictures that arise from the process\u201d (quote) and which also make this process visible. \n the gestural traces are not to be read as personal expression. richter puts not expressive, but rather emotionless, self-forgetful gestures on paper. the achromatic, indifferent, and thus neutral gray supports this impression, as it triggers no feelings and illustrates nothing. here, the artist reflects on the means of his painting in an extremely restrained manner, yet creates a complex pictorial structure that appears differently in each copy, making the edition a series of unique pieces. \n hubertus butin \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n germany: 23,53 euro plus 4,47 euro vat \n eu: 33,61 euro plus 6,39 euro vat \n worldwide: 58,82 euro plus 11,18 euro vat \n additional shipping insurance \n up to total invoice amount of 25,000 euros: max. 41.65 euro \n over a total invoice amount of 25,000 euros: 1.8 o/oo \n \n usa by individual arrangement after the auction. \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n gerhard richter germany abstraction capitalistic realism new realism post-war art post war 1970s abstract works on paper oil colour"},"estimateMax":50000,"lotNumber":"36","title":{"de":"gerhard richter: vermalung (grau)","en":"gerhard richter: vermalung (grau)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29318/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":24000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:00.582Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac30,000 - \u20ac50,000","currency":"EUR","id":29318,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post War"},"estimateMin":30000},{"startPrice":32000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29319/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29319/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29319/003/003.jpg"],"soldDate":"2025-12-03","available":false,"description":{"de":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n titel: goldberg-variationen. \n \n datierung: 1984. \n \n technik: mit ölfarbe einseitig übermalte schallplatte zu bachs goldberg variationen (eingespielt von glenn gould 1982). \n durchmesser 30,1cm. \n \n bezeichnung: nummeriert, signiert und datiert auf dem label verso: 1/100 richter 84. \n \n exemplar: 1/100. \n \n sockel/rahmen: rahmen. \n \n der arbeit beiligend ist die originale schallplattenhülle. die bemalte schallplatte ist richters beitrag zu der vom museumsverein mönchengladbach herausgegebenen mappe \"hommage à cladders\", die editionen von 18 künstlern enthält. 50 exemplare der auflage wurden im mappenwerk herausgegeben, weitere 50 exemplare wurden einzeln verkauft. \n \n das werk ist auf der offiziellen internetseite des künstlers unter den editionen gelistet. (www.gerhard-richter.com) \n \n literatur: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (hrsg.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern/köln 2013, wvz.-nr. 60 \n \n \n - schöne rakelarbeit auf ungewöhnlichem bildträger \n \n - nummer 1 der auflage und seit jeher in privatbesitz \n \n - jedes werk der serie ist ein unikat \n \n - hommage an bach und der interpretation von glenn gould \n \n \n homage und destruktion \n 1984 verwendet gerhard richter die legendäre langspielplatte, die der kanadische pianist glenn gould 1982 mit johann sebastian bachs \"goldberg-variationen\" eingespielt hatte, für seine gleichnamige edition als bildträger bzw. malgrund. die auflage besteht aus einhundert varianten, die sich als unikate in serie bezeichnen lassen, da jedes exemplar leicht unterschiedlich ist. \n der künstler trägt zuerst mit einer rakel gelbe und dann mit einem pinsel blaue, weiße und rote ölfarbe auf. da sich die bemalte seite der platte nicht mehr abspielen lässt, deutet dies durchaus auf eine ambivalenz in der künstlerischen intention, zumal richter, als er die edition fertigt, ein zwiespältiges verhältnis zu der musik hat. bachs berühmte komposition hat er außerordentlich bewundert und geschätzt, und er hört sie häufig bei seiner arbeit im atelier. doch 1984 schlägt die bewunderung in ablehnung um. am 19. oktober des jahres notiert richter folgenden gedanken: \"glenn gould, goldbergvariationen. seit einem, zwei jahren höre ich fast nichts anderes. was mich zu ärgern anfängt, ist die vollkommenheit. diese völlig absurde, langweilige, bösartige vollkommenheit.\" daher kann die malerische bearbeitung der schallplatte sowohl als eine homage an bach wie auch als eine destruktion von goulds einspielung verstanden werden. bewunderung und ablehnung, wertschätzung und negation gehen hier hand in hand, ohne sich gegenseitig aufzuheben. \n hubertus butin \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n gerhard richter deutschland abstraktion kapitalistischer realismus neuer realismus nachkriegskunst objekte 1980er abstrakt objekt öl","en":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n title: goldberg-variationen. \n \n date: 1984. \n \n technique: record painted over on one side with oil paint, featuring bach's goldberg variations (recorded by glenn gould 1982). \n diameter 30.1cm. \n \n notation: numbered, signed and dated on the label verso: 1/100 richter 84. \n \n number: 1/100. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the original record sleeve is included with the work. the painted record is richter's contribution to the portfolio 'hommage à cladders' published by the museumsverein mönchengladbach, which contains editions by 18 artists. fifty copies of the edition were published in the portfolio, and another 50 copies were sold individually. \n \n the work is listed on the official internet site of the artist under editionen (editions). (www.gerhard-richter.com) \n \n literature: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (eds.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern/cologne 2013, cat. rais. no. 60 \n \n \n - beautiful squeegee work on an unusual image carrier \n \n - number 1 in the edition and always privately owned \n \n - each work in the series is unique \n \n - homage to bach and glenn gould's interpretation \n \n homage and destruction in 1984, gerhard richter used the legendary lp that canadian pianist glenn gould had recorded in 1982 with johann sebastian bach's \u201cgoldberg variations\u201d as the image carrier or painting surface for his edition of the same name. the edition consists of one hundred variants, which can be described as unique pieces in a series, as each copy is slightly different. \n the artist first applied yellow oil paint with a squeegee and then blue, white, and red oil paint with a brush. since the painted side of the record can no longer be played, this suggests an ambivalence in the artistic intention, especially since richter had an ambivalent relationship with the music when he created the edition. he greatly admired and appreciated bach's famous composition and often listened to it while working in his studio. but in 1984, his admiration turned to rejection. on october 19 of that year, richter noted the following thought: \"glenn gould, goldberg variations. for a year or two, i've listened to almost nothing else. what is beginning to annoy me is the perfection. this completely absurd, boring, malicious perfection.\" therefore, the painterly treatment of the record can be understood both as an homage to bach and as a destruction of gould's recording. admiration and rejection, appreciation and negation go hand in hand here without canceling each other out. \n hubertus butin \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n gerhard richter germany abstraction capitalistic realism new realism post-war art sculptures 1980s abstract object oil"},"estimateMax":60000,"lotNumber":"37","title":{"de":"gerhard richter: goldberg-variationen","en":"gerhard richter: goldberg-variationen"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29319/view","tags":["daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":32000,"soldPrice":50000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:00.585Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac40,000 - \u20ac60,000","currency":"EUR","id":29319,"category":{"de":"Post War Objekte","en":"Post War Sculptures"},"estimateMin":40000},{"startPrice":24000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29320/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29320/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29320/003/003.jpg"],"soldDate":"2025-12-03","available":false,"description":{"de":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n titel: sieben zwei vier. \n \n datierung: 2008. \n \n technik: c-print zwischen plexiglas und aludibond. \n \n darstellungsmaß: 73 x 100cm. \n \n bezeichnung: signiert und bezeichnet verso. hier zudem mit editionsetikett. \n \n herausgeber: gerhard richter archiv, dresden (hrsg.). \n \n exemplar: 7/8 a.p. \n \n rahmen: künstlerrahmen. im rahmen beschrieben. \n \n bei diesem werk handelt es sich um einen von 8 künstlerabzügen außerhalb der auflage von 32 exemplaren. \n \n die arbeit ist auf der offiziellen internetseite des künstlers unter den editionen gelistet. (www.gerhard-richter.com) \n \n provenienz: \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (hrsg.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern 2014, wvz-nr. 133a \n \n \n - basierend auf dem gemälde \"abstraktes bild\" von 1990 \n \n - durch die starke unschärfe grenzt richter die edition bewusst von der malerei und dringt noch weiter in die abstraktion vor \n \n - das prinzip der unschärfe zieht sich wie in roter faden durch richters oeuvre \n \n \n das prinzip der unschärfe \n die 2008 produzierte fotoedition \"sieben zwei vier\" basiert auf dem ölgemälde \"abstraktes bild\" von 1990 mit der werkverzeichnisnummer 724-4, von der sich der titel der auflage ableitet. gerhard richter nimmt das gemälde mit stark unscharf eingestelltem kameraobjektiv auf, wodurch sich die fotoarbeit demonstrativ von der malerei unterscheidet. die unschärfe legt sich wie ein schleier über das motiv und entzieht es somit unserem optischen und erkenntnismäßigen zugriff. da die fotografie zwischen einer plexiglas- und einer aluminiumplatte aufgezogen wurde und keine zusätzliche rahmung besitzt, weist die arbeit einen betont objekthaften charakter auf. \n das prinzip der unschärfe als spezifischer darstellungsmodus zieht sich wie ein roter faden durch gerhard richters oeuvre. normalerweise begegnet uns die zarte auflösung der konturen in seinen gegenständlichen oder figurativen bildern. bei der edition \"sieben zwei vier\" ist es hingegen ein abstraktes, ungegenständliches motiv, bei dem die autonome farbe verschwommen erscheint und somit selbst abstrahiert wird. \n hubertus butin \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n gerhard richter deutschland abstraktion kapitalistischer realismus neuer realismus nachkriegskunst fotografie 2000er künstlerrahmen. im rahmen beschrieben abstrakt fotografie c-print","en":"richter, gerhard \n 1932 dresden \n \n \n title: sieben zwei vier. \n \n date: 2008. \n \n technique: c-print between plexiglass and aluminium dibond. \n \n depiction size: 73 x 100cm. \n \n notation: signed and inscribed verso. here additionally with edition label. \n \n publisher: gerhard richter archiv, dresden (publisher). \n \n number: 7/8 a.p. \n \n frame: artist's frame. not examined out of the frame. \n \n this work is one of eight artist's proofs outside the edition of 32 copies. \n \n the work is listed on the official internet site of the artist under editionen (editions). (www.gerhard-richter.com) \n \n provenance: \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - butin, hubertus/gronert, stefan/olbricht, thomas (eds.): gerhard richter - editions 1965-2013, ostfildern 2014, cat. rais. no. 133a \n \n \n - based on the painting 'abstract picture' from 1990 \n \n - through the strong blurring, richter deliberately distinguishes the edition from painting and advances even further into abstraction \n \n - the principle of blurring runs like a thread through richter's oeuvre \n \n the principle of uncertainty the photo edition \u201cseven two four, \u201d produced in 2008, is based on the oil painting \u201cabstract painting\u201d from 1990, catalog number 724-4, from which the title of the edition is derived. gerhard richter photographs the painting with a strongly defocused camera lens, which demonstratively distinguishes the photographic work from the painting. the blurring covers the motif like a veil, thus removing it from our visual and cognitive grasp. since the photograph was mounted between a plexiglas and an aluminum plate and has no additional frame, the work has a distinctly object-like character. \n the principle of blurring as a specific mode of representation runs like a thread through gerhard richter's oeuvre. normally, we encounter the delicate dissolution of contours in his representational or figurative paintings. in the edition \u201csieben zwei vier, \u201d however, it is an abstract, non-representational motif in which the autonomous color appears blurred and is thus itself abstracted. \n hubertus butin \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n gerhard richter germany abstraction capitalistic realism new realism post-war art photographs 2000s artist's frame. not examined out of the frame abstract photography c-print"},"estimateMax":50000,"lotNumber":"38","title":{"de":"gerhard richter: sieben zwei vier","en":"gerhard richter: sieben zwei vier"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29320/view","tags":["daFineart_Photography","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":24000,"soldPrice":30000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:00.587Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac30,000 - 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privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n ausstellungen: \n - galerie nächst st. stephan, wien 2009 (aufkleber) \n \n literatur: \n - ausst.-kat. mit werkliste: katharina grosse, museum frieder burda, baden-baden 2016, s.114 \n \n \n - interessante mehrdimensionalität durch die verwendung von sand \n \n - grosses innovativer umgang mit farbe und techniken hat die malerei wegweisend verändert \n \n - grosse zählt derzeit zu den international gefragtesten zeitgenössischen künstlerinnen \n \n - die künstlerin hatte jüngst große einzelausstellungen in renommierten museen, u.a. deichtorhallen, hamburg, kunstmuseum bonn und hamburger bahnhof, berlin \n \n \n klare linien und dynamische farbfelder \n katharina grosse zählt zu den gefragtesten künstlerinnen des globalen auktionsmarktes und wurde bereits von renommierten institutionen wie dem centre pompidou, der fondation louis vuitton in paris sowie dem moma in new york gezeigt. internationale aufmerksamkeit erhielt sie insbesondere durch ihre raumübergreifenden in-situ-arbeiten und ihren exzeptionellen umgang mit farbe. \n katharina grosse versteht grenzen als dynamische zonen der überschneidung und transformation. ihre arbeiten sind darauf ausgerichtet, bestehende räumliche und konzeptuelle begrenzungen zu überwinden und dadurch den wahrnehmungsraum zu erweitern. grenzbereiche erscheinen ihr als orte erhöhter intensität, an denen heterogene interessen, formen und bedeutungen aufeinandertreffen und in simultaner koexistenz erfahrbar werden. in dieser gleichzeitigkeit des widersprüchlichen erkennt grosse ein produktives paradox, das die ambivalenz und vielschichtigkeit von raum und wahrnehmung sichtbar macht. \n so auch in der unbetitelten arbeit aus dem jahr 2009, in der sie die rezeption von farbe als medium hinterfragt. mithilfe klarer, kraftvoller farb- und formkontraste wird farbe selbst zum raumbeschreibenden und abbildenden element. der hintergrund der komposition wird von einem dynamischen rautenmuster geprägt, das sich in vielschichtigen nuancen zwischen beige und magenta horizontal über die bildfläche legt. diese feste struktur tritt in ein spannungsvolles verhältnis zur darübergelegten, organisch verlaufenden farbfläche, die sich beinahe patinahaft über das geometrische muster legt - nicht als glatte übermalung, sondern in einer rhizomatischen ausbreitung, die an wachstumsprozesse erinnert: dezentral, organisch, unvorhersehbar. neben dem formkontrast aus stringenz und diffusität bestimmen auch die gegensätze zwischen kühler und warmer farbgebung sowie zwischen fläche und tiefe die aufgeladene visuelle dynamik des werks. \n die an den rändern der organischen farbfläche eingearbeitete erde verleiht der arbeit eine haptische qualität und erweitert ihre kompositorische wirkung. sie fügt dem werk zugleich einen hauch von urbanität hinzu und verankert es im spannungsfeld zwischen künstlichkeit und natürlichkeit. mithilfe dieser strukturierung der bildoberfläche gelingt es grosse, das klassisch kunsttheoretische verständnis von farbe als flächengebundenes gestaltungsmittel zu hinterfragen und zusätzlich den aspekt des organischen zu betonen. wie bereits yves klein in seinen schwamm- und kieselreliefs gelingt es auch katharina grosse, die grenzen zwischen farbe und fläche sowie zwischen malerei und plastik zu verschieben und ihrer eindeutigen kategorisierung zu entziehen. \n \n \n farbe als kernmedium und kommunikationsmittel \n das werk \"ohne titel\" von 2009 steht exemplarisch für jene räumliche auffassung, die katharina grosses oeuvre prägt. in ihren großformatigen installationen, wie etwa \"untitled trumpet\" auf der 56. biennale in venedig oder \"mumbling mud\" in guangzhou, löst sie die malerei von ihrem klassischen träger, der leinwand, und überträgt sie in den realen raum (abb. 1). farbe wird dabei zum mittel räumlicher erfahrung, das architektonische strukturen, objekte und materialien gleichermaßen einbezieht. wie in der arbeit von 2009 entfaltet sich auch in ihren installationen eine eigentümliche spannung zwischen fläche und raum, struktur und auflösung, ordnung und wachstum. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n katharina grosse deutschland abstraktion zeitgenössische kunst unikate 2000er rahmen abstrakt gemälde mischtechnik","en":"grosse, katharina \n 1961 freiburg \n \n \n title: untitled. \n \n date: 2009. \n \n technique: acrylic and earth on canvas. \n \n measurement: 134.5 x 123.5cm. \n \n notation: signed and dated verso upper left: k. grosse 2009. additionally equipped with work details bottom left. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the work is recorded in the artist's archive under the number 2009/1026m. we would like to thank the wunderblock stiftung (archiv katharina grosse), berlin, for their kind support. \n \n provenance: \n - private collection north rhine-westphalia \n \n exhibitions: \n - galerie nächst st. stephan, vienna 2009 (label) \n \n literature: \n - exhib. cat. with list of works: katharina grosse, museum frieder burda, baden-baden 2016, p.114 \n \n \n - interesting multidimensionality through the use of sand \n \n - innovative use of colour and techniques has revolutionised painting \n \n - grosse is currently one of the most internationally sought-after contemporary artists \n \n - the artist has recently had major solo exhibitions in renowned museums, including deichtorhallen, hamburg, kunstmuseum bonn and hamburger bahnhof, berlin \n \n clear lines and dynamic color fields katharina grosse is one of the most sought-after artists on the global auction market and has been exhibited by renowned institutions such as the centre pompidou, the fondation louis vuitton in paris, and moma in new york. she has gained international attention in particular for her site-specific, multi-room installations and her exceptional use of color. \n katharina grosse understands boundaries as dynamic zones of overlap and transformation. her works are designed to overcome existing spatial and conceptual limitations, thereby expanding the space of perception. she sees border areas as places of heightened intensity where heterogeneous interests, forms, and meanings collide and can be experienced in simultaneous coexistence. in this simultaneity of contradictions, grosse recognizes a productive paradox that reveals the ambivalence and complexity of space and perception. \n this is also the case in the untitled work from 2009, in which she questions the reception of color as a medium. with the help of clear, powerful contrasts of color and form, color itself becomes an element that describes and depicts space. the background of the composition is characterized by a dynamic diamond pattern that spreads horizontally across the picture surface in multi-layered nuances between beige and magenta. this fixed structure enters into a tense relationship with the organically flowing color field superimposed on it, which covers the geometric pattern in an almost patina-like manner\u2014not as a smooth overpainting, but in a rhizomatic spread reminiscent of growth processes: decentralized, organic, unpredictable. in addition to the formal contrast between stringency and diffuseness, the contrasts between cool and warm colors and between surface and depth also determine the charged visual dynamics of the work. \n the earth incorporated at the edges of the organic color field lends the work a haptic quality and expands its compositional effect. at the same time, it adds a touch of urbanity to the work and anchors it in the field of tension between artificiality and naturalness. with the help of this structuring of the picture surface, grosse succeeds in questioning the classical art-theoretical understanding of color as a surface-bound design element and additionally emphasizes the aspect of the organic. like yves klein in his sponge and pebble reliefs, katharina grosse succeeds in shifting the boundaries between color and surface, as well as between painting and sculpture, and in removing them from clear categorization. \n \n \n color as a core medium and means of communication the 2009 work \u201cuntitled\u201d is exemplary of the spatial conception that characterizes katharina grosse's oeuvre. in her large-format installations, such as \u201cuntitled trumpet\u201d at the 56th venice biennale or \u201cmumbling mud\u201d in guangzhou, she detaches painting from its classic medium, the canvas, and transfers it into real space (fig. 1). color becomes a means of spatial experience that incorporates architectural structures, objects, and materials in equal measure. as in the 2009 work, her installations also reveal a peculiar tension between surface and space, structure and dissolution, order and growth. \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n katharina grosse germany abstraction contemporary art 2000s framed abstract painting mixed media"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"39","title":{"de":"katharina grosse: ohne titel","en":"katharina grosse: untitled"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29321/view","tags":["daFineart_MixedMedia","daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"soldPrice":140000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:00.593Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - 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Art"},"estimateMin":80000},{"startPrice":320000,"sold":false,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29322/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29322/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29322/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29322/004/004.jpg"],"available":false,"description":{"de":"doig, peter \n 1959 edinburgh \n \n \n titel: \"camp forestia\". \n \n datierung: 1996. \n \n technik: öl auf leinwand. \n \n maße: 41 x 31cm. \n \n bezeichnung: signiert, datiert und betitelt verso oben mittig: peter doig 1996 \"camp forestia\". hier zudem unleserlich bezeichnet und mit richtungspfeil versehen. \n \n provenienz: \n - contemporary fine arts, berlin (stempel) \n - bremer landesbank (1996 von vorheriger erworben) \n \n \n - vom gefeierten neuerer der zeitgenössischen, figurativen malerei \n \n - reduzierte farbigkeit und verdichteter bildausschnitt bringt das werk in die nähe der abstraktion \n \n - verunsicherung und traumhaftigkeit sind charakteristische merkmale, die auch dieses werk besonders prägen \n \n \n gezoomte malerei \n es braucht einige zeit, bis das auge sich in diesem kleinen, schwarz-weiß wirkenden, durchaus gegenständlichen gemälde zurechtfindet: eine person sitzt . auf einer waagerechten linie . im oberen bilddrittel . unter sich größere und kleinere fenster... was steht hier kopf? \n wer sich im werk des britischen malers peter doig ein wenig auskennt, ist durchaus im vorteil und wird nicht direkt den boden unter den füßen verlieren. tatsächlich ist diese kleine leinwand mitglied einer \"gemälde-familie\" aus dem jahr 1996, in der der künstler das motiv eines hauses, das sich im wasser spiegelt und vor dem eine gestalt auf einem steg sitzt, immer wieder variiert (s. lot 41). die wandlungsfähigkeit des motivs scheint unendlich. wie ein regisseur schafft peter doig durch verschiedene farbigkeiten, ausschnitte aber auch gemäldegrößen ganz unterschiedlich wirkende narrative und schein-realitäten. das motiv wird herangezoomt oder wie durch einen farbfilter betrachtet; oder die ausleuchtung wird gänzlich geändert: aus türkisem taghimmel wird dunkle nacht. \n der pinselduktus doigs - zwischen trocken, lasierend und pastos wechselnd - ist dabei schnell, flüchtig, vage. auch die so entstehende leichte unschärfe des motivs trägt zu den \"visuellen gleichgewichtsstörungen\" bei. \n \n \n mitglied einer familie - aber ein herausragendes individuum \n in der vorliegenden arbeit hat peter doig die abstraktion massiv vorangetrieben. das haus, das der serie den namen gibt, ist am oberen bildrand kaum mehr zu erahnen. eine einzelne, niedrige schwarze fensteröffnung, links hinter der sitzenden gestalt, spiegelt sich angedeutet im wasser. auch die büsche werden nicht exakt reflektiert. im unteren bilddrittel erscheinen die als solche nicht zu erkennenden spiegelungen der kleineren fenster mit schlagläden und der veranda, deren reale existenz der obere bildrand ausblendet. mit reduziertester palette zwischen schwarz-grau-olivgrün und weißtönen bis zur elfenbeinfarbe der leinwandgrundierung baut peter doig dieses gemälde in einem hell-dunkel auf und schafft diesen immensen sog und die haltlosigkeit, für die seine kunst so berühmt ist. verunsicherung und traumhaftigkeit sind charakteristische merkmale der werke peter doigs, die auch dieses kleine gemälde ganz besonders prägen. \n \n \n die allgemeingültigkeit der emotions-basis \n die durch verschiedene, vor allem räumliche, biografiebrüche geprägte jugend peter doigs (s. text lot 41) wird immer wieder als erklärung für die emotionale aufladung seiner gemälde herangezogen. dieser aspekt mag hilfreich sein. aber seine bedeutung als herausragender künstler, der die zeitgenössische kunst nachhaltig prägt, macht etwas anderes aus: wenn auch das eigene erleben stark in das werk einfließen mag, ist für dessen rezeption und seine allgemeingültigkeit die kenntnis dieser biografie keineswegs notwendig. die fragilität des eigenen standpunkts und die beunruhigung durch eine nicht sicher verankerte realität ergreift den betrachter, der sich auf diese kleine leinwand einlässt. \n alexandra bresges-jung \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n peter doig schottland figurative kunst zeitgenössische kunst unikate 1990er abstrakt gemälde öl landschaft","en":"doig, peter \n 1959 edinburgh \n \n \n title: \"camp forestia\". \n \n date: 1996. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 41 x 31cm. \n \n notation: signed, dated and titled verso upper centre: peter doig 1996 \"camp forestia\". here additionally illegibly inscribed and equipped with directional arrow. \n \n provenance: \n - contemporary fine arts, berlin (stamp) \n - bremer landesbank (acquired from the previous owner in 1996) \n \n \n - from the celebrated innovator of contemporary figurative painting \n \n - reduced colourfulness and condensed image detail bring the work close to abstraction \n \n - uncertainty and dreaminess are characteristic features that also particularly characterise this work zoomed painting \n it takes some time for the eye to find its way around this small, black and white, thoroughly representational painting: a person is sitting... on a horizontal line... in the upper third of the picture... below him larger and smaller windows... what is upside down here? \n anyone who is a little familiar with the work of british painter peter doig is at an advantage and will not immediately lose their footing. in fact, this small canvas is a member of a \"family of paintings\" from 1996, in which the artist repeatedly varies the motif of a house reflected in the water with a figure sitting on a jetty in front of it (see lot 41). the mutability of the motif seems infinite. like a director, peter doig creates very different-looking narratives and illusory realities by using different colours, sections and also painting sizes. the motif is zoomed in or viewed as if through a colour filter; or the lighting is changed completely: a turquoise daytime sky becomes dark night. \n doig's brushwork - alternating between dry, glazed and impasto - is fast, fleeting and vague. the resulting slight blurring of the motif also contributes to the \"visual imbalances\". \n \n \n member of a family - but an outstanding individual \n in this work, peter doig has pushed abstraction to the extreme. the house that gives the series its name is barely discernible at the upper edge of the picture. a single, low black window opening, to the left behind the seated figure, is reflected in the water. the bushes are not exactly reflected either. in the lower third of the picture, the reflections of the smaller windows with shutters and the veranda, whose real existence is concealed by the upper edge of the picture, appear unrecognisable as such. using the most reduced palette between black-grey-olive green and shades of white up to the ivory colour of the canvas ground, peter doig builds up this painting in a chiaroscuro and creates the immense pull and lack of support for which his art is so famous. uncertainty and dreamlike quality are characteristic features of peter doig's works, which also characterise this small painting in particular. \n \n \n the universality of the emotional basis \n peter doig's youth, which was characterised by various, above all spatial, biographical breaks (see text lot 41), is repeatedly used as an explanation for the emotional charge of his paintings. this aspect may be helpful. but his significance as an outstanding artist who has had a lasting influence on contemporary art is something else: although his own experience may have a strong influence on his work, knowledge of this biography is by no means necessary for its reception and general validity. the fragility of one's own point of view and the disquiet caused by a reality that is not securely anchored take hold of the viewer who engages himself with this small canvas. \n alexandra bresges-jung \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n peter doig scotland figurative art contemporary art post war 1990s abstract painting oil landscape"},"estimateMax":600000,"lotNumber":"40","title":{"de":"peter doig: \"camp forestia\"","en":"peter doig: \"camp forestia\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29322/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":320000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:00.597Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac400,000 - 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contemporary fine arts, berlin \n - bremer landesbank (1996 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - tate britain, london 2008 (aufkleber) \n - musée d'art moderne de la ville de paris, 2008 \n - schirn kunsthalle, frankfurt 2008/09 \n \n literatur: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (hrsg.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, köln 2019, s. 54, abb \n - ausst.-kat. peter doig, tate britain, london 2008, s. 157, abb. s. 132 \n - ausst.-kat. peter doig, musée d'art moderne de la ville de paris, paris 2008, s. 157, abb. s. 132 \n - ausst.-kat. peter doig, schirn kunsthalle, frankfurt 2008/09, s. 157, abb. s. 132 \n \n \n - wichtige, zentrale zwischenstufe innerhalb der \"camp forestia\"-werkgruppe \n \n - überzeugende arbeit mit der für doig typischen emotionalen intensität \n \n - peter doig wird 2025 der renommierte kunstpreis praemium imperiale verliehen \n \n \n peter doig: künstler und lehrer \n peter doig ist aktuell einer der gefragtesten und einflussreichsten britischen, figurativen gegenwarts-künstler. in edinburgh geboren, wächst er im karibischen trinidad und in kanada auf. seine jugend ist von umzügen geprägt. er wohnt nie länger als drei jahre in einem haus und besucht neun verschiedene schulen. im alter von zwanzig jahren geht doig nach london, wo er bis 1983 an der \"st. martin's school of art\" malerei studiert. nach einem mehrjährigen aufenthalt in montreal kehrt er nach london zurück und schließt das studium an der \"chelsea school of art\" 1990 ab. 1991 gelingt dem jungen maler der durchbruch, als ihm der renommierte \"whitechapel artist prize\", verbunden mit einer einzelausstellung in der \"whitechapel art gallery\", zuerkannt wird. 1994 ist peter doig einer von vier künstlern auf der turner-prize-shortlist. \n die von peter doig vertretene position der figurativen malerei, die immer eine schwankende ungewissheit ausstrahlt, trifft genau den nerv der zeit. seither zeigen die führenden museen europas, kanadas und der usa das werk peter doigs in ihren sammlungen und in einzelausstellungen. von 2005 bis 2017 lehrt peter doig an der düsseldorfer kunstakademie. heute lebt der künstler mit seiner familie überwiegend in trinidad. \n \n \n camp forestia: eine bilder-familie ist kein zyklus \n ein foto eines in seattle an einem see gelegenen clubhauses mit dem namen \"camp forestia\" wird für peter doig mitte der 1990er jahre, in einer entscheidenden phase seiner künstlerischen entwicklung, ausgangspunkt für eine ganze reihe von eigenständigen arbeiten. in größe, maltechnik und bildausschnitt völlig unterschiedlich, transportieren diese werke auch ganz unterschiedliche emotionale zustände. \n \n wie auch bei der vorherigen katalog nr. 40 hat peter doig hier den bildausschnitt im vergleich zum ausgangsmotiv (abb. 1, 2) extrem reduziert. er verzichtet auf die ursprünglich so essenzielle spiegelung des hauses im wasser und auch auf den wald und den himmel über der szenerie. das motiv wird \"herangezoomt\", bis vom haus nur noch die linke seite der giebelwand und die ersten beiden stützen der veranda bleiben. und da ist natürlich noch die person, die mit übereinander geschlagenen beinen wohl auf einem steg sitzt. die farbigkeit dieser variante ist auf diverse, überwiegend ins türkis-blaue changierende grüntöne und ein silbrig wirkendes weiß reduziert, das aber auch türkisanteile aufweist. auch der spezielle farbauftrag macht diese arbeit innerhalb der camp-forestia-familie zu einem solitär: die lindgrünen partien im bereich der veranda und der fensterläden wirken durch ihren lasierenden farbauftrag graphisch und optisch dreidimensional. das letzte grobe finish der hellen wandfarbe breitet sich dagegen fast organisch über den dunklen büschen aus und bestimmt deren kontur. insgesamt bleibt der eindruck, als sei eine detailliertere untermalung durch den obersten, groben farbauftrag \"verschüttet\" worden. \n \n \n erinnerung und wiedererinnerung - ein roter faden im werk peter doigs \n dieses gemälde greift ein zentrales thema des gesamten oeuvres peter doigs auf: erinnerung und wieder-erinnerung mit ihren verlusten der details aber der komprimierung von atmosphäre. durch die immer weitere reduktion, gleichsam das \"eindampfen\" eines motivs, führt peter doig seine arbeiten hin zu einer atmosphärischen verdichtung, die emotionen im betrachter zum klingen bringen kann. so kann die farbigkeit erinnerungen an die besondere atmosphäre von vollmondnächten hervorrufen, an einsamkeit und an vage zerfließende innere bilder von speziell erlebten orten. \n alexandra bresges-jung \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n peter doig schottland figurative kunst zeitgenössische kunst unikate 1990er rahmen landschaft papierarbeit öl haus","en":"doig, peter \n 1959 edinburgh \n \n \n title: \"study for camp forestia i\". \n \n date: 1996. \n \n technique: oil on card. \n \n measurement: 72.5 x 57.5cm. \n \n notation: titled, dated and twice signed verso centre: study for camp forestia i 1996 peter doig peter m doig. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - contemporary fine arts, berlin \n - bremer landesbank (acquired from the previous owner in 1996) \n \n exhibitions: \n - tate britain, london 2008 (label) \n - musée d'art moderne de la ville de paris, 2008 \n - schirn kunsthalle, frankfurt 2008/09 \n \n literature: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (eds.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, cologne 2019, p. 54, ill. \n - exhib. cat. peter doig, tate britain, london 2008, p. 157, ill. p. 132 \n - exhib. cat. peter doig, musée d'art moderne de la ville de paris, paris 2008, p. 157, ill p. 132 \n - exhib. cat. peter doig, schirn kunsthalle, frankfurt 2008/09, p. 157, ill. p. 132 \n \n \n - important, central intermediate stage within the 'camp forestia' group of works \n \n - compelling work with the emotional intensity typical of doig \n \n - peter doig will be awarded the prestigious praemium imperiale art prize in 2025 \n \n peter doig: artist and teacher \n \n peter doig is currently one of the most sought-after and influential british contemporary figurative artists. born in edinburgh, he grew up in trinidad in the caribbean and in canada. his youth was characterised by relocations. he never lived in one house for more than three years and attended nine different schools. at the age of twenty, doig moved to london, where he studied painting at st martin's school of art until 1983. after spending several years in montreal, he returned to london and completed his studies at the chelsea school of art in 1990. in 1991, the young painter's breakthrough came when he was awarded the prestigious whitechapel artist prize and a solo exhibition at the whitechapel art gallery. in 1994, peter doig was one of four artists on the turner prize shortlist. \n \n the position of figurative painting represented by peter doig, which always radiates a fluctuating uncertainty, hits the nerve of the times. since then, the leading museums in europe, canada and the usa have shown peter doig's work in their collections and in solo exhibitions. peter doig taught at the düsseldorf art academy from 2005 to 2017. today, the artist lives mainly in trinidad with his family. \n \n \n camp forestia: a family of pictures is not a cycle \n \n in the mid-1990s, during a decisive phase in peter doig's artistic development, a photograph of a clubhouse on a lake in seattle called \u2018camp forestia\u2019 became the starting point for a whole series of independent works. completely different in size, painting technique and image detail, these works also convey very different emotional states. \n \n as in the previous catalogue no. 40, peter doig has extremely reduced the image detail compared to the original motif (fig. 1, 2). he dispenses with the reflection of the house in the water, which was originally so essential, as well as the forest and the sky above the scene. the motif is \u2018zoomed in\u2019 until all that remains of the house is the left side of the gable wall and the first two supports of the veranda. and of course there is the person, who is probably sitting on a footbridge with his legs crossed. the colour scheme of this variant is reduced to various shades of green, predominantly shimmering into turquoise-blue, and a silvery white, which also contains turquoise. the special application of colour also makes this work a solitaire within the camp forestia family: the lime green sections in the veranda area and the shutters have a graphic and visually three-dimensional effect thanks to their glazed application of colour. in contrast, the final coarse finish of the light-coloured wall paint spreads almost organically over the dark bushes and defines their contours. overall, the impression remains that a more detailed underpainting has been \u2018buried\u2019 by the top, coarse application of colour. \n \n \n memory and recollection - a common thread in peter doig's work \n \n this painting picks up on a central theme of peter doig's entire oeuvre: memory and re-memory, with their loss of detail but compression of atmosphere. through ever further reduction, the \u2018vaporisation\u2019 of a motif as it were, peter doig leads his works towards an atmospheric condensation that can evoke emotions in the viewer. the colourfulness can evoke memories of the special atmosphere of full moon nights, of loneliness and of vaguely melting inner images of specially experienced places. \n \n alexandra bresges-jung \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n peter doig scotland figurative art contemporary art post war 1990s framed landscape works on paper oil house"},"estimateMax":350000,"lotNumber":"41","title":{"de":"peter doig: \"study for camp forestia i\"","en":"peter doig: \"study for camp forestia i\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29323/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":200000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:32:58.815Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac250,000 - 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bremer landesbank (1996 von vorheriger erworben) \n \n \n - wintersport ist ein immer wieder kehrendes thema in doigs oeuvre \n \n - wichtige werke dieser serie befinden sich in der sammlung der tate modern, london \n \n - studie, die einblicke in den künstlerischen prozess gewährt \n \n - titel verweist auf eine fahrtechnik beim tiefschnee-fahren \n \n \n wintersport: ein hobby des malers peter doig \n peter doig, gibt der figurativen malerei seit dem letzten jahrzehnt des 20. jahrhunderts bis heute neue impulse. als jugendlicher und junger erwachsener lebt er lange in kanada, wo er seine leidenschaft zum wintersport, dem eishockeyspiel wie dem skifahren, entwickelt. zeitgleich mit seinem künstlerischen durchbruch (turner prize shortlist 1994), findet das thema skisport eingang in seine malerei und wird zu einer seiner ganz wichtigen motivquellen. peter doig hat bereits in früheren, wichtigen werken die optischen reize des schnees bearbeitet, z.b. in pink snow, 1991 (heute moma, nyc) oder in blotter, 1993 (walker art center, liverpool). doch erst die große motiv-familie \"ski jacket\" von 1994, deren herzstück heute zur sammlung der tate gallery in london gehört, markiert den beginn seiner bildnerischen auseinandersetzung mit dem skisport. \n in einer einzelausstellung in der victoria miro gallery in london zeigt peter doig 1996 unter dem titel \"freestyle\" neue gemälde rund um das thema skifahren. zu den dort gezeigten werken gehört auch das gemälde \"telemarker\" (abb.1), das den untertitel \"pas de chèvre\" trägt. die hier vorliegende arbeit ist eine studie zu diesem großformatigen werk. \n \n \n in den schweizer alpen \n an einem mit einigen tannen bewachsenen berghang fährt ein skifahrer zu tal. \n auf chamoisfarbenem papier hat peter doig diese szenerie überwiegend in sepiafarbener ölfarbe, die in der fläche stark verdünnt ist, angelegt. nur ganz sparsam bringt er reinweiße höhungen sowie grüne und hellblaue akzente zum einsatz. \n \n anders als in vielen seiner \"skifahrer-wimmelbilder\", in denen das haltsuchen der menschen als tiefere bedeutungsebene angelegt ist, ist dieser sportler hier ganz souverän unterwegs. der titel suggeriert, dass er in der telemark-technik fährt, also mit einer skibindung, die nur die schuhspitze fixiert, während die ferse vom ski abheben kann. diese elegante technik wird vermehrt zum touren- und tiefschnee-fahren verwendet, was mit dem untertitel \"pas de chèvre\" in einklang zu bringen ist. diese geographische bezeichnung benennt einen bergpass in den schweizer alpen, der teil der \"haute-route\", einer beliebten skitour von chamonix nach zermatt, ist. \n \n \n die studie zum werk - ein arbeitsprozess \n ein vergleich der vorliegenden papierarbeit mit dem großformatigen gemälde macht viele entsprechungen, aber auch markante abweichungen deutlich. dies ist augenfällig in der anderen farbigkeit des gemäldes begründet, das starke anteile von gelb, rosa und grau aufweist. \n unabhängig davon erscheint der skifahrer in der papierarbeit unauffälliger, ja gleichwertiger inmitten der bergwelt, die insgesamt kompakter wiedergegeben ist. die beine des skifahrers, die in der großen ausführung in leuchtend gelben hosen stecken, sind in der studie fast zaghaft konturiert und unterscheiden sich kaum von den sepiabraunen einsprengseln auf der piste. über dem gesicht des skifahrers liegt eine milchige lasur, fast wie die atemwolke in kalter luft. auch hier wird die härte der kontur aufgelöst. und dann ist da noch die untere linke ecke des blattes, in der die schneefläche sehr stark und grob mit sepiafarbe strukturiert ist, wodurch eine unmittelbare nähe zum betrachterstandort entsteht. eine betonung dieser bildecke gibt es auch im großen gemälde, doch fällt diese dort sehr viel dezenter aus. \n diese \"study for telemarker\" ist ein wunderbar autonomes kunstwerk, das einen einblick in den arbeitsprozess des künstlers peter doig verrät. sie zeigt, wie der künstler, der oft fotos zum ausgangspunkt seiner werke nutzt, in einem prozess des weglassens und umwertens eine genese einzelner werke schafft. \n alexandra bresges-jung \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n peter doig schottland figurative kunst zeitgenössische kunst unikate 1990er rahmen sport papierarbeit öl winter","en":"doig, peter \n 1959 edinburgh \n \n \n title: \"study for telemarker\". \n \n date: 1996. \n \n technique: oil on paper. \n \n measurement: 72.5 x 57.5cm. \n \n notation: titled, dated and twice signed verso centre: study for telemarker 1996 peter doig. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - contemporary fine arts, berlin \n - bremer landesbank (acquired from the previous owner in 1996) \n \n \n - winter sports are a recurring theme in doig's oeuvre \n \n - important works from this series are in the collection of the tate modern, london \n \n - study that provides insights into the artistic process \n \n - title refers to a skiing technique used in deep snow \n \n winter sports: a hobby of the painter peter doig peter doig has been giving new impetus to figurative painting from the last decade of the 20th century to the present day. as a teenager and young adult, he lived for a long time in canada, where he developed his passion for winter sports, both ice hockey and skiing. at the same time as his artistic breakthrough (turner prize shortlist 1994), the subject of skiing found its way into his painting and became one of his most important sources of motifs. peter doig had already worked on the visual appeal of snow in earlier, important works, e.g. in pink snow, 1991 (now moma, nyc) or in blotter, 1993 (walker art centre, liverpool). however, it was the large motif family \u2018ski jacket\u2019 from 1994, the centrepiece of which is now part of the tate gallery collection in london, that marked the beginning of his artistic exploration of skiing. \n \n in a solo exhibition at the victoria miro gallery in london in 1996, peter doig showed new paintings on the subject of skiing under the title \u2018freestyle\u2019. one of the works shown there was the painting \u2018telemarker\u2019 (fig.1), subtitled \u2018pas de chèvre\u2019. the present work is a study of this large-format work. \n \n \n in the swiss alps a skier skis down a mountain slope overgrown with fir trees. peter doig has painted this scene on chamois-coloured paper, mainly in sepia-coloured oil paint, which is heavily diluted in the surface. he only uses pure white heights and green and light blue accents very sparingly. \n \n in contrast to many of his \u2018skiers' hidden object paintings\u2019, in which the people's search for a foothold is a deeper level of meaning, here this sportsman is travelling with complete confidence. the title suggests that he is skiing using the telemark technique, i.e. with a ski binding that only fixes the tip of the boot, while the heel can lift off the ski. this elegant technique is increasingly used for touring and deep snow skiing, which is consistent with the subtitle \u2018pas de chèvre\u2019. this geographical name refers to a mountain pass in the swiss alps that is part of the \u2018haute-route\u2019, a popular ski tour from chamonix to zermatt. \n \n \n the study of the work - a working process a comparison of the present work on paper with the large-format painting reveals many similarities, but also striking differences. this is evident in the different colour scheme of the painting, which has a strong proportion of yellow, pink and grey. \n \n irrespective of this, the skier in the work on paper appears more inconspicuous, even more equal in the midst of the mountain world, which is depicted more compactly overall. the skier's legs, which in the large version are clad in bright yellow trousers, are almost timidly outlined in the study and hardly differ from the sepia brown splashes on the piste. a milky glaze lies over the skier's face, almost like a cloud of breath in cold air. here, too, the hardness of the contour is dissolved. and then there is the lower left corner of the sheet, in which the snow surface is very strongly and roughly structured with sepia colour, creating an immediate proximity to the viewer's position. this corner of the picture is also emphasised in the large painting, but there it is much more discreet. \n \n this \u2018study for telemarker\u2019 is a wonderfully autonomous work of art that reveals an insight into the working process of the artist peter doig. it shows how the artist, who often uses photographs as the starting point for his works, creates a genesis of individual works in a process of omission and re-evaluation. \n alexandra bresges-jung \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n peter doig scotland figurative art contemporary art post war 1990s framed sports works on paper oil winter"},"estimateMax":90000,"lotNumber":"42","title":{"de":"peter doig: \"study for telemarker\"","en":"peter doig: \"study for telemarker\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29324/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":56000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:32:58.826Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac70,000 - 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lempertz, köln, 1079. auktion, 3.12.2016, lot 471 \n - privatsammlung hessen \n \n literatur: \n - ausst.kat. thomas struth. new pictures from paradise, universitat salamanca, centro de fotografia u.a., münchen 2002, o.s. mit abb. \n - thomas struth. new pictures from paradise, münchen 2017, s. 71, abb. s. 38/39 \n \n \n - der becher-schüler gilt als hauptvertreter der düsseldorfer fotoschule \n \n - seine \"paradies\"-serie zeigt weltweite, abgeschiedene wälder abseits der menschlichen zivilisation \n \n - dichtes all-over motiv mit hoher tiefenschärfe, dass den betrachter auf besondere weise herausfordert \n \n \"in diesen fotografien sind die wälder nicht länger das bedrohliche, das verdrängte, sondern bewusste orte der hingabe.\" (hans rudolf reust zit. nach reust, hans rudolf et al. (hrsg.): thomas struth - texte zum werk von thomas struth, münchen 2009, s. 176) \n \n \n erste einflüsse \n der in berlin ansässige thomas struth studiert zusammen mit candida höfer, andreas gursky und thomas ruff fotografie an der kunstakademie düsseldorf bei ernst und hilla becher. struths serielle strukturierung sowie sein systematischer ansatz in der konzeption seiner fotografien weisen deutliche bezüge zur nüchtern-konzeptuellen betrachtungsweise der becherschule auf. ebenso prägend für sein oeuvre war der einfluss gerhard richters, der ihn ebenfalls an der akademie unterrichtet. der enge bezug zu richter wird durch die von struth gefertigten porträts seines mentors und seiner familie dokumentiert. struth gilt als einer der bedeutendsten deutschen fotografen der gegenwart und verfügt über eine exzeptionelle ausstellungshistorie, die u.a. das stedelijk museum in amsterdam, die biennale in venedig (1990), die documenta ix, den prado in madrid sowie das guggenheim museum und das moma in new york umfasst. \n \n \n bilder vom paradies \n seit 1998 widmet struth sich wiederholt der üppigen flora und fauna der wälder amerikas, asiens und europas. auch die arbeit \"paradise 20 (bayrischer wald)\" von 1999 lässt sich in die reihe der \"pictures of paradise\" einordnen. ausgangspunkt für die vertiefte auseinandersetzung mit der darstellung von natur war eine reise zur klima- und menschenrechtsaktivistin gertrude duby, die er aufgrund von unruhen infolge ihres todes nicht antreten konnte. ihr lebenswerk widmete duby dem wiederaufbau des regenwaldes in chiapas und erhielt dafür nicht nur weltweite aufmerksamkeit, sondern auch den titel \"königin des regenwaldes\" von den indigenen maya. \n mit der bezeichnung der natur als \"paradies\" nimmt struth bezug auf die tradition barocker landschaftsmalerei, verzichtet jedoch bewusst auf klassische kompositionsmuster und eröffnet dem inhaltlich und religiös aufgeladenen begriff des paradieses ein bislang wenig reflektiertes, neues und politisches narrativ. während struth sich in seinen früheren \"landschaften\" noch bewusst gängigen kompositionsmuster zur darstellung anthropogen geprägter landschaften bedient, etwa von ackerflächen, verzichtet er in seinen paradiesfotografien gezielt auf jenen kunsthistorischen moment. gleichzeitig löst er sich vom auf das bildzentrum bezogenen kompositionsschema der becherschule. so wählt er seine bildausschnitte großflächig und lässt die dichte vegetation des waldes die gesamte bildfläche einnehmen. himmel und waldboden werden dabei in der regel nur als gestalterisches beiwerk verwendet, ohne eine kompositionsbestimmende oder rahmende funktion einzunehmen. \n \n \n transzendentale qualität \n im kaleidoskopischen spiel des diffusen, indirekten lichteinfalls im schattigen tannenwald, in der gleichzeitigkeit von nähe und distanz zur szenerie, den streng vertikalen baustämmen und dem fedrigen blätterdach vereint struth gegensätze zur harmonie und schafft einen unvergleichlich intimen moment von melancholie und stiller sentimentalität. das milchige licht sowie die wirkung der unscharf gehaltenen seitenränder verleihen der szene eine beinahe unwirkliche, transzendentale qualität, zumal weder der himmel noch der waldboden direkt gezeigt werden. wahrnehmungsperspektive und publikumsstandpunkt werden daher wie in der schwebe eingenommen. unterstützt wird dies durch das gewählte groß angelegte format, das den blick der betrachtenden gänzlich einnimmt, lenkt und gleichzeitig verfremdet. wie durch einen sog, von den diffus unscharf angelegten bildrändern hin zur scharf konturierten und streng bestimmten bildmitte, wird der blick regelrecht in die szene hineingezogen. der fokus gilt dabei dem zentralen baum, der das dominierende motiv der arbeit bildet und gleichzeitig den blick in die tiefen des waldes verdeckt. struth visualisiert eine fremde lebenswelt, die sich aus europäischer perspektive im wohlbekannten nadelwald eröffnet. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n thomas struth deutschland becher schule fotografie zeitgenössische kunst 1990er künstlerrahmen. im rahmen beschrieben wald fotografie c-print baum","en":"struth, thomas \n 1954 geldern/lower rhine \n \n \n title: \"paradise 20 (bayrischer wald)\". \n \n date: 1999. \n \n technique: c-print/diasec. \n \n depiction size: 138,5 x 175cm. \n \n sheet size: as seen in frame: 144.5 x 184.5cm. \n \n notation: signed as well as typographically dated, titled and numbered on label on back of frame. \n \n number: 1/10. \n \n frame: artist's frame. not examined out of the frame. \n \n the work is listed in the artist's catalogue under number 7851. \n \n provenance: \n - lempertz, cologne, 1079th auction, 3rd december 2016, lot 471 \n - private collection hessen \n \n literature: \n - exhib. cat. thomas struth. new pictures from paradise, universitat salamanca, centro de fotografia u.a., munich 2002, n. p. with ill. \n - thomas struth. new pictures from paradise, munich 2017, p. 71, ill. p. 38/39 \n \n \n - this student of becher is considered the leading representative of the düsseldorf school of photography \n \n - his 'paradies' series shows remote forests around the world, far away from human civilisation \n \n - dense, all-over motif with high depth of field that challenges the viewer in a special way \n \n first influences berlin-based thomas struth studied photography at the düsseldorf art academy under ernst and hilla becher together with candida höfer, andreas gursky and thomas ruff. struth's serial structuring and his systematic approach to the conception of his photographs show clear references to the sober, conceptual approach of the becher school. the influence of gerhard richter, who also taught him at the academy, was equally formative for his oeuvre. the close relationship with richter is documented by the portraits struth made of his mentor and his family. struth is considered one of the most important contemporary german photographers and has an exceptional exhibition history that includes the stedelijk museum in amsterdam, the venice biennale (1990), documenta ix, the prado in madrid, the guggenheim museum and the moma in new york. \n \n \n images of paradise since 1998, struth has repeatedly focussed on the lush flora and fauna of the forests of america, asia and europe. the work \u2018paradise 20 (bayrischer wald)\u2019 from 1999 can also be categorised in the series of \u2018pictures of paradise\u2019. the starting point for his in-depth examination of the depiction of nature was a trip to the climate and human rights activist gertrude duby, which he was unable to take due to unrest following her death. duby dedicated her life's work to the reconstruction of the rainforest in chiapas, for which she not only received worldwide attention, but also the title \u2018queen of the rainforest\u2019 from the indigenous maya. \n by describing nature as a \u2018paradise\u2019, struth refers to the tradition of baroque landscape painting, but deliberately dispenses with classical compositional patterns and opens up a new and political narrative to the concept of paradise, which has so far been little reflected upon in terms of content and religion. while in his earlier \u2018landscapes\u2019 struth consciously used common compositional patterns to depict anthropogenic landscapes, such as farmland, in his paradise photographs he deliberately dispenses with this art-historical moment. at the same time, he breaks away from the compositional scheme of the becher school, which focuses on the centre of the image. he chooses large areas for his image details and allows the dense vegetation of the forest to take up the entire picture surface. the sky and the forest floor are generally only used as a creative accessory, without taking on a composition-determining or framing function. \n \n \n transcendental quality in the kaleidoscopic interplay of the diffuse, indirect incidence of light in the shady pine forest, in the simultaneity of proximity and distance to the scenery, the strictly vertical tree trunks and the feathery canopy of leaves, struth unites opposites in harmony and creates an incomparably intimate moment of melancholy and quiet sentimentality. the milky light and the effect of the blurred edges lend the scene an almost unreal, transcendental quality, especially as neither the sky nor the forest floor are shown directly. the perspective of perception and the audience's point of view therefore seem to be suspended. this is supported by the large format chosen, which completely captures, directs and simultaneously alienates the viewer's gaze. the viewer's gaze is drawn into the scene as if by a pull, from the diffusely blurred edges of the picture to the sharply contoured and strictly defined centre. the focus is on the central tree, which forms the dominant motif of the work and at the same time obscures the view into the depths of the forest. struth visualises an alien world that opens up from a european perspective in the familiar coniferous forest. \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n thomas struth germany becher school photographs contemporary art 1990s artist's frame. not examined out of the frame forest photography c-print tree"},"estimateMax":60000,"lotNumber":"43","title":{"de":"thomas struth: \"paradise 20 (bayrischer wald)\"","en":"thomas struth: \"paradise 20 (bayrischer wald)\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29325/view","tags":["daFineart_Photography","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":32000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:32:58.833Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac40,000 - 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(www.kneffel.de) \n \n provenienz: \n - schönewald fine arts gmbh, düsseldorf (aufkleber) \n - barbara mathes gallery, new york (aufkleber) \n - galerie schönewald und beuse, xanten \n - unternehmenssammlung deutschland (2002 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - bonner kunstverein, 1998 \n - kunsthalle emden, 2001 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. catrin backhaus, karin kneffel in: es grünt so grün, bonner kunstverein, 1998, s. 43, abb. \n - ausst.-kat. mit verzeichnis ausgewählter werke, karin kneffel, kunsthalle emden, 2001, kat.-nr. 14, abb. \n - ausst.-kat. karin kneffel 1990-2010, kunsthalle tübingen, 2010, s. 133 \n - ausst.-kat. carmen f. rivera (hrsg.), karin kneffel , la ventana y el espejo, museo de arte contemporaneo a coruna, 2014, s. 19 \n \n \n - die beziehung zwischen betrachter und bild wird zum zentralen bildthema \n \n - kneffels bildanalytischer ansatz ist hier in prägnanter motivik umgesetzt \n \n - kneffel zählt zu den bedeutendsten, zeitgenössischen künstlerinnen \n \n \n schwelgerische malerei als medienkritik \n karin kneffel wird ende der 1990er jahre international erfolgreich mit gemälden, deren hyperrealistische wirkung sie durch eine minutiöse malweise mit extrem ein- oder feinhaarigen pinseln erzielt. gegen den expressiven gestus der neuen wilden fertigt kneffel in den 1980er jahren portraits von tieren, etwa hühner und kühe, an. schon mit der subversiven sinnentleerung und aushöhlung der tradierten, repräsentativen zwecken unterstellten bildgattung durch die einführung derartig fragwürdiger sujets betreibt die meisterschülerin von gerhard richter eine dezidiert bildanalytische malerei, die sowohl gattungsspezifische vorgaben wie produktions- und rezeptionsästhetische kriterien berücksichtigt und dekonstruiert. \n in den werken kneffels verführt der schmelz des farbauftrages, der sinnliche oberflächenreiz den betrachter zunächst. erzeugt wird eine unwiderstehliche nähe zum realitätsgetreu wiedergegebenen motiv, oft überlebensgroße pralle früchte, bisweilen flirrend farbige blumen und stillleben, deren perfekte erscheinung derart plastisch und plakativ erfasst wird, dass der bezug zur konsumorientierten bildsprache der werbung und den daran anknüpfenden wirkungsweisen der pop art offensichtlich wird. durch die wahl ihrer sujets und stilmittel simuliert kneffel spezifische, an historische epochen oder gattungen gebundene merkmale. sie schöpft aus den verschiedenartigen malerischen möglichkeiten, um wechselnde (bild)realitäten zu entwerfen. indem kneffel damit direkt auf die intention der illusionsbildung verweist, führt sie die essenzielle eigenschaft von malerei schlechthin vor: die dem medium innewohnende künstlichkeit, die vortäuschende wie verfälschende absicht wird zum zentralen bildthema. \n besonders eindrücklich veranschaulicht das vorliegende gemälde \"landschaft\" den medienkritischen ansatz von karin kneffel. hinter einem verschnörkelten gusseisernen gitter erstreckt sich ein weitläufiges grundstück mit leichten anhöhen und baumgruppen wie eine parkanlage, die möglicherweise ein herrschaftliches anwesen umgibt. allerdings stehen die hohen, widerspenstig krumm gewachsenen kiefern in kontrast zu den geschwungenen vegetabilen ornamentformen des gitters. die sonne steht tief am horizont und die blautöne des himmels changieren von einem lichten luftigen hellblau im unteren bereich zu einem gesättigten tintenblau am oberen bildrand. \n \n \n die betrachter: draußen oder drinnen? \n jedoch drängt sich ein bildelement mit unvergleichlicher präsenz in den vordergrund. die in heraldischen lilien zulaufenden voluten des gitters sind bildfüllend angelegt und versperren geradezu die ungehinderte sicht auf das idyll. durch die eingeführte störung umgeht kneffel die konventionelle darstellungsform der im titel evozierten landschaft. in ihren werken kommen zweifel an der glaubwürdigkeit des bildes auf; vor allem der topos des bildes als fenster wird dadurch unterlaufen. der (beeinträchtigte) blick und der betrachtungsvorgang selbst rückt in den mittelpunkt dieses gemäldes. \n die gemälde von karin kneffel erweisen sich als bilder von brüchigen bildern. in ihnen legt die künstlerin die manipulative macht des kunstschaffenden offen: durch ihn wird den betrachtenden zugang zum bildgeschehen eröffnet, durch ihn bleiben sie aber auch außen vor, werden sie in ihrer rolle als voyeur, bisweilen als eindringlinge vorgeführt - vor allem aber auf ihre realität zurückgeworfen. mit dieser zurückweisung scheint kneffel gleichwohl das klassische repoussoir-motiv, das den betrachtenden den weg in das bildgeschehen weisen soll, in sein gegenteil zu verkehren. aber auch kunsthistorische überlegungen, wie von etwa wolfgang kemp in seinem einflussreichen buch \"der betrachter ist im bild\" dargelegt, scheint sie zu widerlegen. \n mit hintersinn und humor überträgt kneffel somit die funktion des gitters auf die grundsätzliche beziehung zwischen betrachtenden und bild. die grenze zwischen den bereichen vor und hinter dem gitter verdeutlicht das spannungsfeld zwischen distanz und nähe, wirklichkeit und schönem schein, zwischen enttäuschung und erwartung. \n \"der bildraum öffnet sich und gleichzeitig entsteht eine distanz. ich möchte nicht, dass man sich im bild verliert oder darin aufgeht.\" (karin kneffel zit. nach \"interview mit walter smerling und karin kneffel am 7. märz 2024 im atelier der künstlerin\", in: ausst.-kat. come in, look out, mkm museum küppersmühle für moderne kunst, duisburg münchen, 2024, s. 193) \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n karin kneffel deutschland neorealismus hyperrealismus zeitgenössische kunst unikate 1990er rahmen bäume gemälde öl","en":"kneffel, karin \n 1957 marl \n \n \n title: g iii. \n \n date: 1997. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 200 x 250cm. \n \n notation: signed, dated and titled verso upper left: karin kneffel 1997 (g iii). \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the work is listed on the official internet site of the artist under the year of creation. (www.kneffel.de) \n \n provenance: \n - schönewald fine arts gmbh, düsseldorf (label) \n - barbara mathes gallery, new york (label) \n - galerie schönewald und beuse, xanten \n - corporate collection germany \n \n exhibitions: \n - bonner kunstverein, 1998 \n - kunsthalle emden, 2001 \n \n literature: \n - exhib. cat. catrin backhaus, karin kneffel in: es grünt so grün, bonner kunstverein, 1998, p. 43, ill. \n - exhib. cat. with a catalogue of selected works, karin kneffel, kunsthalle emden, 2001, cat. no. 14, ill. \n - exhib. cat. karin kneffel 1990-2010, kunsthalle tübingen, 2010, p. 133 \n - exhib. cat. carmen f. rivera (ed.), karin kneffel, la ventana y el espejo, museo de arte contemporaneo a coruna, 2014, p. 19 \n \n \n - the relationship between viewer and image becomes the central theme of the picture \n \n - kneffel's image-analytical approach is translated here into concise motifs \n \n - kneffel is one of the most important contemporary artists \n \n indulgent painting as media criticism at the end of the 1990s, karin kneffel became internationally successful with paintings whose hyper-realistic effect she achieved through a meticulous painting style with extremely fine brushes. in the 1980s, kneffel produced portraits of animals, such as chickens and cows, in contrast to the expressive gestures of the neue wilde. with the subversive emptying of meaning and undermining of the traditional, representative genre of painting by introducing such questionable subjects, the master student of gerhard richter pursues a decidedly image-analytical painting that takes into account and deconstructs both genre-specific guidelines and production and reception aesthetic criteria. \n \n in kneffel's works, the enamel of the colour application, the sensual surface stimulus initially seduces the viewer. an irresistible closeness to the realistically reproduced motif is created, often larger-than-life plump fruit, sometimes shimmering coloured flowers and still lifes, whose perfect appearance is captured so vividly and strikingly that the reference to the consumer-oriented visual language of advertising and the associated effects of pop art becomes obvious. through her choice of subjects and stylistic devices, kneffel simulates specific characteristics linked to historical epochs or genres. she draws on the various painterly possibilities to create changing (pictorial) realities. by referring directly to the intention of creating illusions, kneffel demonstrates the essential quality of painting as such: the inherent artificiality of the medium, the pretence and falsification of intention, becomes the central theme of the picture. \n the present painting \u2018landscape\u2019 is a particularly impressive illustration of karin kneffel's media-critical approach. behind an ornate cast-iron grid, an extensive plot of land with slight hills and groups of trees stretches out like a park, possibly surrounding a stately home. however, the tall, unruly, crooked pine trees contrast with the curved vegetal ornamental shapes of the lattice. the sun is low on the horizon and the blue tones of the sky change from a light, airy light blue at the bottom to a saturated ink blue at the top of the picture. \n \n \n the viewers: outside or inside? however, one pictorial element with an unrivalled presence comes to the fore. the volutes of the lattice, which taper into heraldic fleurs-de-lis, fill the picture and virtually block the unobstructed view of the idyll. by introducing this disruption, kneffel bypasses the conventional form of depiction of the landscape evoked in the title. her works cast doubt on the credibility of the image; above all, the topos of the image as a window is undermined. the (impaired) gaze and the viewing process itself take centre stage in this painting. \n \n karin kneffel's paintings prove to be pictures of fragile images. in them, the artist reveals the manipulative power of the artist: through him, viewers are given access to the pictorial event, but through him they also remain on the outside, they are presented in their role as voyeurs, sometimes as intruders - but above all thrown back on their reality. with this rejection, kneffel nevertheless seems to turn the classic repoussoir motif, which is intended to show the viewer the way into the pictorial event, into its opposite. but she also seems to refute art-historical considerations, such as those set out by wolfgang kemp in his influential book \u2018der betrachter ist im bild\u2019. \n with subtlety and humour, kneffel thus transfers the function of the grid to the fundamental relationship between viewer and picture. the boundary between the areas in front of and behind the grid emphasises the tension between distance and closeness, reality and illusion, between disappointment and expectation. \n \"the pictorial space opens up and at the same time a distance is created. i don't want you to lose yourself in the picture or become absorbed in it.\" (karin kneffel quoted from \u2018interview with walter smerling and karin kneffel on 7 march 2024 in the artist's studio\u2019, in: exhib. cat. come in, look out, mkm museum küppersmühle for modern art, duisburg munich, 2024, p. 193) \n bettina haiss \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n karin kneffel germany neorealism hyperrealism contemporary art 1990s framed trees painting oil"},"estimateMax":180000,"lotNumber":"44","title":{"de":"karin kneffel: g iii","en":"karin kneffel: g iii"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29326/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":96000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:32:58.838Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac120,000 - \u20ac180,000","currency":"EUR","id":29326,"category":{"de":"Zeitgen. Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Contemp. Art"},"estimateMin":120000},{"startPrice":64000,"sold":false,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29327/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29327/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29327/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29327/004/004.jpg"],"available":false,"description":{"de":"kneffel, karin \n 1957 marl \n \n \n titel: hühnerhof. \n \n datierung: 1985. \n \n technik: öl auf leinwand. \n \n maße: 175,5 x 120cm. \n \n bezeichnung: signiert und datiert verso unten rechts: k. kneffel 1985. \n \n rahmen/sockel: rahmen. \n \n das werk ist auf der offiziellen internetseite der künstlerin unter dem entstehungsjahr aufgeführt. (www.kneffel.de; hier mit abweichender datierung) \n \n provenienz: \n - galerie max hetzler, köln \n - postbank collection (aufkleber) \n - unternehmenssammlung deutschland \n \n \n - nicht die erzeugung von illusion, sondern die offenlegung der illusionistischen wirkweise von malerei ist kneffels künstlerisches anliegen \n \n -das werk zählt als herausragendes frühes beispiel für ihren medienkritischen ansatz \n \n \n malerei als untersuchungsgegenstand \n anfang der 1980er jahre studiert karin kneffel bei dem bildhauer johannes brus, sowie den malern norbert tadeusz und gerhard richter an der düsseldorfer kunstakademie. ihre charakteristische malweise entwickelt sich aus der zusammenführung verschiedener ansätze ihrer ehemaligen lehrer: neben einer eklektischen kombinatorik und gesteigerten aufmerksamkeit für das kolorit kreist ihre künstlerische entwicklung vor allem um die analytische auseinandersetzung mit dem medium der malerei. so untersucht sie von anfang an die mechanismen der illusionsbildung, lotet die malerische fähigkeit zur täuschung aus, um die künstlichkeit der geschaffenen bildrealitäten selbst offenzulegen. \n große internationale anerkennung erlangt kneffel mit gemälden von früchten in den 2000er jahren, deren täuschende echtheit und plakative bildsprache auf überdimensionierten, monumentalen formaten die wahrnehmung herausfordert. der banale bildgegenstand steht hier in spannungsvollem kontrast zu seiner mitunter wandfüllenden präsenz und dadurch beigemessenen bedeutung. kneffel rückt die diskrepanz zwischen motiv und malweise, zwischen authentischer existenz und dem (verfälschenden) vorgang des abbildens in den vordergrund der bildbetrachtung. \n \n \n kunstgeschichte und künstlichkeit \n in ihren frühen, in den 1980er jahren entstandenen tierportraits bevölkern hühner, kühe, schafe und andere nutztiere die bildfläche. die in der kunstgeschichtlichen tradition herrschaftlichem personal vorbehaltene portraitgattung diente einem repräsentativen zweck. statt üppig ausgestattete könige und wohlhabende bürger setzt kneffel jetzt die animalischen protagonisten bäuerlichen landlebens ohne prunk und pose ins bild. kneffel schöpft aus der kunstgeschichte, um varianten der sichtbarmachung vorzuführen und um die vielfalt verfälschender stilmittel der malerei im umgang mit den sujets offenzulegen. auch das unverstellte tier in seiner natürlichen umgebung ist den aneignenden blicken der künstlerin - und später der betrachtenden ihrer werke - ausgeliefert. ihre portraits verweisen auf die künstlichkeit der darstellungsformen, auf konventionen und klischees in der bildkultur. kneffel geht es nicht um die wiedergabe von wirklichkeit. ihr geht es vielmehr um die wiedergabe von artifiziellen bildwelten. \n \n \n erstarrtes bühnenbild \n auch \"hühnerhof\" veranschaulicht besonders eindrücklich kneffels medienreflexive, bildkritische vorgehensweise. das gemälde erweist sich als abbild einer fiktion. mit kräftigem pastosen pinselduktus ist eine versammlung von hühnern auf einem erdigen boden vor einem himmel aus undurchdringlich bleiernem blaugrau erfasst. dicht gedrängt halten sich mehrere hühner im vordergrund des bildes auf, während an zentraler stelle ein hahn auf einem heuhaufen thront. die ausschnitthaftigkeit des kulissenhaft begrenzten bildraums lässt keine rückschlüsse auf die räumliche umgebung zu, vielmehr lässt die gleichmäßige ausleuchtung die dargestellte szene wie ein unnatürlich erstarrtes bühnenbild wirken. \n \n \n simulation, sinnentleerung und neue malerische realitäten \n indem sie eine altmeisterliche technik verwendet und auf ein sujet zurückgreift, das vor allem in niederländischen genrebildern des 17. jahrhunderts populär war, greift karin kneffel eine tradition auf, die sich nun allerdings erschöpft, lediglich zur reinen bildformel ohne inhalt verkommen zeigt. kneffels raffiniertes spiel mit der simulation und sinnentleerung eingängiger kategorien wie \"ländliche idylle\" und den erwartungen, die mit diesen verbunden sind, führt der malerei einen spiegel vor. \n in ihren zunehmend komplex angelegten werken führt kneffel vertrautes vor, lockt die betrachtenden damit auf vermeintlich bekanntes terrain, um sie dann mit den bedingungen ihrer rezeption zu konfrontieren und sie haltlos auf sich zurückzuwerfen. \"einer meiner lieblingssätze über malerei ist von john berger, etwa sinngemäß so: das paradox der malerei ist, dass sie den betrachter in ihren innenraum einlädt, damit er von da aus die welt draußen betrachten kann.\" (karin kneffel zit. nach \"interview mit walter smerling und karin kneffel am 7. märz 2024 im atelier der künstlerin\", in: ausst.-kat. come in, look out, mkm museum küppersmühle für moderne kunst, duisburg münchen, 2024, s. 193) \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n karin kneffel deutschland neorealismus hyperrealismus zeitgenössische kunst unikate 1980er rahmen huhn gemälde öl tier","en":"kneffel, karin \n 1957 marl \n \n \n title: hühnerhof. \n \n date: 1985. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 175.5 x 120cm. \n \n notation: signed and dated verso lower right: k. kneffel 1985. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the work is listed on the artist's official website under the year of creation. (www.kneffel.de; here with a different date) \n \n provenance: \n - galerie max hetzler, cologne \n - postbank collection (adhesive label) \n - corporate collection, germany \n \n \n - kneffel's artistic concern is not the creation of illusion, but rather the exposure of the illusionistic effects of painting \n \n - the work is considered an outstanding early example of her media-critical approach \n \n painting as an object of investigation in the early 1980s, karin kneffel studied under the sculptor johannes brus and the painters norbert tadeusz and gerhard richter at the düsseldorf art academy. her characteristic style of painting developed from the combination of various approaches of her former teachers: in addition to an eclectic combinatorics and increased attention to colouring, her artistic development revolves above all around an analytical examination of the medium of painting. from the very beginning, she investigated the mechanisms of illusion, exploring the painterly ability to deceive in order to reveal the artificiality of the created pictorial realities themselves. \n \n kneffel achieved great international recognition in the 2000s with her paintings of fruit, whose deceptive authenticity and striking visual language on oversized, monumental formats challenge perception. the banal pictorial object stands here in tense contrast to its sometimes wall-filling presence and the significance attributed to it as a result. kneffel emphasises the discrepancy between motif and painting style, between authentic existence and the (falsifying) process of depiction. \n \n \n art history and artificiality in her early animal portraits, created in the 1980s, chickens, cows, sheep and other farm animals populate the picture surface. in the art-historical tradition, this genre of portrait was reserved for aristocratic personnel and served a representative purpose. instead of lavishly decorated kings and wealthy burghers, kneffel now depicts the animalistic protagonists of rural life without pomp or posturing. kneffel draws on art history to present variations of visualisation and to reveal the variety of falsifying stylistic devices used by painters when dealing with their subjects. the undisguised animal in its natural environment is also at the mercy of the appropriating gaze of the artist - and later of the viewers of her works. her portraits point to the artificiality of the forms of representation, to conventions and clichés in visual culture. kneffel is not interested in reproducing reality. rather, she is concerned with the reproduction of artificial visual worlds. \n \n \n rigid stage set \n hühnerhof\" also impressively illustrates kneffel's media-reflexive, image-critical approach. the painting proves to be the image of a fiction. a gathering of chickens on an earthy ground against a sky of impenetrable leaden blue-grey is captured with a vigorous impasto brushstroke. several hens are crowded together in the foreground of the painting, while a cockerel is perched on a haystack in the centre. the cropped nature of the scenically limited pictorial space does not allow any conclusions to be drawn about the spatial surroundings; on the contrary, the uniform lighting makes the depicted scene look like an unnaturally frozen stage set. \n \n \n simulation, emptying of meaning and new painterly realities by using an old masterly technique and drawing on a subject that was particularly popular in dutch genre paintings of the 17th century, karin kneffel picks up on a tradition that is now exhausted, however, degenerating into a mere pictorial formula without content. kneffel's sophisticated play with the simulation and emptying of meaning of catchy categories such as \u2018rural idyll\u2019 and the expectations associated with them holds up a mirror to painting. \n in her increasingly complex works, kneffel presents the familiar, luring viewers into supposedly familiar territory, only to confront them with the conditions of their reception and throw them back on themselves without any foundation. \"one of my favourite sentences about painting is by john berger, something like this: 'the paradox of painting is that it invites the viewer into its interior space so that he can view the world outside from there.\" (karin kneffel quoted from \u2018interview with walter smerling and karin kneffel on 7 march 2024 in the artist's studio\u2019, in: exhib. cat. come in, look out, mkm museum küppersmühle for modern art, duisburg munich, 2024, p. 193) \n bettina haiss \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n karin kneffel germany neorealism hyperrealism contemporary art 1980s framed chicken painting oil animal"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"45","title":{"de":"karin kneffel: hühnerhof","en":"karin kneffel: hühnerhof"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29327/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:32:58.846Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - \u20ac120,000","currency":"EUR","id":29327,"category":{"de":"Zeitgen. 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privatsammlung italien \n \n \n - idyllische landschaftsdarstellung im fantastischen kolorit, das den zeitbegriff aufzulösen scheint \n \n - aus salvos wichtigster werkreihe \n \n - in den letzten jahren wiederentdeckter künstler, nun auf dem kunstmarkt sehr gefragt \n \n \n die italienische kunstszene \n turin wird die wahlheimat des 1947 auf sizilien geborenen salvatore mangione, der sich kurz salvo nennt. dort entwickelt sich seine kunst zwar im kontext der konzeptkunst und der arte povera, doch zu einem ganz eigenständigen stil. er steht in kontakt mit künstlern wie mario merz, giuseppe penone, giulio paoli, vor allem mit alighiero boetti verbindet ihn eine enge freundschaft. nachdem er mit unterschiedlichen materialien experimentiert hat, kehrt er 1973 zurück zur malerei und bleibt ihr treu. die auseinandersetzung mit der kunstgeschichte zieht sich wie ein roter faden durch sein gesamtes oeuvre. \n auch zu köln besteht eine bindung durch salvos berufliche wie freundschaftliche beziehung zu paul maenz, den er 1971 kennenlernt und der ihn im selben jahr in seiner kölner galerie ausstellt. zur legendären ausstellung \"projekt 74\" in köln wird der künstler ebenfalls eingeladen. seine werke werden auf der documenta 5 (1972) in kassel sowie der biennale von venedig (1976 und 1984) gezeigt und sind vertreten im museum of modern art in new york, dem museum boijmans van beuningen in rotterdam, der fondazione sandretto re rebaudengo in turin und vielen anderen. seit einigen jahren erfährt salvos werk ein revival: von namhaften galerien, wie der gladstone gallery, wiederentdeckt und ausgestellt, steigert sich seine sichtbarkeit und sein wert auf dem kunstmarkt. \n \n \n \"capriccio\" \n das hier vorgestellte gemälde stammt aus salvos wichtigster, die sein oeuvre charakterisierende, werkreihe, betitelt \"capriccio\". das wort \"capriccio\" etabliert der große vasari, der erste chronist der (überwiegend italienischen) kunstgeschichte. es steht für das kreative, das den gängigen kunstkanon herausfordert. salvo reiht sich ein in die tradition der italienischen landschafts- oder vedutenmalerei, doch er überschreitet die grenzen auf spielerische, traumwandlerische art. \n das gemälde zeigt mittig zwei aufrechte säulen, die einer antiken ruine zu entstammen scheinen. weitere säulenelemente liegen davor auf dem sattgrünen rasen. diese überreste einer hochkultur befinden sich innerhalb einer menschenleeren, idyllischen landschaft mit pinien und zypressen vor einem gewässer und berg. in einem auf das wesentliche reduzierten, naiven stil, ähnlich wie andreas schulze, präsentiert uns salvo sein sujet. erinnerungen an reale orte werden wach, doch das kolorit - das seinesgleichen sucht - taucht die szenerie in eine surreale traumwelt. die säulen schimmern orangebraun mit pinkvioletten schatten - kontrastiert von blau, grün, grau. eine besondere lichtstimmung verklärt die szene und nährt die sehnsucht nach mediterraner landschaft. kultur und natur verbinden sich, realität und traum, vergangenheit und präsens werden eins. das verstreichen der zeit wird uns betrachtenden ebenso bewusst wie die unendlichkeit eines moments, die salvo hier eingefangen hat. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n salvo (salvatore mangione) italien arte povera konzeptkunst nachkriegskunst unikate 2000er rahmen architektur gemälde öl landschaft","en":"salvo (salvatore mangione) \n 1947 leonforte/sizilien - 2015 turin \n \n \n title: \"capriccio\". \n \n date: 2006. \n \n technique: oil on wood. \n \n measurement: 70 x 50cm. \n \n notation: titled and signed verso top: 'capriccio' salvo. also illegibly inscribed here. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n a certificate of authenticity from the artist is available for this work. it is listed in the archivio salvo, turin, under the number s2006-123. \n \n provenance: \n - galleria d'arte la riva, giulianova \n - gallerie mazzoleni, turin (stamp) \n - private collection, italy \n \n \n - idyllic landscape depiction in fantastical colours, which seems to dissolve the concept of time \n \n - from salvo's most important series \n \n - an artist rediscovered in recent years, now highly sought after on the art market \n \n the italian art scene turin became the adopted home of salvatore mangione, born in sicily in 1947, who called himself salvo for short. although his art developed there in the context of conceptual art and arte povera, it developed into a completely independent style. he was in contact with artists such as mario merz, giuseppe penone and giulio paoli, and was particularly close friends with alighiero boetti. after experimenting with different materials, he returned to painting in 1973 and remained faithful to it. his engagement with art history runs like a red thread through his entire oeuvre. \n there is also a connection to cologne through salvo's professional and friendly relationship with paul maenz, whom he met in 1971 and who exhibited his work in his cologne gallery in the same year. the artist was also invited to the legendary \u2018project 74\u2019 exhibition in cologne. his works are shown at documenta 5 (1972) in kassel and the venice biennale (1976 and 1984) and are represented in the museum of modern art in new york, the museum boijmans van beuningen in rotterdam, the fondazione sandretto re rebaudengo in turin and many others. for some years now, salvo's work has been experiencing a revival: rediscovered and exhibited by renowned galleries such as the gladstone gallery, his visibility and value on the art market is increasing. \n \n \n \u2018capriccio\u2019 the painting presented here is from salvo's most important series of works, entitled \u2018capriccio\u2019, which characterises his oeuvre. the word \u2018capriccio\u2019 was established by the great vasari, the first chronicler of (predominantly italian) art history. it stands for creativity that challenges the established art canon. salvo joins the tradition of italian landscape or veduta painting, but he transcends the boundaries in a playful, dreamlike manner. \n the painting shows two upright columns in the centre, which appear to come from an ancient ruin. further column elements lie in front of them on the lush green lawn. these remnants of an advanced civilisation are located within a deserted, idyllic landscape with pine trees and cypresses in front of a body of water and a mountain. salvo presents his subject to us in a naive style reduced to the essentials, similar to andreas schulze. memories of real places come to mind, but the colouring - which is unparalleled - immerses the scenery in a surreal dream world. the columns shimmer orange-brown with pink-purple shadows - contrasted by blue, green and grey. a special lighting mood transfigures the scene and feeds the longing for a mediterranean landscape. culture and nature merge, reality and dream, past and present become one. we become aware of the passing of time as well as the infinity of a moment, which salvo has captured here. \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n salvo (salvatore mangione) arte povera conceptual art post-war art post war 2000s framed architecture painting oil landscape"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"46","title":{"de":"salvo (salvatore mangione): \"capriccio\"","en":"salvo (salvatore mangione): \"capriccio\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29328/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"soldPrice":50000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:32:58.848Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - 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westdeutsche kunstmesse köln \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (2002 auf vorheriger erworben) \n \n \n - spätwerk der großen polnischen künstlerin indem vermehrt anspielungen auf die tierwelt einfließen \n \n - der vogel als metaphorische kreatur in anspielung an die menschliche existenz \n \n - filigrane und fragile anmutung durch durchbrochenes drahtgeflecht \n \n \n sichtbarmachung einer polnischen lebensrealität \n magdalena abakanowicz wird 1930 in falenty, polen, geboren und damit in eine zeit und ein land, das von umbrüchen, krieg und existenziellen spannungen geprägt ist. ihre künstlerische haltung, ihre materialwahl und ihr beharrlicher drang nach ausdruck jenseits des offensichtlichen sind zeit ihres lebens durchdrungen von diesen frühen erfahrungen. zwischen 1950 und 1954 studiert sie an der akademie der bildenden künste in warschau malerei und textil. 1962 wird sie eingeladen, auf der ersten biennale für tapisserie in lausanne auszustellen. ihre \"abakans\", dreidimensionale gewebte arbeiten, bringen ihr in den 1960er jahren den internationalen durchbruch. sie ist damit eine der ersten polnischen nachkriegskünstlerinnen, die international eine stimme bekommt. von 1965 bis 1990 lehrt sie als professorin an der kunsthochschule in posen und prägt dort generationen von kunstschaffenden in polen und vertritt schließlich 1980 polen auf der biennale in venedig. \n in den 1970er jahren werden ihre werke zunehmend figürlich. abakanowicz lotet dabei immer die grenzen der figur aus. mensch und tier erscheinen bei ihr selten vollständig, oft sind sie kopflos, verstümmelt, reduziert auf fragmente ihres körpers. es entstehen werke, die zugleich verletzlich und monumental, anonym und tief individuell erscheinen. \n \n \n \"ptak-da\" \n das 1997 entstandene werk \"ptak-da\" (vogel) gehört in eine phase ihres schaffens, in der sie zunehmend metall und andere harte materialien verwendet. eisen und draht ersetzen zwar das gewebe, doch die struktur des geflechts bleibt erhalten. mit seinen maßen von 275 x 210 x 120cm nimmt das werk automatisch eine monumentale präsenz im raum ein. der vogel erhebt sich in den raum, nicht als naturgetreue darstellung, sondern als abstrakte andeutung eines geflügelten wesens. in dieser übersteigerung schwingt auch eine geste des widerstands: abakanowicz verwendet größe, maßstab und material als mittel des protests gegen begrenzung und normierung. \n die konstruktion aus draht und eisen verleiht dem werk eine offene, atmende struktur. der blick dringt hindurch und verfängt sich in den linien, die sich überlagern und verschränken. der draht erinnert an die schraffuren einer zeichnung, an den prozess des entwerfens und suchens, als hätte die künstlerin den flüchtigen moment einer skizze in raum und metall übersetzt. so entsteht eine paradoxe spannung: das schwere des materials trifft auf die leichtigkeit der bewegung. \n die vier flügel verstärken den eindruck des außergewöhnlichen, des unwirklichen. sie machen aus dem vogel ein mehrdeutiges, fast mystisches wesen. das motiv des kopflosen, das sich durch ihr gesamtes figürliches werk zieht, erscheint hier in einer besonders eindringlichen form. die kopflosigkeit verweigert identität und individualität, öffnet den blick auf etwas allgemeines. sie entzieht dem tier die eindeutigkeit, macht es zum symbol für leben, für bewegung, für den ständigen versuch, sich zu erheben. \n in \"ptak-da\" zeigt sich die konsequente entwicklung eines motivs, das abakanowicz über jahrzehnte begleitet. die wohl bekannteste umsetzung des vogels ist in milwaukee, wisconsin, usa auf der kilbourn avenue platziert. in \"birds of knowledge of good and evil\" von 2001 ragen sechs kopflose aluminiumvögel auf vier bis sechs meter hohen stangen in den himmel und tragen so einen entscheidenden beitrag zum stadtbild bei. (abb. 1) auch am ufer der oder in warschau wachen drei enthauptete vögel über die stadt. durch die positionierung im öffentlichen raum ist der kopflose vogel eines der bekanntesten motive abakanowicz' geworden. \n für abakanowicz ist kunst immer erfahrung, sie beschreibt ihre kunst selbst \"wie ein tagebuch meines lebens, mit all den enttäuschungen und sehnsüchten. indem ich damit arbeite, integriere ich mich in den gesamten kreislauf des daseins. kreativität ist kein beruf, sondern eine art zu existieren.\" (magdalena abakanowicz zit. nach park, betty: magdalena abakanowicz speaks: the renowned polish artist discusses her work and life, in: fiberarts, nr. 9, märz/april 1983, s. 11) \n sophie ballermann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n magdalena abakanowicz polen figurative kunst nachkriegskunst objekte 1990er vögel skulptur metall","en":"abakanowicz, magdalena \n 1930 falenty/poland - 2017 warsaw \n \n \n title: \"ptak-da\" (vogel). \n \n date: 1997. \n \n technique: iron and wire. \n \n measurement: 275 x 210 x 120cm. \n \n notation: titled, dated and with artist's signet front on the plinth: ptak-da 1997 am (ligated). \n \n provenance: \n - west german art fair cologne \n - private collection north rhine-westphalia (acquired from the previous owner in 2002) \n \n \n - late work by the great polish artist, in which allusions to the animal world are increasingly incorporated \n \n - the bird as a metaphorical creature alluding to human existence \n \n - delicate and fragile appearance due to the openwork wire mesh \n \n visualising a polish reality of life magdalena abakanowicz was born in falenty, poland, in 1930, at a time and in a country characterised by upheaval, war and existential tensions. her artistic approach, her choice of materials and her persistent drive for expression beyond the obvious are permeated by these early experiences throughout her life. between 1950 and 1954, she studied painting and textiles at the academy of fine arts in warsaw. in 1962, she was invited to exhibit at the first biennale of tapestry in lausanne. her \u2018abakans\u2019, three-dimensional woven works, brought her an international breakthrough in the 1960s. this made her one of the first polish post-war artists to gain an international voice. from 1965 to 1990, she taught as a professor at the academy of fine arts in poznan, where she influenced generations of artists in poland and finally represented poland at the venice biennale in 1980. \n in the 1970s, her works became increasingly figurative. abakanowicz always explored the boundaries of the figure. humans and animals rarely appear complete in her work; they are often headless, mutilated, reduced to fragments of their bodies. the resulting works appear both vulnerable and monumental, anonymous and deeply individual. \n \n \n \u2018ptak-da\u2019 the work \u2018ptak-da\u2019 (bird), created in 1997, belongs to a phase of her work in which she increasingly uses metal and other hard materials. iron and wire replace the mesh, but the structure of the weave is retained. with its dimensions of 275 x 210 x 120cm, the work automatically assumes a monumental presence in the room. the bird rises into the room, not as a lifelike representation, but as an abstract suggestion of a winged creature. a gesture of resistance also resonates in this exaggeration: abakanowicz uses size, scale and material as a means of protest against limitation and standardisation. \n the wire and iron construction lends the work an open, breathing structure. the viewer's gaze penetrates and becomes entangled in the lines, which overlap and intertwine. the wire is reminiscent of the hatching of a drawing, of the process of designing and searching, as if the artist had translated the fleeting moment of a sketch into space and metal. this creates a paradoxical tension: the heaviness of the material meets the lightness of movement. \n \n the four wings reinforce the impression of the extraordinary, the unreal. they turn the bird into an ambiguous, almost mystical creature. the motif of the headless, which runs through her entire figurative work, appears here in a particularly haunting form. the headlessness denies identity and individuality, opens the view to something general. it deprives the animal of unambiguity, making it a symbol of life, of movement, of the constant attempt to rise up. \n ptak-da\" shows the consistent development of a motif that has accompanied abakanowicz for decades. probably the best-known realisation of the bird is located on kilbourn avenue in milwaukee, wisconsin, usa. in \u2018birds of knowledge of good and evil\u2019 from 2001, six headless aluminium birds soar into the sky on poles four to six metres high, making a decisive contribution to the cityscape. (fig. 1) three decapitated birds also watch over the city on the banks of the oder in warsaw. due to its positioning in public space, the headless bird has become one of abakanowicz's best-known motifs. \n for abakanowicz, art is always an experience; she describes her art as \"like a diary of my life, with all its disappointments and longings. by working with it, i integrate myself into the entire cycle of existence. creativity is not a profession, but a way of existing.\" (magdalena abakanowicz quoted from park, betty: magdalena abakanowicz speaks: the renowned polish artist discusses her work and life, in: fiberarts, no. 9, march/april 1983, p. 11) \n sophie ballermann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n magdalena abakanowicz poland figurative art post-war art sculptures 1990s birds sculpture metal"},"estimateMax":100000,"lotNumber":"47","title":{"de":"magdalena abakanowicz: \"ptak-da\" (vogel)","en":"magdalena abakanowicz: \"ptak-da\" (vogel)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29329/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":56000,"soldPrice":75000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:32:58.850Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac70,000 - 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kiefer wurde 2023 geehrt mit dem preis der deutschen nationalstiftung und dem großen verdienstkreuz mit stern \n \n \n geschichte, mythos und kollektive erinnerung \n anselm kiefer gehört zu den einflussreichsten künstlerpersönlichkeiten der gegenwart. geboren 1945 in donaueschingen, entwickelt er seit den 1970er jahren ein werk, das für seine monumentalen gemälde und installationen bekannt ist und sich mit themen wie geschichte, mythologie und erinnerung auseinandersetzt. während seiner gesamten laufbahn hat sich kiefer mit der deutschen geschichte und kultur beschäftigt und sich mit der komplexität der nationalen identität und der last der vergangenheit auseinandergesetzt. seine arbeiten zeichnen sich durch eine kraftvolle materialität und eine tief verwobene symbolik aus. kiefer arbeitet mit blei, asche, erde, haaren oder organischen stoffen - materialien, die transformation und vergänglichkeit nicht nur darstellen, sondern physisch erfahrbar machen. sie zeigen oft weite landschaften, architektonische ruinen und symbolische bilder, die themen wie zerstörung, wiedergeburt und das vergehen der zeit ansprechen. \n \n \n \"berenice\" \n das werk \"berenice\" aus dem jahr 2002 vereint auf exemplarische weise die poetische und zugleich archaische bildsprache des künstlers. über einer in kühlen graublau-tönen gehaltenen szenerie einer architektonischen ruinenlandschaft erhebt sich ein nächtlicher himmel mit einem surreal anmutenden gebilde, das an einen kamm oder eine treppe erinnert. aus diesem entspringen lange, dunkle haarsträhnen, die sich frei über das bildfeld legen und den bildraum durchziehen. die titelgebende berenice verweist auf die hellenistische königin, deren haaropfer nach antiker überlieferung als sternbild in den himmel erhoben wurde. berenice oder berenike lebte von etwa 270 bis 221 v. chr. und war die gemahlin des ägyptischen königs ptolemaios iii. als dieser in den 3. syrischen krieg zog, versprach sie der liebesgöttin aphrodite, ihr prachtvolles haar zu opfern, sollte ihr gemahl siegreich und unversehrt heimkehren. das haar der berenike ist das einzige der heutigen sternbilder, das nach einer historischen person benannt ist. in der hellenistischen epoche wurde die konstellation im jahr 245 v. chr. von dem astronomen konon von samos und dem dichter kallimachos nach der damaligen pharaonin berenike ii. benannt. kiefer übersetzt diesen mythischen moment in eine bildsprache, in der opfer, verwandlung und erinnerung ineinander verschmelzen. die materialität des echten haares verleiht der szene eine eigentümliche lebendigkeit und eine fast intime körperlichkeit, die in starkem kontrast zur distanzierten ruinenlandschaft steht. \"berenice\" steht innerhalb von kiefers werk für eine phase intensiver auseinandersetzung mit antiken mythen als kollektive speicher kultureller identität. die kombination aus mythologischer erzählung, architektonischen elementen und organischem material ist charakteristisch für seine arbeiten der frühen 2000er jahre. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n anselm kiefer deutschland neoexpressionismus neue historienmalerei zeitgenössische kunst unikate 2000er rahmen abstrakt collage fotografie und öl stadtansicht","en":"kiefer, anselm \n 1945 donaueschingen \n \n \n title: berenice. \n \n date: 2002. \n \n technique: paint and collage over black-and-white photography on \n \n measurement: 101.5 x 74.5cm. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - yvon lambert, paris (adhesive label) \n - private collection, north rhine-westphalia (directly from the artist) \n \n \n - high symbolic power through a diverse selection of materials \n \n - his incorporation of mythological themes is always also an engagement with the german past \n \n - kiefer was honoured in 2023 with the prize of the german national foundation and the grand cross of the order of merit with star \n \n history, myth and collective memory anselm kiefer is one of the most influential artists of our time. born in donaueschingen in 1945, he has been developing a body of work since the 1970s that is known for its monumental paintings and installations and explores themes such as history, mythology and memory. throughout his career, kiefer has explored german history and culture, grappling with the complexities of national identity and the burden of the past. his works are characterised by a powerful materiality and deeply interwoven symbolism. kiefer works with lead, ash, earth, hair or organic materials - materials that not only represent transformation and transience, but make them physically tangible. they often depict vast landscapes, architectural ruins and symbolic images that address themes such as destruction, rebirth and the passing of time. \n \n \n \u2018berenice\u2019 the work \u2018berenice\u2019 from 2002 unites the artist's poetic and archaic visual language in an exemplary way. a nocturnal sky with a surreal-looking structure reminiscent of a comb or a staircase rises above a scene of architectural ruins in cool grey-blue tones. long, dark strands of hair emerge from it, lying freely across the picture field and traversing the pictorial space. the eponymous berenice refers to the hellenistic queen whose hair sacrifice was raised into the heavens as a constellation according to ancient tradition. berenice or berenice lived from around 270 to 221 bc and was the wife of the egyptian king ptolemy iii. when he went to war in the 3rd syrian war, she promised the goddess of love aphrodite that she would sacrifice her magnificent hair if her husband returned home victorious and unharmed. berenice's hair is the only one of today's constellations to be named after a historical figure. in the hellenistic era, the constellation was named after the then pharaoh berenice ii in 245 bc by the astronomer konon of samos and the poet kallimachos. kiefer translates this mythical moment into a visual language in which sacrifice, transformation and memory merge. the materiality of the real hair lends the scene a peculiar liveliness and an almost intimate physicality that stands in stark contrast to the distanced landscape of ruins. within kiefer's oeuvre, \u2018berenice\u2019 stands for a phase of intensive exploration of ancient myths as collective repositories of cultural identity. the combination of mythological narrative, architectural elements and organic material is characteristic of his works from the early 2000s. \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n anselm kiefer germany neo-expressionism new history painting contemporary art post war 2000s framed abstract collage photograph and oil cityscape"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"48","title":{"de":"anselm kiefer: berenice","en":"anselm kiefer: berenice"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29330/view","tags":["daFineart_MixedMedia","daFineart_Photography","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:32:58.854Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - 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privatsammlung (von vorheriger erworben) \n - christie's london, auktion 15474, 7.3.2018, lot 131 (aufkleber) \n - privatsammlung niederlande \n \n \n - besticht durch die für penck so charakteristische symbolhafte bildsprache \n \n - die 1980er jahre stehen für eine der wichtigsten werkphasen des künstlers \n \n -kontraststarkes werk, das pencks visuelles denken veranschaulicht \n \n -mit seinen abstrahierten formen beschreibt penck die beziehung des menschen zu seiner umgebung \n \n \n bedeutungsvolles pseudonym \n a.r. penck gilt als vater der \"neuen wilden\" und gehört zu den hauptvertretern einer neuen deutschen malerei in den 1980er jahren. 1939 als ralf winkler in dresden geboren, ist der dreifache documenta-teilnehmer (1972, 1982 und 1992) eingebettet in das repressive politische system der ddr, das seine unangepassten künstlerischen bestrebungen massiv einschränkt. das pseudonym \"a.r. penck\" wählt er unter bedachtem rückgriff auf den geologen und eiszeitforscher albrecht penck (1858-1945), da er in der archaischen höhlenmalerei und archäologie die grundlagen seines eigenen künstlerischen ausdrucks erkennt. ausgehend von der analogie zwischen komprimierten gesteinsschichten und verdichteter information entwickelt penck eine bildsprache aus zeichen und symbolen. in der abstraktion findet er einen authentischen ausdruck und die befreiung von der realitätsgebundenen darstellung des sichtbaren - vor allem aber von den zwängen des sozialistischen realismus. \n \n \n allgemeingültige bildformeln: das standart-system \n penck emanzipiert sich durch die erschaffung eines persönlichen referenzsystems, in das neben künstlerische und gesellschaftliche fragestellungen auch ideen aus philosophie, naturwissenschaft, informationstheorie und technik einfließen. vor allem sein interesse für physik, speziell die mechanik, äußert sich in aufzeichnungen mit grafischen darstellungen von vektoren, maßeinteilungen und sich durchdringenden kraftfeldern. penck vertritt den anspruch, mit seiner kunst wissenschaft zu betreiben und komplizierte sachverhalte mit der größtmöglichen klarheit darzustellen. allerdings stehen weniger maschinen, sondern der mensch in seinen beziehungen und sozialen strukturen im mittelpunkt von pencks bildforschungen. \n mit der reduktion auf einfache geometrische formen und vektoren entwickelt penck jene zum inbegriff seiner kunst gewordenen chiffren und strichfiguren, die das \"standardisierte\" vokabular seines \"standart\"-systems bestimmen. \"ein standart ist ein bild nur dann, wenn es in seiner struktur so einfach ist, dass jeder es perzipieren und imitieren kann... verkehrszeichen, warenzeichen, schilder gehören zu standart. ich wiederhole: nicht die primitivität ist kennzeichen eines standart, sondern der operationelle zugriff hinsichtlich der tatsächlichen perzeption und imitation eines standart-bildes.\" (a.r penck zit. nach a.r.penck: was ist standart, köln, new york 1970, o.s.) \n \n \n kämpferische soldatengestalt \n a.r. penck, gegen den 1962 ein ausstellungsverbot verhängt wurde, unterhält bis zu seiner ausbürgerung 1980 enge verbindungen zur westdeutschen kunstszene. eine entscheidende rolle bei der erfolgreichen und weitreichenden internationalen verbreitung seines werks kommt seinem freund und galeristen michael werner zu. in dessen kölner galerie wird \"the future of the soldier\" (1985) erstmals ausgestellt. das gemälde besticht durch die charakteristische zeichenhaftigkeit der versammelten bildelemente und eine stark kontrastierende farbgebung. in die flüssige malmaterie des grauen untergrunds sind spontane linien skizziert, dadurch mutet dieser wie ein palimpsest vergangener spuren an. runde, sowie drei- vier und fünfeckige (ur-)formen in braun und schwarz sind darauf flächig angeordnet. aus diesem gedämpften farbspektrum, das erde und steine bezeichnet, tritt in loderndem feuerrot ein strichmännchen in kämpferischer körperhaltung hervor, gerüstet mit einem langen speer und einer kugel, vielleicht als ikonografischer verweis auf darstellungen des jüngsten gerichts und christus als weltenherrscher. \n \n \n schaubild der systemkritik? \n der speer, dessen spitzen hier in entgegengesetzte richtungen weisen, korrespondiert in form und farbe mit den umgekehrten ausrufezeichen am linken bildrand. die verbindung speer-pfeil- ausrufezeichen, aber auch von polygonen-steinen verdeutlicht pencks visuelles denken: die welt und ihre konflikte, etwa zwischen ost und westdeutschland schematisch wie auf einem schaubild zu beschreiben. so erscheint sein stark stilisierter protagonist als verkörperung von widerstand und wehrhaftigkeit. a.r. penck begreift den menschen als teil eines universellen beziehungsgefüges, das die gesellschaft und umwelt einschließt. seine subjektiven \"welt- und systembilder\", sowie \"erlebnisräume\" sind veranschaulichungen von (spannungs-)verhältnissen und \"haltungsabhängigkeiten\": etwa zwischen individuum und kollektiv, zwischen figur und grund. als phänomenologisch motivierte übersichten erlangen sie schließlich allgemeingültigkeit. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n a.r. penck deutschland neoexpressionismus figurative malerei neue wilde nachkriegskunst unikate 1980er atelierleiste figur / figuren gemälde öl abstrakt","en":"penck, a.r. \n 1939 dresden - 2017 zurich \n \n \n title: \"the future of the soldier\". \n \n date: 1985. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 80 x 140cm. \n \n notation: titled and signed verso on the stretcher at the top: the future of the soldier ar. penck. \n \n frame/pedestal: studio bar. \n \n provenance: \n - galerie michael werner, cologne (adhesive label) \n - mary boone, new york (adhesive label) \n - private collection (acquired from previous owner) \n - christie's london, auction 15474, 7th march 2018, lot 131 (adhesive label) \n - private collection, netherlands \n \n \n - captivates with the symbolic imagery so characteristic of penck \n \n - the 1980s represent one of the artist's most important periods \n \n - a work of high contrast that illustrates penck's visual thinking \n \n - with his abstracted forms, penck depicts the relationship between humankind and its environment \n \n significant pseudonym a.r. penck is regarded as the father of the \u2018neue wilde\u2019 and is one of the main representatives of new german painting in the 1980s. born ralf winkler in dresden in 1939, the three-time documenta participant (1972, 1982 and 1992) was embedded in the repressive political system of the gdr, which severely restricted his non-conformist artistic endeavours. he chose the pseudonym \u2018a.r. penck\u2019 in deliberate reference to the geologist and ice age researcher albrecht penck (1858-1945), as he recognised the foundations of his own artistic expression in archaic cave painting and archaeology. based on the analogy between compressed layers of rock and condensed information, penck developed a pictorial language of signs and symbols. in abstraction, he found an authentic expression and liberation from the reality-bound representation of the visible - but above all from the constraints of socialist realism. \n \n \n universally valid pictorial formulas: the standart system penck emancipated himself by creating a personal reference system that incorporated ideas from philosophy, natural science, information theory and technology alongside artistic and social issues. above all, his interest in physics, especially mechanics, is expressed in notes with graphic representations of vectors, scale divisions and interpenetrating force fields. penck claimed to pursue science with his art and to depict complicated facts with the greatest possible clarity. however, penck's pictorial research focuses less on machines and more on people in their relationships and social structures. \n by reducing his work to simple geometric forms and vectors, penck developed the ciphers and line figures that have become the epitome of his art and that define the \u2018standardised\u2019 vocabulary of his \u2018standart\u2019 system. \"a picture is only a standard if its structure is so simple that anyone can perceive and imitate it... traffic signs, trade marks, signs belong to the standard. i repeat: it is not the primitiveness that characterises a standard, but the operational access with regard to the actual perception and imitation of a standard image.\" (a.r. penck quoted from a.r. penck: was ist standart, cologne, new york 1970, n.p.) \n \n \n militant soldier figure a.r. penck, who was banned from exhibiting in 1962, maintained close ties to the west german art scene until his expatriation in 1980. his friend and gallery owner michael werner played a decisive role in the successful and far-reaching international dissemination of his work. the future of the soldier (1985) was exhibited for the first time in his cologne gallery. the painting captivates with the characteristic symbolism of the assembled pictorial elements and a strongly contrasting colour scheme. spontaneous lines are sketched into the fluid painting material of the grey background, giving it the appearance of a palimpsest of past traces. round, triangular, quadrangular and pentagonal (archetypal) shapes in brown and black are arranged on the surface. out of this muted colour spectrum, which denotes earth and stones, a stick figure emerges in blazing fiery red in a combative posture, armed with a long spear and a ball, perhaps as an iconographic reference to depictions of the last judgement and christ as the ruler of the world. \n \n \n an illustration of criticism of the system? the shape and colour of the spear, the points of which are pointing in opposite directions, correspond to the inverted exclamation marks on the left-hand edge of the picture. the combination of spear, arrow and exclamation mark, but also of polygons and stones, illustrates penck's visual thinking: describing the world and its conflicts, for example between east and west germany, schematically as if on a diagram. his highly stylised protagonist thus appears as the embodiment of resistance and fortitude. a.r. penck understands the human being as part of a universal relationship structure that includes society and the environment. his subjective \u2018world and system images\u2019 and \u2018experiential spaces\u2019 are visualisations of (tense) relationships and \u2018postural dependencies\u2019: for example, between the individual and the collective, between figure and ground. as phenomenologically motivated overviews, they ultimately attain universal validity. \n bettina haiss \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n a.r. penck germany neo-expressionism figurative painting neue wilde post-war art post war 1980s studio bar figure / figures painting oil abstract"},"estimateMax":150000,"lotNumber":"49","title":{"de":"a.r. penck: \"the future of the soldier\"","en":"a.r. penck: \"the future of the soldier\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29331/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":80000,"soldPrice":90000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:32:58.861Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac100,000 - 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privatsammlung süddeutschland (2014 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - galerie kutter, luxemburg 1983 \n \n literatur: \n - davidson, amanda a.: the sculpture of william turnbull, hertfordshire 2005, wvz.-nr. 206, abb. \n \n \n -turnbulls reduzierte formensprache beansprucht universelle symbolische gültigkeit und spirituelle ausstrahlung \n \n -das werk betont die schlichtheit der form und die natürliche beschaffenheit des materials \n \n \n paris - london \n völlig losgelöst von kulturellen, geografischen und historischen grenzverläufen entfaltet sich das werk von william turnbull im übergang zwischen archaischer und moderner formensprache. der schottische künstler gilt als einer der bedeutendsten künstler großbritanniens der nachkriegszeit. bereits als jugendlicher arbeitet er als zeichner in einem zeitungsverlag und lernt dabei illustratoren und comiczeichner kennen. dadurch kultiviert er schon früh eine kunstauffassung, die nicht zwischen high und low, progressiv und primitiv unterscheidet. während des zweiten weltkriegs dient er in der royal air force und nimmt erst 1946 ein offizielles studium an der londoner slade school auf. in paris, wohin er 1948 zieht, bewegt sich turnbull im umkreis der surrealisten und tritt in kontakt zu alberto giacometti, constantin brancusi und jean hélion, deren bildhauerisches schaffen ihm wichtige künstlerische impulse vermittelt. zurück in london schließt sich turnbull 1950 der \"independent group\" an, zu der unter anderem richard hamilton und eduardo paolozzi gehören. durch ihre einbeziehung der trivialkultur wie werbung und massenmedien in den kunstbegriff markiert sie den anfang der britischen pop art. \n \n \n skulpturale essenz \n trotz seiner aufgeschlossenheit gegenüber zeitgenössischen tendenzen wahrt turnbull stets eine unabhängigkeit von strömungen und stilistischen vereinnahmungen und wendet sich einfachen formen aus prähistorischer zeit und kunsttraditionen außerhalb der westlichen welt zu. in anlehnung an die japanische ästhetik strebt er nach einer schönheit in der schlichtheit der form, um der natürlichen beschaffenheit des verwendeten materials ausdruck zu verleihen. mittels der reduktion von gestalt und den ausgewogen symmetrischen proportionen hebt turnbull die eigenwertigkeit von bronze, stein und holz hervor. gerade in ihrer verbindung zur ur- und frühgeschichte des menschen wohnt diesen materialien eine zeitlose qualität inne. turnbulls fast spirituelle suche nach der essenz in jedem objekt führt ihn zu den frühesten zeugnissen von kultur und zivilisation, die er unter anderem im british museum antrifft. in anlehnung an die universelle gültigkeit ihrer formensprache erscheinen auch seine skulpturen wie anthropologische archetypen. \n während er in den 1960er jahren einflüsse der gestischen abstraktion, der farbfeldmalerei und hard edge aufgreift, kehrt turnbull in den 1970er jahren zurück zur reduzierten formgebung seiner abstrakten, stilisierten figuren und objekte, die er bis an sein lebensende beibehält. \n \n \n männlichkeit und weiblichkeit der \"metamorphic venus\" \n turnbull schafft totemartige säulen, masken, köpfe oder idole, aber auch pferdehäupter und skulpturen, die an primitive werkzeuge oder kultgegenstände erinnern. aufgrund der zeichenhaften, metaphorischen qualität der werke stellt die wechselvolle beziehung von form und inhalt ein zentrales künstlerisches anliegen dar: \"ich habe mich schon immer sehr für metamorphosen interessiert. mehrdeutigkeit kann einem bild einen breiten bezugsrahmen geben . sie schafft querverweise zwischen etwas, das wie ein objekt aussieht, und etwas, das wie ein bild aussieht. für mich gibt es beim schaffen von skulpturen immer diese spannung zwischen der skulptur als objekt und der skulptur als bild.\" (william turnbull zit. nach ausst. kat. william turnbull - sculpture and paintings, london, waddington galleries, 1998, s. 5) auch \"metamorphic venus\" (1981) veranschaulicht das transformative potenzial in dem verhältnis zwischen einem konkreten gegenstand und den ihm anhaftenden ideellen werten. aufgrund ihrer radikalen vereinfachung ist die figur der venus uneindeutig, ähnelt sie doch eher einer pfeil- oder speerspitze. während man zunächst in der braun patinierten form ein primitives werkzeug erkennt, bezeichnen zarte linien und schwach angedeutete binnenformen anatomische details der venus: ein vertikal verlaufender grat verleiht dem gesicht auf dem \"schaftstück\" profil, in der mitte des ausladenden korpus lassen sich zwei knospenähnliche erhebungen als brüste identifizieren, während ein eingeritztes \"t\" den unterleib von den beinen trennt. feine linien kennzeichnen hände und füße. mit dem verweis auf \"venus\" verbindet turnbull das uralte fruchtbarkeitsmotiv mit der römischen göttin der liebe, sinnbildhafte verkörperung von schönheit. zugleich vereint die form kulturgeschichtlich tief verankerte gegensätze \"körper\" und \"technik\", die ihrerseits auf binäre konzepte von weiblichkeit und männlichkeit, natur und kultur weisen. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n william turnbull england abstraktion nachkriegskunst objekte 1980er frau skulptur bronze","en":"turnbull, william \n dundee/scotland 1922 - 2012 \n \n \n title: metamorphic venus. \n \n date: 1981. \n \n technique: bronze, brown patina. \n \n measurement: 53 x 32.5 x 6 cm. on a wooden base. total height: 58 cm.cm. \n \n notation: artist's signature, dated and numbered verso lower right: t (circled) 81 5/6. \n \n number: 5/6. \n \n provenance: \n - private collection, london (directly from the artist) \n - waddington custody galleries, london \n - private collection, southern germany (acquired from the previous owner in 2014) \n \n exhibitions: \n - galerie kutter, luxembourg, 1983 \n \n literature: \n - davidson, amanda a.: the sculpture of william turnbull, hertfordshire, 2005, cat. rais. no. 206, ill. \n \n \n - turnbull's reduced formal language claims universal symbolic validity and spiritual radiance \n \n - the work emphasizes the simplicity of form and the natural quality of the material \n \n paris - london completely detached from cultural, geographical and historical boundaries, william turnbull's work unfolds in the transition between archaic and modern formal language. the scottish artist is regarded as one of the most important artists of post-war britain. as a teenager, he already worked as a draughtsman in a newspaper publishing house and became acquainted with illustrators and comic artists. as a result, he cultivated a view of art early on that did not differentiate between high and low, progressive and primitive. during the second world war, he served in the royal air force and did not officially study at the slade school in london until 1946. in paris, where he moved in 1948, turnbull moved in the circle of the surrealists and came into contact with alberto giacometti, constantin brancusi and jean hélion, whose sculptural work provided him with important artistic impulses. back in london, turnbull joined the \u2018independent group\u2019 in 1950, which included richard hamilton and eduardo paolozzi. by incorporating trivial culture such as advertising and mass media into the concept of art, it marked the beginning of british pop art. \n \n \n sculptural essence despite his open-mindedness towards contemporary tendencies, turnbull always maintained an independence from trends and stylistic appropriations and turned to simple forms from prehistoric times and art traditions outside the western world. inspired by japanese aesthetics, he strives for beauty in the simplicity of form in order to express the natural nature of the material used. through the reduction of form and balanced symmetrical proportions, turnbull emphasises the intrinsic value of bronze, stone and wood. these materials have a timeless quality, particularly in their connection to the prehistory and early history of mankind. turnbull's almost spiritual search for the essence in every object leads him to the earliest evidence of culture and civilisation, which he encounters in the british museum, among other places. based on the universal validity of their formal language, his sculptures also appear like anthropological archetypes. \n while in the 1960s he took up influences from gestural abstraction, colour field painting and hard edge, in the 1970s turnbull returned to the reduced forms of his abstract, stylised figures and objects, which he retained until the end of his life. \n \n \n masculinity and femininity of the \u2018metamorphic venus\u2019 turnbull created totem-like columns, masks, heads or idols, but also horse heads and sculptures reminiscent of primitive tools or cult objects. due to the symbolic, metaphorical quality of the works, the changing relationship between form and content is a central artistic concern: \"i have always been very interested in metamorphosis. ambiguity can give a picture a broad frame of reference. it creates cross-references between something that looks like an object and something that looks like a picture. for me, in making sculpture, there is always this tension between sculpture as object and sculpture as image.\" (william turnbull quoted from exhib. cat. william turnbull - sculpture and paintings, london, waddington galleries, 1998, p. 5 \u2018metamorphic venus\u2019 (1981) also illustrates the transformative potential in the relationship between a concrete object and the ideal values attached to it. due to its radical simplification, the figure of venus is ambiguous, resembling more of an arrowhead or spearhead. while a primitive tool is initially recognisable in the brown patinated form, delicate lines and faintly suggested internal shapes denote anatomical details of venus: a vertical ridge gives the face on the \u2018shaft piece\u2019 profile, two bud-like protrusions in the centre of the protruding body can be identified as breasts, while an incised \u2018t\u2019 separates the abdomen from the legs. fine lines characterise the hands and feet. with the reference to \u2018venus\u2019, turnbull links the ancient fertility motif with the roman goddess of love, the symbolic embodiment of beauty. at the same time, the form unites opposites of \u2018body\u2019 and \u2018technology\u2019 that are deeply rooted in cultural history, which in turn point to binary concepts of femininity and masculinity, nature and culture. \n bettina haiss \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n william turnbull england abstraction post-war art sculptures 1980s woman sculpture bronze"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"50","title":{"de":"william turnbull: metamorphic venus","en":"william turnbull: metamorphic venus"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29332/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:32:58.863Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - 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james fitzsimmons, new york \n - hans-jürgen müller, stuttgart \n - privatsammlung norddeutschland \n \n \n - charakteristische, kontrastreiche gouache der großen, britischen op-art künstlerin \n \n - ihre schwarz-weißen linienbilder der 1960er jahre zählen zu den gefragtesten werken \n \n - riley erlangte 1965 internationale anerkennung durch die teilnahme an der wegweisenden ausstellung \"the responsive eye\" im moma in new york \n \n \n wege zur op-art \n bridget louise riley, geboren 1931 in london, studiert von 1949 bis 1952 am goldsmiths college und anschließend bis 1955 am royal college of art in london. zunächst sind ihre werke pointilistisch, inspiriert von georges seurat, bevor sie anfang der 1960er jahre beginnt, sich intensiv mit optischen phänomenen und wahrnehmungsprozessen auseinanderzusetzen. 1961 löst sie sich endgültig von der gegenständlichen malerei, ein schritt, der ihre künstlerische sprache radikal erneuert: mit einer reduzierten, präzise kalkulierten formensprache aus linien, kurven, kreisen und dreiecken, untersucht riley die gesetze von rhythmus, bewegung und wahrnehmung. ihre kunst entsteht aus planung und berechnung, bildet einen bewussten gegensatz zu dem klischeehaften ideal des spontanen künstlergenies. \n \n \n 1965 - der beginn einer internationalen erfolgsgeschichte \n das jahr 1965 markiert den internationalen durchbruch der künstlerin. ihre teilnahme an der legendären ausstellung \"the responsive eye\" im museum of modern art in new york, kuratiert von william c. seitz, in der die wichtigsten vertreter der op-art bewegung ausgestellt werden, macht sie über nacht weltberühmt. im selben jahr hat sie eine einzelausstellung in der richard feigen gallery in new york, bei der das motiv des hier vorgestellten werks das ausstellungsplakat ziert. zugleich wird es zum cover der februarausgabe der zeitschrift \"art international\". in diesem jahr rückt rileys kunst und vor allem ihre formensprache in den fokus des kommerzes: werbungen und schaufenster spielen mit der ästhetik ihrer werke und plagiieren sie zahlreich. damit ist \"ohne titel\" nicht nur ein schlüsselwerk in rileys oeuvre, sondern auch ein symbol für den moment, in dem ihre kunst zu einem kulturellen phänomen wird. \n bis 1967 arbeitet riley ausschließlich in schwarz und weiß. erst danach wendet sie sich der farbe zu, ohne die strenge systematik ihrer bildkonstruktionen aufzugeben. 1968 vertritt bridget riley großbritannien auf der biennale von venedig und wird als erste frau mit dem preis für malerei ausgezeichnet. \n \n \n ein angriff auf die sehgewohnheiten \n die komposition besteht aus einer serie eng gesetzter, parallel verlaufender kurven in schwarz und weiß. die linien scheinen sich über eine unsichtbare oberfläche zu wölben, wodurch der eindruck eines oszillierenden raumes entsteht. bei der betrachtung des werks entsteht ein fließendes spiel von bewegung und gegenbewegung. diese visuelle instabilität, die den blick zugleich fesselt und irritiert, bildet den kern von rileys oeuvre. der betrachtende wird so zu einem aktiven teilnehmenden, komplizen und zeugen zugleich, in einem optischen experiment, das die wahrnehmung herausfordert und destabilisiert. mit ihren parallellaufenden wellenlinien ist die hier vorgestellte arbeit teil einer serie prominenter werke wie beispielsweise \"fall\" von 1963, welches teil der sammlung der tate britain ist oder auch \"current\" von 1964, das zum cover des katalogs der ausstellung \"the responsive eye\" ausgewählt wurde. feine abriebspuren und klebereste an den unbemalten rändern des werkes, sind spannende zeugnisse eines arbeitsprozesses zur herstellung der lithografie, für die das vorliegende werk als vorlage genutzt wurde. \n das werk ohne titel von 1965 verdichtet die wesentlichen elemente von rileys kunst: intellektuelle präzision und ein faszinierendes spiel zwischen werk und wahrnehmung. die scheinbar einfachen linien entfalten eine unmittelbare, körperlich spürbare bewegung, die das auge in schwingung versetzt. ein werk, das nicht stillsteht, sondern lebt, sobald es betrachtet wird. \n sophie ballermann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n bridget louise riley unikate 1960er linie papierarbeit gouache abstrakt","en":"riley, bridget louise \n 1931 london \n \n \n title: untitled (work drawing). \n \n date: 1964/65. \n \n technique: gouache and drawing on cardboard g-w no. i. \n \n measurement: 71.5 x 54.5cm. \n \n notation: inscribed upper right: bridget riley. additionally inscribed verso: james fitzsimmons. \n \n this work is a printing plate for a lithograph. it was used for the cover of art international, vol. ix, 1965 (fig. 1). the motif was also selected for the exhibition poster of the richard feigen gallery, new york, where bridget riley had an exhibition in 1965 (fig. 2). \n \n we thank the bridget riley archive, london, for their kind scholarly advice and art historical contextualization of the work. as it is a printing plate, it will not be assigned an archive number. \n \n provenance: \n - james fitzsimmons, new york \n - hans-jürgen müller, stuttgart \n - private collection, northern germany \n \n \n - characteristic, high-contrast gouache by the great british op art artist \n \n - her black and white line paintings from the 1960s are among her most sought-after works \n \n - riley achieved international recognition in 1965 through her participation in the groundbreaking exhibition \"the responsive eye\" at moma in new york \n \n paths to op art bridget louise riley, born in london in 1931, studied at goldsmiths college from 1949 to 1952 and then at the royal college of art in london until 1955. her early works were pointillist, inspired by georges seurat, before she began to focus intensively on optical phenomena and processes of perception in the early 1960s. in 1961, she finally broke away from representational painting, a step that radically renewed her artistic language: using a reduced, precisely calculated formal language of lines, curves, circles, and triangles, riley explored the laws of rhythm, movement, and perception. her art was the result of planning and calculation, forming a conscious contrast to the clichéd ideal of spontaneous artistic genius. \n \n \n 1965 - the beginning of an international success story the year 1965 marks the artist's international breakthrough. her participation in the legendary exhibition \u201cthe responsive eye\u201d at the museum of modern art in new york, curated by william c. seitz, which showcases the most important representatives of the op art movement, makes her world-famous overnight. in the same year, she had a solo exhibition at the richard feigen gallery in new york, where the motif of the work presented here adorned the exhibition poster. at the same time, it became the cover of the february issue of the magazine \u201cart international.\u201d that year, riley's art, and especially her formal language, became the focus of commercial attention: advertisements and shop windows played with the aesthetics of her works and plagiarized them extensively. thus, \u201cuntitled\u201d is not only a key work in riley's oeuvre, but also a symbol of the moment when her art became a cultural phenomenon. \n until 1967, riley worked exclusively in black and white. only then did she turn to color, without abandoning the strict systematics of her pictorial constructions. in 1968, bridget riley represented great britain at the venice biennale and became the first woman to be awarded the prize for painting. \n \n \n an attack on viewing habits the composition consists of a series of closely spaced, parallel curves in black and white. the lines appear to arch over an invisible surface, creating the impression of an oscillating space. when viewing the work, a fluid interplay of movement and counter-movement emerges. this visual instability, which simultaneously captivates and irritates the viewer, forms the core of riley's oeuvre. the viewer thus becomes an active participant, accomplice, and witness in an optical experiment that challenges and destabilizes perception. with its parallel wavy lines, the work presented here is part of a series of prominent works such as \u201cfall\u201d from 1963, which is part of the tate britain collection, and \u2018current\u2019 from 1964, which was selected for the cover of the catalog for the exhibition \u201cthe responsive eye.\u201d fine traces of abrasion and adhesive residue on the unpainted edges of the work are exciting evidence of the working process involved in producing the lithograph for which this work was used as a template. \n the untitled work from 1965 condenses the essential elements of riley's art: intellectual precision and a fascinating interplay between work and perception. the seemingly simple lines unfold an immediate, physically perceptible movement that sets the eye in motion. a work that does not stand still, but comes to life as soon as it is viewed. \n sophie ballermann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n bridget louise riley post war 1960s line works on paper gouache abstract"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"51","title":{"de":"bridget louise riley: ohne titel (work drawing)","en":"bridget louise riley: untitled (work drawing)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29333/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart_DrawingsandPastels","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"soldPrice":250000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:02.509Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - 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gallery leo castelli and larry gagosian, new york \n - asher b. edelman \n - privatsammlung \n \n ausstellungen: \n - gallery leo castelli and larry gagosian, new york 1990/91 \n - whitney museum of american art, new york 1991 (biennale) \n - fondation asher edelman, musée d'art contemporain, lausanne 1991-1995 \n - plutschow gallery und edelman arts, zürich 2019 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. biennial exhibition, whitney museum of american art, new york 1991, s. 278, abb. (hier betitelt: raft of medusa, part ii and part iii) \n - ausst.-kat. selection: oeuvres de la collection, fae (fondation asher edelman), musée d'art contemporain, lausanne 1991, s. 154 \n - wallace, robert k.: frank stella's moby dick: words and shapes, michigan 2000, s. 207, kat.-nr. 227, abb. \n \n \n - allansichtig spektakuläres werk von musealer qualität \n \n - eines der ersten bodenobjekte in dem vielfältigen oeuvre stellas \n \n - teil des moby-dick-zyklus, in der er intensiv den roman von hermann melvilles bildlich verarbeitet \n \n - monumentales sinnbild für überleben, wandel und schöpferische energie im angesicht des verfalls \n \n \n der grenzgänger des 20. jahrhunderts \n frank stella produziert in über 60 jahren schaffenszeit tausende von werken und prägt wie kaum ein anderer mit seinem radikalen umgang mit form, farbe und raum das verständnis von malerei und skulptur im 20. und 21. jahrhundert. \n geboren in malden, massachusetts, studiert stella vorerst an der phillips academy in andover und später an der renommierten princeton university. nach seinem umzug nach new york im jahr 1958 gerät er in das zentrum der pulsierenden avantgarde-szene. früh macht er mit den \"black paintings\" auf sich aufmerksam, die durch ihre strenge, serielle struktur den grundstein für die minimal art legen. \n in den folgenden jahrzehnten entwickelt stella seine praxis konsequent weiter: von geometrischen farbfeld-kompositionen über reliefartige arbeiten bis hin zu großformatigen, raumgreifenden konstruktionen, die malerei und skulptur miteinander verschränken. immer wieder durchbricht er grenzen und lotet die möglichkeiten abstrakter kunst neu aus. \n stellas werk wird früh international anerkannt: bereits 1970 widmet ihm das museum of modern art in new york als jüngstem künstler seiner zeit eine große retrospektive. zahlreiche ausstellungen in den führenden häusern weltweit folgen, ebenso wie prestigeträchtige auszeichnungen, darunter 2009 der national medal of arts. \n \n \n der umschwung vom minimalisten zum maximalisten \n frank stellas monumentales werk \"the dying whale (incorporating the hat, the specksynder and the glider)\" markiert einen entscheidenden wendepunkt in seinem oeuvre. ursprünglich unter dem titel \"raft of the medusa part ii and iii\" konzipiert, benannt nach théodore géricaults \"das floß der medusa\" von 1819, gehört es zu den ersten arbeiten, in denen sich stella von wandobjekten zu einem freistehenden bodenobjekt bewegt. schon bei der ersten ausstellung des werks bei leo castelli montiert stella die drei kleineren objekte \"the hat\", \"the specksnyder\" und \"the glider\" an eine der stahlplatten, woraufhin er 1997 der skulptur ihren heutigen titel gibt und sie endgültig in seinen umfangreichen moby-dick-zyklus einbezieht. inspiriert von herman melvilles roman schafft stella seit 1986 in knapp 15 jahren zu den 138 kapiteln des buches rund 135 aluminiumreliefs, dazu druckgrafiken, einige gemälde und skulpturale objekte. \n drei korrodierte stahlplatten geben dem werk einen dreidimensionalen rahmen, aus dem chaotisch anmutende, spiralförmig gedrehte und dynamisch gekurvte formen ausbrechen. die scheinbar willkürlich gewählten materialien wie stahl, aluminium, drahtgeflechte oder gipsartige oberflächen, verdichten sich zu kraftvollen strudeln, die sowohl vitalität als auch eine apokalyptische energie vermitteln. die komposition erinnert an wellen, die an ein floß schlagen, netze oder trümmer, an die bewegung des meeres, aber auch an industriellen schrott. \n stellas interesse gilt der oberfläche, dem licht, der reflektion und der art, wie die unterschiedlichen materialien aufeinander reagieren, wie sie hervorbrechen, sich überlagern und dennoch zusammenhaften. bewegung und linien schaffen eine abstrakte, bildnerische entsprechung zur atmosphäre von melvilles text. \n in seiner formalen wie materiellen innovation steht \"the dying whale\" exemplarisch für stellas unermüdliche weiterentwicklung. von den geometrischen strukturen des minimalismus hin zu den expressiven, raumgreifenden formen der späten 1980er und 1990er jahre erweitert stella das verständnis von malerei. die werkreihe verbindet industrielle materialästhetik mit energetischer bewegung, physischer präsenz mit erzählerischer vieldeutigkeit. so lässt sich \"the dying whale\" auch als ein monumentales sinnbild für überleben, wandel und schöpferische energie im angesicht des verfalls lesen. \n sophie ballermann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n frank stella usa abstrakter expressionismus minimal art farbfeldmalerei nachkriegskunst objekte 1990er literarische themen objekt mischtechnik abstrakt","en":"stella, frank \n 1936 malden/massachusetts - 2024 new york \n \n \n title: the dying whale (incorporating the hat, the specksynder and the glider). \n \n date: 1990. \n \n technique: aluminium and various materials on steel. \n \n measurement: different dimensions: raft of the medusa part ii: 258 x 279 x 223.5 cm; raft of the medusa part iii: 284.5 x 231 x 223.5 cm; the hat: 91 x 46 x 48 cm; the gilder: 95 x 122 x 30.5 cm; the specksnyder: 107 x 119 x 76 cm; untitled: 225 x 233 x 166 cm. overall dimensions: approx. 320 x 380 x 380 cm. \n \n the sculpture can be viewed by appointment at a storage facility near zurich. \n \n provenance: \n - gallery leo castelli and larry gagosian, new york \n - asher b. edelman \n - private collection \n \n exhibitions: \n - gallery leo castelli and larry gagosian, new york 1990/91 \n - whitney museum of american art, new york 1991 (biennial) \n - fondation asher edelman, musée d'art contemporain, lausanne 1991-1995 \n - plutschow gallery and edelman arts, zurich 2019 \n \n literature: \n - exhib. cat. biennial exhibition, whitney museum of american art, new york 1991, p. 278, ill. (titled here: raft of medusa, part ii and part iii) \n - exhib. cat. selection: oeuvres de la collection, fae (fondation asher edelman), musée d'art contemporain, lausanne 1991, p. 154 \n - wallace, robert k.: frank stella's moby dick: words and shapes, michigan 2000, p. 207, cat. no. 227, ill. \n \n \n - a spectacular work of museum quality from every angle \n \n - one of the first floor sculptures in stella's diverse oeuvre \n \n - part of the moby dick cycle, in which he intensively visualizes herman melville's novel \n \n - a monumental symbol of survival, transformation, and creative energy in the face of decay \n \n the boundary-breaker of the 20th century frank stella produced thousands of works in over 60 years of creative activity and, with his radical approach to form, color, and space, shaped the understanding of painting and sculpture in the 20th and 21st centuries like few others. \n born in malden, massachusetts, stella first studied at phillips academy in andover and later at the renowned princeton university. after moving to new york in 1958, he found himself at the center of the vibrant avant-garde scene. he quickly attracted attention with his \u201cblack paintings, \u201d whose austere, serial structure laid the foundation for minimal art. \n in the following decades, stella consistently developed his practice further: from geometric color field compositions to relief-like works to large-format, space-consuming constructions that intertwine painting and sculpture. again and again, he broke boundaries and explored the possibilities of abstract art anew. \n stella's work gained international recognition early on: as early as 1970, the museum of modern art in new york dedicated a major retrospective to him as the youngest artist of his time. numerous exhibitions in leading museums worldwide followed, as did prestigious awards, including the national medal of arts in 2009. \n \n \n the shift from minimalist to maximalist frank stella's monumental work \u201cthe dying whale (incorporating the hat, the specksynder and the glider)\u201d marks a decisive turning point in his oeuvre. \n originally conceived under the title \u201craft of the medusa part ii and iii, \u201d named after théodore géricault's \u201cthe raft of the medusa\u201d from 1819, it is one of the first works in which stella moves from wall objects to a freestanding floor object. when the work was first exhibited at leo castelli, stella mounted the three smaller objects \u201cthe hat, \u201d \u201cthe specksnyder, \u201d and \u201cthe glider\u201d on one of the steel plates, after which he gave the sculpture its current title in 1997 and finally included it in his extensive moby dick cycle. inspired by herman melville's novel, stella created around 135 aluminum reliefs, along with prints, several paintings, and sculptural objects, over a period of almost 15 years from 1986 onwards, corresponding to the 138 chapters of the book. \n three corroded steel plates give the work a three-dimensional frame from which chaotic-looking, spirally twisted and dynamically curved forms break out. the seemingly randomly chosen materials, such as steel, aluminum, wire mesh, and plaster-like surfaces, condense into powerful whirlpools that convey both vitality and apocalyptic energy. \n the composition is reminiscent of waves crashing against a raft, nets or debris, the movement of the sea, but also industrial scrap. stella is interested in surfaces, light, reflection, and the way different materials react to each other, how they break out, overlap, and yet stick together. \n movement and lines create an abstract, pictorial counterpart to the atmosphere of melville's text. \n in its formal and material innovation, \u201cthe dying whale\u201d exemplifies stella's tireless development. from the geometric structures of minimalism to the expressive, expansive forms of the late 1980s and 1990s, stella broadens our understanding of painting. the series of works combines industrial material aesthetics with energetic movement, physical presence with narrative ambiguity. thus, \u201cthe dying whale\u201d can also be read as a monumental symbol of survival, change, and creative energy in the face of decay. \n sophie ballermann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n frank stella usa abstract expressionism minimal art color field painting post-war art sculptures 1990s literary theme object mixed media abstract"},"estimateMax":500000,"lotNumber":"52","title":{"de":"frank stella: the dying whale (incorporating the hat, the specksynder and the glider)","en":"frank stella: the dying whale (incorporating the hat, the specksynder and the 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rahmen: rahmen. \n \n provenienz: \n - american graffiti gallery, amsterdam \n - sammlung peter leih, niederlande (um 1976 von vorheriger erworben) \n - borzo gallery, amsterdam \n - privatsammlung niederlande \n \n literatur: \n - feldman, frayda/schellmann, jörg: andy warhol - prints, a catalogue raisonné 1962-1987, mailand 2003 (4. aufl.), wvz.-nr. ii.143 \n \n \n - aus einem ikonischen mappenwerk \n \n - einzigartige perspektive auf die musiklegende durch warhols exzentrischen und doch intimen blick \n \n - warhol gestaltet das legendäre rolling stones album-cover zu »sticky fingers« \n \n - mick jagger ist eines der lieblings-motive warhols; den künstler und den musiker verbindet eine lebenslange freundschaft \n \n \"in zukunft wird jeder 15 minuten weltberühmt sein\" \n \n \n die symbiose zweier pop-ikonen \n andy warhols zehnteilige porträtserie \"mick jagger\" aus dem jahr 1975 gehört zu den schlüsselwerken seiner beschäftigung mit dem phänomen des starkults und der medialen konstruktion von identität. jagger, leadsänger der rolling stones und inbegriff des exzentrischen rockstars, bietet für warhol eine perfekte projektionsfläche: er ist charismatisch, exzessiv und weltberühmt. im gegensatz zu seinen früheren marilyn- oder elvis-darstellungen der 1960er jahre porträtiert warhol hier keinen bereits mythisch überhöhten star, sondern einen lebendigen protagonisten der gegenwart. damit rückt er seine kunst noch näher an das jetzt, an den unmittelbaren zeitgeist der 1970er jahre. \n jagger und warhol verbindet, nachdem sie sich erstmalig 1964 auf einer party der rolling stones trafen, eine enge freundschaft. 1971 folgt das erste gemeinsame kreative projekt, in dem warhol das cover des albums \"sticky fingers\" der rolling stones mitgestaltet. das ikonische cover zeigt die nahaufnahme des schrittes eines mannes in enganliegender jeans. mittig ist ein funktionstüchtiger reißverschluss befestigt, der beim öffnen eine unterhose offenbart. bis heute gilt es als eines der legendärsten und meistdiskutierten albumcover der musikgeschichte. \n \n \n mick jagger verewigt in ikonischem glanz \n im sommer 1975 nimmt warhol polaroid fotos von jagger in dessen haus in montauk, long island, auf, die als vorlage für das zehnteilige mappenwerk dienen. die aufnahmen zeigen ihn oberkörperfrei aus verschiedenen perspektiven und in unterschiedlichen stimmungen. in dem hier vorliegenden werk ist der oberkörper jaggers nach links gerichtet, der kopf gedreht, sodass er den betrachtenden mit einem entspannten, aber neugierigen blick und leicht geöffneten lippen anschaut. das fotografische fundament bearbeitet warhol in der serigrafie mit freien, skizzenhaften linien, die das gesicht und den körper des musikers fragmentarisch nachzeichnen. kräftige farbflächen in rosa, rot, türkis und gold verfremden das antlitz jaggers. die goldenen farbflächen, die die linke hälfte des bildes dominieren, verleihen dem porträt eine ikonische aura, während das rosa der haut, das leuchtende rot der lippen und das türkis auf den augenlidern das bild ins maskenhafte kippen lassen. indem warhol die gesichtszüge jaggers fragmentiert und durch kontrastierende farbflächen verfremdet, erzeugt er eine wirkung zwischen dokumentarischem abbild und stilisierter maske, zwischen intimität und verfremdung. besonders bemerkenswert ist die expressive spannung der komposition: die farbigen überlagerungen scheinen das gesicht förmlich zu zerlegen, als wolle warhol die vielschichtigkeit jaggers sichtbar machen. \n warhol versteht es, in jaggers zügen nicht nur einen rockstar, sondern eine ganze epoche zu porträtieren. jagger verkörpert in den 1970er jahren wie kaum ein anderer künstler das lebensgefühl einer generation: rebellion, hedonismus, und das ausloten der grenzen zwischen kunst, musik und lifestyle. dass warhol gerade ihn in einer ganzen serie verewigt, zeigt die wechselseitige faszination und wertschätzung zweier pop-ikonen, die selbst zu symbolen einer globalen jugendkultur geworden sind. die symbiose wird in diesem blatt komplettiert, indem es sowohl die signatur warhols als auch jaggers trägt. \n sophie ballermann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n andy warhol usa pop art fotografie nachkriegskunst druckgrafik 1970er rahmen berühmtheiten druckgrafik serigrafie musiker","en":"warhol, andy \n 1928 pittsburgh, pa/usa - 1987 new york \n \n \n title: mick jagger. \n \n date: 1975. \n \n technique: colour silkscreen on arches. \n \n depiction size: 108 x 70cm. \n \n sheet size: 111 x 73.5cm. \n \n notation: signed (by warhol and mick jagger), numbered, and verso with the publisher's stamp. \n \n publisher: seabird editions, london (pub.). \n \n number: 65/250. \n \n frame: framed. \n \n provenance: \n - american graffiti gallery, amsterdam \n - peter leih collection, netherlands (acquired from the previous owner around 1976) \n - borzo gallery, amsterdam \n - private collection, netherlands \n \n literature: \n - feldman, frayda/schellmann, jörg: andy warhol - prints, a catalogue raisonné 1962-1987, milan 2003 (4th ed.), cat. rais. no. ii.143 \n \n \n - from an iconic portfolio \n \n - a unique perspective on the music legend through warhol's eccentric yet intimate gaze \n \n - warhol designed the legendary rolling stones album cover for 'sticky fingers' \n \n - mick jagger is one of warhol's favorite subjects; the artist and the musician shared a lifelong friendship \n \n the symbiosis of two pop icons andy warhol's ten-part portrait series \u201cmick jagger\u201d from 1975 is one of the key works in his exploration of the phenomenon of celebrity culture and the media construction of identity. jagger, lead singer of the rolling stones and the epitome of the eccentric rock star, provides warhol with the perfect canvas: \n he is charismatic, excessive, and world-famous. in contrast to his earlier depictions of marilyn or elvis in the 1960s, warhol does not portray a star who is already mythically elevated, but a living protagonist of the present. in doing so, he brings his art even closer to the here and now, to the immediate zeitgeist of the 1970s. \n jagger and warhol have been close friends since they first met at a rolling stones party in 1964. their first joint creative project followed in 1971, when warhol helped design the cover of the rolling stones' album \u201csticky fingers.\u201d the iconic cover shows a close-up of a man's crotch in tight-fitting jeans. a functional zipper is attached in the center, which reveals underpants when opened. to this day, it is considered one of the most legendary and most discussed album covers in music history. \n \n \n mick jagger immortalized in iconic splendor in the summer of 1975, warhol took polaroid photos of jagger at his home in montauk, long island, which served as the basis for the ten-part portfolio. the photos show him shirtless from different perspectives and in different moods. in this work, jagger's upper body is turned to the left, his head turned so that he looks at the viewer with a relaxed but curious gaze and slightly parted lips. warhol edited the photographic foundation in silkscreen with free, sketch-like lines that fragmentarily trace the musician's face and body. strong areas of color in pink, red, turquoise, and gold alienate jagger's face. the golden areas of color that dominate the left half of the image lend the portrait an iconic aura, while the pink of the skin, the bright red of the lips, and the turquoise on the eyelids give the image a mask-like quality. by fragmenting jagger's facial features and distorting them with contrasting areas of color, warhol creates an effect that lies between a documentary image and a stylized mask, between intimacy and alienation. particularly noteworthy is the expressive tension of the composition: the colored overlays seem to literally dismantle the face, as if warhol wanted to make jagger's complexity visible. \n warhol understands how to portray not only a rock star in jagger's features, but an entire era. in the 1970s, jagger embodied the attitude of a generation like no other artist: rebellion, hedonism, and exploring the boundaries between art, music, and lifestyle. the fact that warhol immortalized him in an entire series demonstrates the mutual fascination and appreciation of two pop icons who themselves became symbols of a global youth culture. the symbiosis is completed in this print by bearing both warhol's and jagger's signatures. \n sophie ballermann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n andy warhol usa pop art photographs post-war art silkscreen framed celebrities print silkscreen musician"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"53","title":{"de":"andy warhol: mick jagger","en":"andy warhol: mick 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1987. \n \n technik: farbserigrafie auf lenox museumskarton. \n \n darstellungsmaß: 102 x 102cm. \n \n bezeichnung: nummeriert. \n \n herausgeber: hermann wünsche, bonn (hrsg.). \n \n exemplar: 40/60. \n \n rahmen: im originalen rahmen der galerie wünsche. \n \n das blatt ist mit dem trockenstempel des druckers rupert jasen smith, new york, versehen. auf der rückseite befindet sich der zertifikat-stempel mit der handschriftlichen nummerierung und den signaturen vom drucker und nachlassverwalter. die serigrafie gehört zu der 4-teiligen mappe. \n \n provenienz: \n - galerie wünsche, bonn \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (1987 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - beethovenhalle, bonn 1989 \n - kieler schloss, 1990 \n \n literatur: \n - feldman, frayda/schellmann, jörg: andy warhol prints - a catalogue raisonné 1962-1987, mailand 2003 (4. auflage), wvz.-nr. ii.393 \n \n \n - eines der herausragenden porträts des künstlers, das kurz vor seinem tod entstand \n \n - das porträt wurde anlässlich der 2000-jahrfeier der damaligen bundeshauptstadt bonn von hermann wünsche in auftrag gegeben \n \n - 2026 widmet das beethoven-haus in bonn dem thema eine ausstellung unter dem titel \"warhol & music\" \n \n \n von ikone zu ikone \n warhols porträt ludwig van beethovens demonstriert die fähigkeit des künstlers, bilder zu manipulieren und sich anzueignen, um visuelle ikonen zu schaffen. für diese serie greift warhol auf ein bereits berühmtes porträt des künstlers joseph karl stieler (1781-1858) aus dem jahr 1820 zurück, das die persönlichkeit beethovens wie kein anderes einfängt. der ungeduldige gesichtsausdruck, die löwenmähne und die hände hebt warhol in seiner interpretation gekonnt durch die verwendung von farbe hervor. der restliche körper verschmilzt mehr oder weniger mit dem hintergrund. \n \n \n die mondscheinsonate \n warhol treibt stielers visuelle identifizierung des komponisten jedoch noch einen schritt weiter, über die reine gesichtserkennung hinaus. warhol begnügt sich nicht damit, beethovens handwerkszeug, das manuskript und die feder, zu benutzen, um auf das talent des komponisten anzuspielen, sondern lässt die musik direkt über das porträt selbst laufen. in stielers gemälde hält beethoven die partitur seiner späten \"missa solemnis\" in der hand. die messe zählt zu einem seiner größten werke. warhol wählt jedoch die partitur seiner klaviersonate nr. 14 in cis-moll - besser bekannt als die \"mondscheinsonate\" - für sein porträt aus. mit der verwendung der populäreren \"mondscheinsonate\" beweist warhol einmal mehr, dass er nicht ein abbild schaffen möchte, sondern ein klischee der wirklichkeit, der die person zu legenden werden lassen. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n andy warhol usa pop art fotografie nachkriegskunst grafik 1980er im originalen rahmen der galerie wünsche figur / figuren druckgrafik farbserigrafie musik","en":"warhol, andy \n 1928 pittsburgh, pa/usa - 1987 new york \n \n \n title: beethoven. \n \n date: 1987. \n \n technique: colour silkscreen on lenox museum card. \n \n depiction size: 102 x 102cm. \n \n notation: numbered. \n \n publisher: hermann wünsche, bonn (pub.). \n \n number: 40/60. \n \n frame: in the original frame from galerie wünsch. \n \n the print bears the blind stamp of the printer rupert jasen smith, new york. on the reverse is the certificate stamp with the handwritten numbering and signatures of the printer and the executor of the estate. the serigraph belongs to the four-part portfolio. \n \n provenance: \n - galerie wünsche, bonn \n - private collection, north rhine-westphalia (acquired from previous owner in 1987) \n \n exhibitions: \n - beethovenhalle, bonn, 1989 \n - kiel castle, 1990 \n \n literature: \n - feldman, frayda/schellmann, jörg: andy warhol prints - a catalogue raisonné 1962-1987, milan, 2003 (4th edition), cat. rais. no. ii.393 \n \n \n - one of the artist's most outstanding portraits, created shortly before his death \n \n - the portrait was commissioned by hermann wünsche to commemorate the 2000th anniversary of bonn, then the capital of west germany \n \n - in 2026, the beethoven house in bonn dedicated an exhibition to the subject, titled 'warhol & music' \n \n from icon to icon warhol's portrait of ludwig van beethoven demonstrates the artist's ability to manipulate and appropriate images to create visual icons. for this series, warhol draws on an already famous portrait of the artist joseph karl stieler (1781-1858) from 1820, which captures beethoven's personality like no other. warhol skillfully highlights the impatient facial expression, lion's mane, and hands in his interpretation through the use of color. the rest of the body more or less blends into the background. \n \n \n the moonlight sonata however, warhol takes stieler's visual identification of the composer one step further, beyond mere facial recognition. warhol does not content himself with using beethoven's tools of the trade, the manuscript and the pen, to allude to the composer's talent, but lets the music run directly over the portrait itself. in stieler's painting, beethoven holds the score of his late \u201cmissa solemnis\u201d in his hand. the mass is one of his greatest works. warhol, however, chooses the score of his piano sonata no. 14 in c-sharp minor\u2014better known as the \u201cmoonlight sonata\u201d\u2014for his portrait. by using the more popular \u201cmoonlight sonata, \u201d warhol proves once again that he does not want to create an image, but rather a cliché of reality that turns the person into a legend. \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n andy warhol usa pop art photographs post-war art prints 1980s figure / figures print colour silkscreen 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\n 1928 pittsburgh, pa/usa - 1987 new york \n \n \n titel: ohne titel (floral still life). \n \n datierung: um 1956. \n \n technik: tusche, aquarell, blattgold und silberpapier auf papier. \n \n maße: 42,5 x 34,9cm. \n \n bezeichnung: signiert unten rechts: andy warhol. verso unten links mit dem stempel des andy warhol art authentication board und der nummer a121.089. \n \n rahmen/sockel: modellrahmen. \n \n zu diesem werk liegt ein zertifikat des andy warhol art authentication board, new york, vom 10.10.2008 vor. \n \n provenienz: \n - sammlung marilyn kaytor, new york \n - doyle auctions, new york, auktion 20.5.2008, lot 2197 \n - galerie michael haas, berlin (aufkleber) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (2009 von vorheriger erworben) \n \n \n - frühe, blattfüllende arbeit, die warhols illustratorische meisterschaft zeigt \n \n - gold als schlüsselelement für warhols faszination für die fetischierung von objekten und ikonen \n \n - seine entwicklung vom grafiker zum bildenden künstler nimmt dieses werk vorweg \n \n \n die marke andy warhol \n als bedeutendster vertreter der pop art ist andy warhol zugleich schlüsselfigur einer new yorker kreativen szene, die sich um seine 1962 gegründete factory gebildet hatte. dieser legendäre ort, den warhol als atelier für seine kunstproduktion nutzt, zog auch als filmstudio und partylocation schillernde persönlichkeiten an. so wie er zur selbstinszenierung auffälliges personal um sich herum schart und zur kultfigur avanciert, so absorbiert warhol gierig die erzeugnisse aus der populärkultur: kommerzielle werbeanzeigen und fotos aus flugblättern, kinoheften, zeitschriften wie life oder time magazine. dem kollektiven wiedererkennungswert dieser bilder begegnet warhol mit seinem zunehmend erfolgreichen vervielfältigungsverfahren des siebdrucks. in zigfacher wiederholung verwertet er marilyn monroe, coca-cola und micky maus und schafft mit den insignien us-amerikanischer kultur letztlich bilder, die zu ikonen der kunst des 20. jahrhunderts geworden sind. dabei unterzieht er seine vorlagen einer dekonstruierenden zitierweise, wodurch sie, entkontextualisiert und (sinn)entleert, auf ihre reine, blendende oberfläche reduziert werden. mit der übernahme dieser täuschungseffekte, die aus einer bildsprache der werbung stammen, hat sich warhol die ästhetik der verführung angeeignet: seine werke verströmen die aura einer marke, der marke warhol, und werden als begehrte status-symbole gehandelt. \n als höchst attraktive trophäen legen sie die idealisierung von celebrities wie von luxusartikeln, die flachen klischees der konsumkultur bloß. mit seiner postmodernen ästhetik des \"anything goes\" hebelt warhol die kategorien des high und low aus. darüber hinaus sucht er die nähe zum kommerz und erklärt käuflichkeit zum wert. die hochtourig laufende serielle produktion der factory macht das kunstwerk zur ware und warhol zum erfolgreichen geschäftsmann. alles ist käuflich, alles kann durch warhol verwandelt und zu gold werden. \n \n \n grafische gefälligkeit \n warhol ist nach seinem studium der gebrauchsgrafik am \"carnegie institute of technology\" in pittsburgh nach new york gezogen. in der kunststadt und hochburg der werbung erlangt er als werbe- und industriegrafiker weitreichende anerkennung, verdient sein geld mit illustrationen für mode-, hochglanz- und lifestylemagazine wie \"vogue\" und \"harper's bazaar\". 1952 illustriert er kurzgeschichten von truman capote und ist 1956 mit einer zeichnung in der ausstellung \"recent drawings usa\" im museum of modern art vertreten. in dieser zeit widmet er sich mit hingabe dekorativen alltagsgegenständen, bringt mit bleistift in verspieltem leicht-lockerem strich gefällige motive von engeln, schmetterlingen, schuhen oder katzen zu papier. oft werden sie mit tinte und tusche nachgezeichnet und anschließend feucht auf ein neues blatt übertragen. diese frühe methode der vervielfältigung nimmt seine späteren siebdrucke vorweg und charakterisiert warhols systematische und subversive aushöhlung der beziehung zwischen original und kopie. \n \n \n goldglänzende bescheidenheit \n das vorliegende frühwerk stammt aus dieser stilprägenden zeit - im jahr 1956 hat warhol den höhepunkt seines erfolgs als zeichner und grafiker erreicht. seine umrissbetonte und zugleich flächige wiedergabe eines blumenstraußes weist jene merkmale auf, mit der warhol seine sujets in den späteren siebdrucken stilisiert. jedoch erscheint hier die sorgfältige handwerkliche umsetzung und detailtreue bemerkenswert, mit der warhol die binnenformen mit den damals charakteristischen unregelmäßigen linien in tusche erfasst. üppige, flattrig feinblättrige blüten - es könnten tulpen oder mohnblumen sein - in kräftigeren und blasseren orangetönen sind hier großzügig im bildraum verteilt. ihre stiele ragen verzweigt aus einer altertümlichen metallkanne hervor, deren klappdeckel seitlich gekippt ist. warhol simuliert die stumpfe, graue qualität von zinn oder blei durch schlierige aquarellfarbe, in die er sprengsel von silberpapier einsetzt. die sich in alle richtungen entfaltenden blütenblätter umgibt ein kostbar glänzender hintergrund aus blattgold. warhol wendet hier traditionelle veredelungstechniken der russischen ikonenmalerei und mittelalterlichen tafelbilder an: er kennt die materialsymbolik des goldgrunds, vor dem sich das heilige figurenpersonal versammelt und macht sich dessen sakrale bedeutung zu eigen. die exquisite oberfläche weist auf die erhabenheit der darstellung - so führt warhol eine erhabenheit und exklusivität ein, die sich von der alltäglichkeit und bescheidenheit des blumenstilllebens abhebt. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n andy warhol usa pop art fotografie nachkriegskunst unikate 1950er modellrahmen blumen zeichnung tusche und aquarell stillleben","en":"warhol, andy \n 1928 pittsburgh, pa/usa - 1987 new york \n \n \n title: untitled (floral still life). \n \n date: around 1956. \n \n technique: india ink, watercolour, gold leaf and silver paper on paper. \n \n measurement: 42.5 x 34.9cm. \n \n notation: signed lower right: andy warhol. verso lower left with the stamp of the andy warhol art authentication board and the number a121.089. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n this work is accompanied by a certificate from the andy warhol art authentication board, new york, dated 10th october 2008. \n \n provenance: \n - marilyn kaytor collection, new york \n - doyle auctions, new york, auction 20th may 2008, lot 2197 \n - galerie michael haas, berlin (adhesive label) \n - private collection, north rhine-westphalia (acquired from the previous owner in 2009) \n \n \n - an early, full-page work demonstrating warhol's illustrative mastery \n \n - gold as a key element in warhol's fascination with the fetishization of objects and icons \n \n - this work foreshadows his development from graphic designer to fine artist \n \n the andy warhol brand as the most important representative of pop art, andy warhol was also a key figure in the new york creative scene that formed around his factory, founded in 1962. this legendary place, which warhol used as a studio for his art production, also attracted dazzling personalities as a film studio and party location. just as he gathered flamboyant personalities around him to promote himself and became a cult figure, warhol greedily absorbed the products of popular culture: commercial advertisements and photos from flyers, cinema magazines, and magazines such as life and time magazine. warhol responded to the collective recognition value of these images with his increasingly successful screen printing reproduction process. he repeatedly reproduced marilyn monroe, coca-cola, and mickey mouse, ultimately creating images that have become icons of 20th-century art using the insignia of american culture. in doing so, he subjected his models to a deconstructive form of citation, whereby they were decontextualized and emptied of meaning, reduced to their pure, dazzling surface. by adopting these deceptive effects, which originate from the visual language of advertising, warhol appropriated the aesthetics of seduction: his works exude the aura of a brand, the warhol brand, and are traded as coveted status symbols. \n as highly attractive trophies, they expose the idealization of celebrities and luxury items, the shallow clichés of consumer culture. with his postmodern \u201canything goes\u201d aesthetic, warhol undermines the categories of high and low. furthermore, he seeks proximity to commerce and declares venality to be a value. the factory's high-speed serial production turns the artwork into a commodity and warhol into a successful businessman. everything is for sale, everything can be transformed by warhol and turned into gold. \n \n \n graphic appeal after studying commercial art at the carnegie institute of technology in pittsburgh, warhol moved to new york. in the city of art and stronghold of advertising, he gained widespread recognition as an advertising and industrial graphic designer, earning his living with illustrations for fashion, glossy, and lifestyle magazines such as vogue and harper's bazaar. in 1952, he illustrated short stories by truman capote, and in 1956, he was represented with a drawing in the exhibition \u201crecent drawings usa\u201d at the museum of modern art. during this time, he devoted himself to decorative everyday objects, putting pleasing motifs of angels, butterflies, shoes, and cats on paper with playful, light, loose pencil strokes. he often traced them with ink and then transferred them wet onto a new sheet of paper. this early method of reproduction anticipates his later silkscreen prints and characterizes warhol's systematic and subversive undermining of the relationship between original and copy. \n \n \n shining gold modesty this early work dates from this style-defining period\u2014in 1956, warhol reached the peak of his success as a draftsman and graphic artist. his outline-emphasized and at the same time two-dimensional rendering of a bouquet of flowers displays the characteristics with which warhol stylized his subjects in his later silkscreen prints. however, what is remarkable here is the careful craftsmanship and attention to detail with which warhol captures the internal forms with the irregular lines in ink that were characteristic of his work at the time. lush, fluttering, finely petaled flowers\u2014they could be tulips or poppies\u2014in stronger and paler shades of orange are generously distributed throughout the picture space. their stems branch out from an antique metal jug with a hinged lid tilted to one side. warhol simulates the dull, gray quality of tin or lead with streaky watercolor paint, into which he inserts specks of silver paper. the petals unfolding in all directions are surrounded by a precious, shiny background of gold leaf. warhol applies traditional finishing techniques from russian icon painting and medieval panel paintings: he is familiar with the material symbolism of the gold background against which the holy figures are gathered and adopts its sacred meaning. the exquisite surface emphasizes the grandeur of the depiction\u2014warhol introduces a grandeur and exclusivity that stands out from the everyday nature and modesty of the floral still life. \n bettina haiss \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n andy warhol usa pop art photographs post-war art post war 1950s craftman's frame flowers drawing india ink and watercolour still life"},"estimateMax":150000,"lotNumber":"55","title":{"de":"andy warhol: ohne titel (floral still life)","en":"andy warhol: untitled (floral still 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\n - privatsammlung nordrhein-westfalen (1984 direkt vom künstler) \n \n \n - glamouröses und besonders charismatisches porträt in warhols unverkennbarem stil \n \n - seit der entstehung in privatem besitz der porträtierten und marktfrisch auf dem kunstmarkt \n \n - durch ausdruckstarke farbgebung und binnenkonturen eines der interessantesten frauenporträts aus dieser zeit \n \n \n pop-art-ikone andy warhol \n kein anderer künstler hat sich als personifikation der pop art durchgesetzt, wie andy warhol dessen kultstatus teil seiner künstlerischen strategie war. kaum ein künstler des 20. jahrhunderts schuf ikonen der kunst, die sich so tief in das kollektive gedächtnis eingeprägt haben wie der us-amerikaner, der es wie kein anderer verstand, die grenze zwischen kommerz und kultur aufzuheben. und es dabei vermochte, die großen themen der menschheit - liebe, leben und tod - in einfachen metaphern zu verbildlichen: marilyn monroe, campbell suppe und der elektrische stuhl. warhols kunst war unmittelbarer ausdruck des zeitgeistes und folgte den gängigen marktprinzipien des kapitalismus. \n begonnen hat warhol als industrie- und werbegrafiker, sowie schaufensterdekorateur. warhol sah früh, was viele erst viel später begriffen: dass in einer welt des überflusses nicht mehr das einzigartige zählt - sondern das wiedererkennbare. vertraut mit der plakativen werbesprache zitiert und reproduziert er dabei die amerikanische konsumkultur. er schreibt: \"kaufen ist amerikanischer als denken, und ich bin so amerikanisch, wie man nur sein kann.\" \n entsprechend bedient er sich aus der überfülle medial verbreiteter personen, waren, güter und ereignisse, die er wiederum einer seriellen vervielfältigung unterzieht und zu sinnentleerten klischees der wirklichkeit werden lässt. warhol lotet stets den spannungsvollen kontrast zwischen inhalt und form aus, konfrontiert auch ernste themen mit der verführerischen ästhetik der oberfläche, lässt bisweilen banalität und brutalität aufeinanderprallen. \n \n \n warhols porträtgalerie \n jenseits der großen ikonischen motive entstand ein oft übersehenes kapitel seines schaffens - die privaten auftragsporträts. andy warhols wichtigster händler in europa, der schweizer galerist bruno bischofsberger, hatte bereits 1967 angeregt, die prominente riege der \"celebrity portraits\" um unbekannte protagonisten zu erweitern. er erinnert sich, warhol \"zu überzeugen, mit der großen serie der privaten porträts zu beginnen, die schließlich zu seinem haupteinkommen wurde. [.] ich hatte die idee, dass warhol porträts von menschen machen sollte, die bereit waren, sich fotografieren zu lassen. ihm gefiel die idee und er sagte mir begeistert, dass er damit eine 'galerie contemporaine' bekäme, wie er sie von den bild-bänden berühmter persönlichkeiten kannte, die nadar, etienne carjat und andere fotografen mitte des 19. jahrhunderts in frankreich geschaffen hatten.\" (osterwold, tilman (hrsg.): collaborations: warhol, basquiat clemente, ostfildern-ruit, 1996, s.108ff) \n in den 1980er jahren ist warhol längst vom autonomen künstler zum dienstleister geworden, der seine aufträge in einem fabrikartigen atelier - der legendären 'factory' - mithilfe von assistenten erfüllte. die wahl der sujets ist teil einer geschäftstüchtigen produktionsweise geworden, in der die zum markenzeichen gewordene künstlerische handschrift von warhol als statussymbol hohe wertschätzung erfuhr. in einem standardmaß von 40 x 40 inches (ca. 101 x 101 cm) wurden auch jene porträtiert, die nicht so sehr warhols künstlerisches interesse erregten, sondern vielmehr den festgelegten einheitspreis zu zahlen vermochten. \n \n \n a beautiful lady \n das vorliegende porträt stellt eine veritable besonderheit innerhalb dieser \"galerie contemporaine\" dar. so kam es gelegentlich vor, dass warhol selbst entschied, wen er porträtieren wollte, wie es in diesem fall geschah. in den 1980er jahren führte ein geschäftlicher auftrag die in deutschland lebende porträtierte auf zahlreiche reisen, u.a. nach new york und in die 'factory'. andy warhol schlug ihr ein porträt vor. er war sofort fasziniert von ihrer erscheinung, ihrem stil, ihrer ausstrahlung. mit ihrem dunklen, wallenden haar und ihrer selbstverständlichen eleganz verkörperte sie genau den typus frau, der warhol inspirierte - eine mischung aus exotik, exzentrik und glamour. (abb.) anders als viele seiner auftraggeber wünschte sie sich das bild selbst nicht. warhol aber blieb beharrlich und sie gab schließlich nach, allerdings nur unter der bedingung, dass ihr name in der titelgebung unerwähnt bleibt. warhol nannte das werk daher schlicht und ergreifend \"beautiful lady\". entsprechend der üblichen vorgehensweise fand eine fotosession statt, in der innerhalb von fünf stunden ungewöhnlich viele - 46 - polaroids entstanden. aus diesen vorlagen wählte warhol das endgültige motiv zur umsetzung durch das berühmte siebdruckverfahren aus. (abb.) 40 jahre blieb das gemälde in ihrem privaten besitz und kann nun marktfrisch auf dem kunstmarkt angeboten werden. \n das werk ist in seiner komposition ebenso einfach wie wirkungsvoll. mit seiner charakteristischen, an die plakatkunst oder comiczeichnungen angelehnte technik wurde das vorliegende porträt flächig und in schwarz, rot und puderrosa kontrastreich ausgeführt, um die prägnanten merkmale der porträtierten zu betonen: das füllige, schwarze haar und der leuchtendrote mund. darüber hinaus sind augen und haare mit dynamischen binnenkonturen strukturiert, deren farbverlauf von türkis über blau und violett in zartrosa übergeht und dem werk bewegung verleihen. wie so oft bei warhol ist das ergebnis ambivalent und liegt zwischen verführung und distanz, zwischen realismus und ideal. die \"beautiful lady\" ist zugleich individuum und symbol. das werk zeigt nicht nur ein frauenporträt, sondern steht für warhol selbst - seinen blick, seine faszination für schönheit und vor allem seine überzeugung: jeder kann ein superstar sein, wenn nur das richtige bild von ihm existiert. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n andy warhol usa pop art fotografie nachkriegskunst unikate 1980er rahmen porträt gemälde acryl frau","en":"warhol, andy \n 1928 pittsburgh, pa/usa - 1987 new york \n \n \n title: beautiful lady. \n \n date: 1984. \n \n technique: acrylic on canvas. \n \n measurement: 101 x 101cm. \n \n notation: signed and dated verso on the former canvas cover on the stretcher frame: andy warhol 84. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - private collection north rhine-westphalia (1984, directly from the artist) \n \n \n - glamourous and exceptionally charismatic portrait in warhol's unmistakable style \n \n - privately owned by the subject of the portrait since its creation and freshly on the art market \n \n - with its expressive use of colour and internal contours, it is one of the most interesting portraits of women from this period \n \n pop art icon andy warhol no other artist has established himself as the personification of pop art as andy warhol, whose cult status was part of his artistic strategy. hardly any other artist of the 20th century created icons of art that have become so deeply engraved in the collective memory as the american, who understood better than anyone else how to blur the line between commerce and culture. and in doing so, he was able to illustrate the great themes of humanity\u2014love, life, and death\u2014in simple metaphors: marilyn monroe, campbell's soup, and the electric chair. warhol's art was a direct expression of the spirit of the times and followed the prevailing market principles of capitalism. \n warhol began his career as an industrial and commercial artist, as well as a window dresser. warhol saw early on what many only realized much later: that in a world of abundance, it is no longer uniqueness that counts, but recognizability. familiar with the striking language of advertising, he quotes and reproduces american consumer culture. he writes: \u201cbuying is more american than thinking, and i am as american as you can be.\u201d \n accordingly, he drew on the abundance of people, goods, commodities, and events disseminated by the media, which he then subjected to serial reproduction, turning them into meaningless clichés of reality. warhol constantly explores the exciting contrast between content and form, confronting even serious topics with the seductive aesthetics of the surface, sometimes allowing banality and brutality to clash. \n \n \n warhol's portrait gallery beyond the great iconic motifs, there is an often overlooked chapter in his work: private commissioned portraits. andy warhol's most important dealer in europe, swiss gallery owner bruno bischofsberger, had already suggested in 1967 that the prominent ranks of \u201ccelebrity portraits\u201d be expanded to include unknown protagonists. he recalls \"convincing warhol to begin the large series of private portraits, which ultimately became his main source of income. [...] i had the idea that warhol should make portraits of people who were willing to be photographed. he liked the idea and told me enthusiastically that it would give him a \u2018galerie contemporaine\u2019, like the picture books of famous personalities created by nadar, etienne carjat, and other photographers in france in the mid-19th century.\" (osterwold, tilman (ed.): collaborations: warhol, basquiat clemente, ostfildern-ruit, 1996, p.108ff) \n by the 1980s, warhol had long since transformed from an autonomous artist into a service provider who fulfilled his commissions in a factory-like studio\u2014the legendary \u2018factory\u2019\u2014with the help of assistants. the choice of subjects became part of a business-savvy production method in which warhol's artistic signature, which had become his trademark, was highly valued as a status symbol. those who did not particularly interest warhol artistically, but were able to pay the fixed unit price, were also portrayed in a standard size of 40 x 40 inches (approx. 101 x 101 cm). \n \n \n a beautiful lady this portrait is a veritable rarity within this \u201cgalerie contemporaine.\u201d occasionally, warhol himself decided who he wanted to portray, as was the case here. in the 1980s, a business assignment took the subject, who lived in germany, on numerous trips, including to new york and the factory. andy warhol suggested a portrait to her. he was immediately fascinated by her appearance, her style, her charisma. with her dark, flowing hair and her natural elegance, she embodied exactly the type of woman who inspired warhol\u2014a mixture of exoticism, eccentricity, and glamour. (fig.) unlike many of his clients, she did not want the picture herself. but warhol persisted and she finally gave in, on the condition that her name would not be mentioned in the title. warhol therefore simply called the work \u201cbeautiful lady.\u201d in accordance with his usual procedure, a photo session took place in which an unusually large number of polaroids\u201446\u2014were taken within five hours. from these templates, warhol selected the final motif to be realized using his famous screen printing process. (fig.) the painting remained in her private possession for 40 years and can now be offered on the art market as a new item. \n the work is as simple as it is effective in its composition. with his characteristic technique, reminiscent of poster art or comic drawings, the portrait was executed in a flat style with high contrast in black, red, and powder pink to emphasize the striking features of the subject: her full, black hair and bright red mouth. in addition, the eyes and hair are structured with dynamic internal contours, whose color gradient transitions from turquoise to blue and violet to soft pink, lending the work a sense of movement. as is so often the case with warhol, the result is ambivalent, lying somewhere between seduction and distance, between realism and ideal. the \u201cbeautiful lady\u201d is both an individual and a symbol. the work not only shows a portrait of a woman, but also represents warhol himself\u2014his gaze, his fascination with beauty, and above all his conviction that anyone can be a superstar if only the right image of them exists. \n bettina haiss \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n andy warhol usa pop art photographs post-war art post war 1980s framed portrait painting acrylic woman"},"estimateMax":500000,"lotNumber":"56","title":{"de":"andy warhol: beautiful lady","en":"andy warhol: beautiful lady"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29338/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":240000,"soldPrice":280000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:03.023Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac300,000 - 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galerie lelong, zürich \n - privatsammlung köln (1995 von vorheriger erworben) \n \n \n - schnur und klampe stehen hier in sprachlich-visueller doppeldeutigkeit als sinnbild der menschlichen existenz \n \n - hochattraktives werk mit spannungsreicher farbigkeit \n \n - gemälde von musealer qualität in klaphecks unverkennbarer \"prosaischer supergegenständlichkeit\" \n \n \n ankerklampe und schnur \n \"die prüfung\" ist ein ikonisches gemälde, mit dem konrad klapheck sein großes können und seinen einfallsreichtum überzeugend unter beweis stellt. \n das motiv dieses 1987 entstandenen gemäldes ist eine ankerklampe mit einer vielfach gewundenen und verknoteten schnur, die als komplexer, organisch wirkender körper besonders reizvoll für den maler war. es existiert eine variante aus demselben jahr mit dem titel \"die probe\" (abb. 1) im katalog der recklinghausener ausstellung (ausst.-kat. konrad klapheck - menschen und maschinen, kunsthalle recklinghausen 2006) veröffentlichte der künstler eine schwarz-weiß-fotografie, die als inspirationsquelle seiner kompositionen diente (abb. 2). die fotografie verdeutlicht im vergleich mit klaphecks gemälden, wie stark der künstler die fotografische vorlage veränderte und strenge formale regeln anwendete, um seine kompositionen zu strukturieren. klaphecks gemälde überbieten die fotografie an strenge und geheimnisvoller ausdruckskraft bei weitem. dabei unterscheiden sich auch die beiden varianten des gemäldes: \"die prüfung\" zeigt eine schwarzgrüne ankerklampe vor einem dunkelgrünen hintergrund, die schnüre sind orange-gelb gehalten und zu einer rundovalen gesamtform zusammengefasst, während \"die probe\" dasselbe motiv in anderen farben präsentiert: die klampe ist braungelb, der hintergrund in changierendem blau und die schnüre sind leuchtend rot. außerdem sind sie schnüre hier zu einer recht akkuraten form zusammengefasst, die in ihrem aufbau strenger wirkt als bei der \"prüfung\". gemeinsam ist beiden gemälden die art der verknotung, die aus der etwas beliebig wirkenden verschlingung des fotos eine nahezu choreografierte verknotung entwickelt, die in ihrem rechten bereich an den violinschlüssel der notenschrift erinnert und als ein unterschwelliger hinweis auf klaphecks große liebe zum jazz verweisen mag. \n \n \n komplexe alltagsgegenstände mit geheimnisvollem ausdruck \n formal ähneln klaphecks gemälde mit feuerwehrschläuchen (\"reichtum\", 1976, kunstpalast, düsseldorf, oder \"frustration\", 1981, kunsthalle recklinghausen) oder auch die gewundenen ketten des bildes \"bekenntnis\" (1988, hamburger kunsthalle) diesem gemälde. es sind keine maschinenbilder im engeren sinne, sie zeigen komplexe alltagsgegenstände, die klapheck in seiner unverwechselbaren art mit geheimnisvollem ausdruck auflädt. der titel \"die prüfung\" wurde erst nach vollendung des gemäldes ausgewählt, ebenso wie bei der variante, deren titel \"die probe\" sich ebenfalls wie eine variante der \"prüfung\" lesen lässt. was genau aber geprüft oder erprobt werden soll, bleibt den betrachterinnen und betrachtern überlassen. \n kay heymer \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n konrad klapheck deutschland hyperrealismus nachkriegskunst unikate 1980er rahmen gegenstände gemälde öl schiffe","en":"klapheck, konrad \n düsseldorf 1935 - 2023 \n \n \n title: die prüfung. \n \n date: 1987. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 105 x 69.5cm. \n \n notation: signed and dated verso lower centre: klapheck 87. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n this is konrad klapheck's first work after the death of his wife, who died in traumatic circumstances. at that time, klapheck was unsure whether he would be able to continue painting. hence the title \u201cdie prüfung\u201d (the test). \n \n provenance: \n - galerie lelong, zurich \n - private collection, cologne (acquired from the previous owner in 1995) \n \n \n - the rope and cleat stand here in linguistic and visual ambiguity as a symbol of human existence \n \n - highly attractive work with vibrant colours \n \n - a museum-quality painting in klapheck's unmistakable 'prosaic hyper-objectivity' \n \n anchor cleat and cord \u201cthe test\u201d is an iconic painting in which konrad klapheck convincingly demonstrates his great skill and ingenuity. \n the motif of this painting, created in 1987, is an anchor cleat with a cord that has been twisted and knotted many times, which was particularly appealing to the painter as a complex, organic-looking object. there is a variant from the same year entitled \u201cdie probe\u201d (the test) (fig. 1). in the catalog of the recklinghausen exhibition (exhibition catalog konrad klapheck - menschen und maschinen, kunsthalle recklinghausen 2006), the artist published a black-and-white photograph that served as the source of inspiration for his compositions (fig. 2). when compared with klapheck's paintings, the photograph illustrates how much the artist altered the photographic model and applied strict formal rules to structure his compositions. klapheck's paintings far surpass the photograph in terms of austerity and mysterious expressiveness. the two versions of the painting also differ: \u201cdie prüfung\u201d (the trial) shows a black-green anchor cleat against a dark green background, with orange-yellow ropes grouped together to form a round-oval shape, while \u201cdie probe\u201d (the trial) presents the same motif in different colors: the cleat is brown-yellow, the background is iridescent blue, and the ropes are bright red. in addition, the cords are combined here into a rather accurate shape, which appears more austere in its structure than in \u201cthe trial.\u201d what both paintings have in common is the type of knotting, which develops from the somewhat random-looking entanglement in the photo into an almost choreographed knotting that is reminiscent of the treble clef in musical notation on the right-hand side and may be a subtle reference to klapheck's great love of jazz. \n \n \n complex everyday objects with a mysterious expression formally, klapheck's paintings featuring fire hoses (\u201creichtum\u201d [wealth], 1976, kunstpalast, düsseldorf, or \u201cfrustration, \u201d 1981, kunsthalle recklinghausen) or the twisted chains in the painting \u201cbekenntnis\u201d [confession] (1988, hamburger kunsthalle) are similar to this painting. these are not machine images in the strict sense; they show complex everyday objects that klapheck charges with a mysterious expression in his unmistakable style. the title \u201cdie prüfung\u201d (the trial) was chosen only after the painting was completed, as was the case with the variant whose title, \u201cdie probe\u201d (the test), can also be read as a variant of \u201cdie prüfung.\u201d but what exactly is to be tested or tried is left to the viewers to decide. \n kay heymer \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n konrad klapheck germany hyperrealism post-war art post war 1980s framed objects painting oil ships"},"estimateMax":240000,"lotNumber":"57","title":{"de":"konrad klapheck: die prüfung","en":"konrad klapheck: die prüfung"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29339/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":144000,"soldPrice":170000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:03.051Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac180,000 - 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(www.samfrancisfoundation.com) \n \n provenienz: \n - galerie schmela, düsseldorf \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (1961 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - kölnischer kunstverein, 1962 (aufkleber) \n \n literatur: \n - ausst.-kat.sam francis, georges mathieu, charles maussion, jean miotte, jean paul riopelle, kölnischer kunstverein, köln 1962, o.s \n \n \n - explosiv-gestisches frühwerk mit einer spannungsvollen dynamik zwischen farbe und raum \n \n - einflüsse seiner reisen nach japan ab 1957 und die nähe zur künstlergruppe gutai werden in diesem werk deutlich \n \n - das japanische konzept des \"ma\" und die maltechnik des \"hatsuboku\" spiegeln sich in francis' eigener, unverwechselbarer formensprache deutlich wider \n \n \n die heilende wirkung der kunst \n sam francis wird 1923 in san mateo, kalifornien, geboren. sein künstlerischer weg beginnt aus einer erfahrung des körperlichen und seelischen bruchs heraus. 1943 tritt er den u.s. army air corps bei, doch ein schwerer unfall während eines übungsmanövers 1944 zwingt ihn, den militärdienst zu verlassen. die darauffolgenden jahre verbringt francis in verschiedenen kliniken. in der zeit der genesung findet er zur kunst, zunächst als ablenkung, schließlich als existenziellen ausdruck. nach seiner rückkehr an die university of california in berkeley studiert francis von 1947 bis 1950 bei david park. clyfford still und jackson pollock prägen in dieser zeit sein verständnis von farbe und bewegung. 1950 zieht francis nach paris, wo er auf jean-paul riopelle und die seerosen von monet trifft und damit auf neue inspirationsquellen. seine ersten einzelausstellungen in paris, bern und london verschaffen ihm vor allem in europa aufmerksamkeit. 1957 führt ihn eine mehrmonatige reise nach asien zu neuen impulsen: chinesische und japanische kunst, insbesondere das konzept des \"ma\", des leeren, aber bedeutungsvollen raums, werden für ihn zentral. \n das jahr 1959, aus dem das hier vorgestellte werk \"ohne titel\" stammt, markiert einen höhepunkt seiner karriere: francis nimmt an mehr als 17 gruppenausstellungen weltweit teil, darunter die documenta ii in kassel und die biennale in são paulo, die ihm endgültig weltruhm einbringen. in dieser phase kristallisiert sich ein stil heraus, der von spannung und einer tiefen auseinandersetzung mit der energie der farbe geprägt ist. \n \n \n die verheißung der leere \n das werk \"ohne titel\" von 1959 steht exemplarisch für diese phase. für den betrachtenden offenbart sich eine vibrierende bildfläche, die von farbspritzern und flecken durchzogen ist. in kräftigen komplementärfarben verdichten sich farbinseln an den rändern, während das zentrum weiß bleibt, nur gebrochen durch die scheinbar zufällig aufgetragenen, feinen farbspritzer. dieses weiß ist kein bloßer hintergrund, sondern aktiver teil der komposition: es lässt die kräftigen farben atmen, verstärkt ihre leuchtkraft und rhythmisiert die bildfläche. \n hier wird das konzept des \"ma\" deutlich, jener zwischenraum, der in der japanischen ästhetik nicht leere bedeutet, sondern potenzial. francis kehrt die traditionelle bildordnung um: die farbexplosionen rahmen den weißen raum, geben ihm gewicht und bedeutung. er verschiebt damit die perspektive: die mitte, traditionell zentrum der aufmerksamkeit, bleibt weiß, aber sie ist nicht leer. das auge wandert von den farbintensiven zonen am bildrand in den scheinbaren hintergrund der mitte, die zwischen spannung und entlastung oszilliert. so entsteht ein dialog zwischen dichte und leere, bewegung und stillstand. das werk erhält seine spannung besonders aus dem gegensatz zur vorstellung einer symmetrischen, auf die mitte bezogenen ordnung. francis spielt mit dieser erwartung und dreht sie um, wodurch die sehgewohnheit des betrachtenden gestört wird und raum für eine balance aus asymmetrie, bewegung und rhythmischer farbverteilung entsteht. im kontext seiner auseinandersetzung mit der japanischen gutai-gruppe wird francis' umgang mit dem zufall verständlich. wie in der technik des \"hatsuboku\", bei der die tinte scheinbar zufällig auf den träger gespritzt wird, vertraut er der geste und der spontanen bewegung. doch trotz der spontaneität ist seine komposition bewusst strukturiert: die farbverteilung schafft ein visuelles gleichgewicht, das sich aus der spannung der gegensätze speist. \n die farbe selbst ist in francis' verständnis kein werkzeug, sondern essenz. francis versteht farbe als energetische kraft, als ausdruck des lebensflusses. der bildträger wird zum resonanzraum dieser energie, die aus der bewegung des malens entsteht. die scheinbare unordnung folgt einer intuitiven komposition, deren dynamik aus der spannung zwischen rand und mitte, zwischen explosion und ruhe erwächst. \n sophie ballermann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n sam francis usa informel abstrakter expressionismus nouvelle école de paris nachkriegskunst unikate 1950er rahmen abstrakt papierarbeit tempera","en":"francis, sam \n 1923 san mateo, ca/usa - 1994 santa monica, ca/usa \n \n \n title: untitled. \n \n date: 1959. \n \n technique: tempera on paper. \n \n mounting: mounted on canvas. \n \n measurement: 68 x 51cm. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n this work is listed at the sam francis foundation, pasadena/ca, under identification number sf59-076. it is featured on the artist's official website. (www.samfrancisfoundation.com) \n \n provenance: \n - galerie schmela, düsseldorf \n - private collection, north rhine-westphalia (acquired from the previous owner in 1961) \n \n exhibitions: \n - cologne art association, 1962 (adhesive label) \n \n literature: \n - exhib. cat.: sam francis, georges mathieu, charles maussion, jean miotte, jean paul riopelle, cologne art association, cologne 1962, n.p. \n \n \n - explosive, gestural early work with a dynamic interplay of colour and space \n \n - the influence of his travels to japan from 1957 onward and his affinity with the gutai group of artists are clearly evident in this work \n \n - the japanese concept of \"ma\" and the painting technique of \"hatsuboku\" are clearly reflected in francis's own distinctive formal language \n \n the healing power of art sam francis was born in san mateo, california, in 1923. his artistic journey began with an experience of physical and emotional trauma. in 1943, he joined the u.s. army air corps, but a serious accident during a training exercise in 1944 forced him to leave military service. francis spent the following years in various clinics. during his recovery, he discovered art, initially as a distraction, but eventually as a means of existential expression. after returning to the university of california, berkeley, francis studied with david park from 1947 to 1950. during this time, clyfford still and jackson pollock shaped his understanding of color and movement. in 1950, francis moved to paris, where he encountered jean-paul riopelle and monet's water lilies, finding new sources of inspiration. his first solo exhibitions in paris, bern, and london brought him attention, especially in europe. in 1957, a trip to asia lasting several months provided him with new inspiration: chinese and japanese art, especially the concept of \u201cma, \u201d empty but meaningful space, became central to his work. \n the year 1959, when the work \u201cuntitled\u201d presented here was created, marked a high point in his career: francis participated in more than 17 group exhibitions worldwide, including documenta ii in kassel and the são paulo biennial, which finally brought him international fame. during this phase, a style emerged that was characterized by tension and a deep exploration of the energy of color. \n \n \n the promise of emptiness the 1959 work \u201cuntitled\u201d is exemplary of this phase. the viewer is presented with a vibrant picture surface crisscrossed with splashes and spots of color. islands of color in bold complementary colors condense at the edges, while the center remains white, broken only by seemingly random, fine splashes of color. this white is not merely a background, but an active part of the composition: it allows the strong colors to breathe, enhances their luminosity, and gives rhythm to the picture surface. \n here, the concept of \u201cma\u201d becomes clear, that space in between, which in japanese aesthetics does not mean emptiness, but potential. francis reverses the traditional pictorial order: the explosions of color frame the white space, giving it weight and meaning. in doing so, he shifts the perspective: the middle, traditionally the center of attention, remains white, but it is not empty. the eye wanders from the color-intensive zones at the edge of the picture to the apparent background of the middle, which oscillates between tension and relief. this creates a dialogue between density and emptiness, movement and stillness. the work derives its tension in particular from the contrast with the idea of a symmetrical order centered on the middle. francis plays with this expectation and reverses it, disrupting the viewer's viewing habits and creating space for a balance of asymmetry, movement, and rhythmic color distribution. francis's approach to chance becomes understandable in the context of his engagement with the japanese gutai group. as in the technique of \u201chatsuboku, \u201d in which ink is seemingly randomly splashed onto the medium, he trusts in gesture and spontaneous movement. yet despite the spontaneity, his composition is deliberately structured: the distribution of color creates a visual balance that feeds on the tension of opposites. \n in francis's understanding, color itself is not a tool, but essence. francis understands color as an energetic force, as an expression of the flow of life. the image carrier becomes a resonance chamber for this energy, which arises from the movement of painting. the apparent disorder follows an intuitive composition whose dynamics arise from the tension between edge and center, between explosion and calm. \n sophie ballermann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n sam francis usa informel abstract expressionism nouvelle école de paris post-war art post war 1950s framed abstract works on paper 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barcelona 1923 - 2012 \n \n \n titel: red painting. \n \n datierung: 1961. \n \n technik: mischtechnik auf leinwand. \n \n maße: 114,5 x 147,5cm. \n \n bezeichnung: signiert und datiert verso oben rechts: tàpies 1961. \n \n rahmen/sockel: atelierleiste. \n \n provenienz: \n - martha jackson gallery, new york (aufkleber) \n - galerie schmela, düsseldorf \n - privatsammlung köln (1962 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - the solomon r. guggenheim museum, new york 1962 \n - kölnischer kunstverein, köln 1964 (aufkleber) \n \n literatur: \n - agustí, anna: tàpies - the complete works, vol. 2: 1961-1968, barcelona 1990, wvz.-nr. 946 \n - ausst.-kat. the solomon r. guggenheim museum, new york 1962 \n - ausst.-kat. kunst des 20. jahrhunderts in kölner privatbesitz, kölnischer kunstverein, köln 1964, kat.-nr. 105, abb. \n \n \n - ausgestellt in seiner ersten retrospektiven ausstellung in amerika im solomon guggenheim museum new york \n \n - seltenes werk aus seiner wichtigen schaffensperiode mit starker räumlicher präsenz durch glühend rote farbigkeit \n \n - seit über 60 jahren im privatbesitz \n \n \n die entfaltung einer eigenen bildsprache \n antoni tàpies gilt als einer der bemerkenswertesten künstler der nachkriegsmoderne. er zählt unangefochten zur elite der spanischen malerei, sein name wird in einem atemzug mit goya, el greco, velazques, miró oder picasso genannt. schon zu schulzeiten im zeichnen und kopieren von werken der bildenden kunst geübt, widmet er sich nach einem kurzen studium der rechtswissenschaften und einem zweimonatigem schnupperkurs an der akademie in barcelona ganz der malerei. er lebt eine weile in paris, reist nach holland und belgien, lernt new york kennen und zählt bald zu den führenden vertretern der informellen malerei. ab den 1960er jahren ist der künstler international anerkannt und erhält zahlreiche preise und auszeichnungen. \n während sein märchenhaft-surreales frühwerk der 1940er jahre noch einflüsse von joan miró und paul klee erkennen lässt, findet tàpies eine dekade später zu seiner eigenen, unverwechselbaren bildsprache, in der material, farbe und zeichen zu trägern geistiger und existenzieller erfahrung werden. diese werke entziehen sich dem schnellen blick und entfalten ihre wirkung in stille und konzentration - sie sind weder gefällig noch verführerisch. in ihrer asketischen strenge und spirituellen tiefe eröffnen sie rätselhafte bildräume, deren geheimnis sich hinter der sichtbaren oberfläche verbirgt. \n \n \n im spannungsfeld von rot und schwarz \n präsentieren sich die meisten arbeiten des künstlers in einer eher monochromen palette aus ocker-, grau- und brauntönen, so tritt in diesem gemälde der reiz der farbe eindrucksvoll hervor. es besticht durch eine intensive, leuchtend rote farbigkeit, die den bildraum vollständig durchdringt. das rot entfaltet eine fast glühende präsenz, während das eingearbeitete schwarz dem bild eine spürbare schwere verleiht. das schwarze zeichen am oberen bildrand wirkt wie eine archaische spur oder ein fragment einer schrift - es dominiert mit kraftvoller geste die rote fläche und verleiht dem gemälde eine geheimnisvolle, symbolische dimension. weitere dunkle partien in facettenreichen spielarten zwischen pechschwarz und schiefer sind locker über die fläche verteilt, sie erscheinen wie informelle flecken oder narben in der farbschicht und verleihen der oberfläche eine dynamisch bewegte struktur und ausdruckskraft. in der spannung zwischen dem strahlenden rot und dem erdigen schwarz manifestiert sich die für tàpies charakteristische verbindung von materieller substanz und spiritueller tiefe. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n antoni tàpies spanien informel nachkriegskunst unikate 1960er atelierleiste abstrakt gemälde öl","en":"tàpies, antoni \n barcelona 1923 - 2012 \n \n \n title: red painting. \n \n date: 1961. \n \n technique: mixed media on canvas. \n \n measurement: 114.5 x 147.5cm. \n \n notation: signed and dated verso upper right: tàpies 1961. \n \n frame/pedestal: studio bar. \n \n provenance: \n - martha jackson gallery, new york (adhesive label) \n - galerie schmela, düsseldorf \n - private collection, cologne (acquired from the previous owner in 1962) \n \n exhibitions: \n - the solomon r. guggenheim museum, new york, 1962 \n - kölnischer kunstverein, cologne, 1964 (adhesive label) \n \n literature: \n - agustí, anna: tàpies - the complete works, vol. 2: 1961-1968, barcelona, 1990, cat. rais. no. 946 \n - exhib. cat., the solomon r. guggenheim museum, new york 1962 \n - exhib. cat., 20th century art in private collections in cologne, kölnischer kunstverein, cologne 1964, cat. no. 105, ill. \n \n \n - exhibited in his first retrospective exhibition in america at the solomon guggenheim museum, new york \n \n - rare work from his important creative period, with a strong spatial presence due to its glowing red colour \n \n - in private ownership for over 60 years \n \n the development of his own visual language antoni tàpies is considered one of the most remarkable artists of post-war modernism. he is undisputedly one of the elite of spanish painting, his name mentioned in the same breath as goya, el greco, velazques, miró, and picasso. already skilled in drawing and copying works of fine art during his school days, he devoted himself entirely to painting after a brief period of studying law and a two-month taster course at the academy in barcelona. he lived in paris for a while, traveled to holland and belgium, got to know new york, and soon became one of the leading representatives of informal painting. from the 1960s onwards, the artist gained international recognition and received numerous prizes and awards. \n while his fairy-tale-like, surreal early work from the 1940s still shows influences from joan miró and paul klee, a decade later tàpies found his own distinctive visual language, in which material, color, and symbols became vehicles for spiritual and existential experience. these works elude the quick glance and unfold their effect in silence and concentration\u2014they are neither pleasing nor seductive. in their ascetic austerity and spiritual depth, they open up enigmatic pictorial spaces whose mystery is hidden behind the visible surface. \n \n \n in the tension between red and black while most of the artist's works are presented in a rather monochrome palette of ochre, gray, and brown tones, the appeal of color stands out impressively in this painting. it captivates with its intense, bright red coloration that completely permeates the pictorial space. the red unfolds an almost glowing presence, while the incorporated black lends the picture a palpable heaviness. the black mark at the top of the picture appears like an archaic trace or a fragment of writing\u2014it dominates the red surface with a powerful gesture and lends the painting a mysterious, symbolic dimension. further dark areas in multifaceted variations between jet black and slate are loosely distributed across the surface, appearing like informal spots or scars in the paint layer and lending the surface a dynamically moving structure and expressiveness. the tension between the radiant red and the earthy black manifests tàpies' characteristic combination of material substance and spiritual depth. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n antoni tàpies spain informel post-war art post war 1960s studio bar abstract painting oil"},"estimateMax":350000,"lotNumber":"59","title":{"de":"antoni tàpies: red painting","en":"antoni tàpies: red 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\n \n datierung: 1958-62. \n \n technik: mischtechnik auf leinwand. \n \n montierung: auf holz aufgezogen. \n \n maße: 195 x 132cm. \n \n bezeichnung: betitelt (nicht mehr vollständig lesbar) und datiert (eigenhändig?) verso oben links: ...oglyphes 1958. \n \n rahmen/sockel: atelierleiste. \n \n provenienz: \n - galerie stadler, paris \n - galerie van de loo, münchen \n - privatsammlung köln (1970 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - galerie van de loo, münchen 1959 \n \n literatur: \n - agustí, anna: tàpies - the complete works, vol. 1: 1943-1960, barcelona 1988, wvz.-nr. 820, abb. \n - haftman, werner: malerei im 20. jahrhundert, münchen 1965, s. 377 \n - gatt, giuseppe: antoni tàpies, bologna 1967, abb. tafel 106 \n - cirici, alexandre: tàpies, testimoni del silenci, barcelona 1970, abb. tafel 177 \n - gimferrer, pere: antoni tàpies i l'esprit català, barcelona 1974, abb. tafel 25 \n - combalia dexeus, victòria: tàpies, barcelona 1984, abb. tafel 14 \n - permanyer, lluís: tàpies i la nova cultura, barcelona 1986, abb. tafel 116 \n \n \n - antoni tàpies verbindet in seinem werk malerei, material und symbol zu einer einzigartigen bildsprache zwischen abstraktion und spiritualität. \n \n - charakteristisches gemälde des großen spanischen künstlers aus der zeit um 1960 \n \n - museales werk aus der renommierten galerie van de loo, führender händler für das europäische informel \n \n \n struktur und erdverbundene materialität der malerei \n der katalane antoni tàpies - maler, bildhauer und objektkünstler - prägt wie kaum ein anderer das spanische informel. nach einem kurzen jura-studium an der universität barcelona wendet er sich ab 1946, weitgehend autodidaktisch, der malerei zu. schon bald stellen sich erste erfolge ein: 1950 zeigt er seine erste einzelausstellung in barcelona, einige jahre später folgt eine präsentation in der new yorker galerie von martha jackson sowie die teilnahme an der biennale in são paulo. 1954 ist tàpies erstmals auf der biennale di venezia vertreten, vier jahre später erlangt er dort als repräsentant spaniens internationale anerkennung. \n schon früh offenbart sich die affinität des künstlers zu rauen, stofflichen und erdverbundenen oberflächen, als er mit mischtechniken zu arbeiten beginnt und die haptisch erfahrbare bildfläche in den mittelpunkt seiner malerei rückt. \"schließlich hatte ich bereits seit meinen ersten jugendwerken beständig den drang verspürt, erdiges material zu verwenden\", schreibt der künstler in seinen erinnerungen, \"und schon von anbeginn an war ich in meinem schaffen stets primär um eine ausdrucksstarke textur, eine expressive struktur der gemalten formen, bemüht gewesen.\" (antoni tàpies zit. nach tàpies, antoni: erinnerungen, st. gallen 1988, bd. 2, s. 176) \n \n \n symbolhafte zeichen - wie relikte einer untergegangenen epoche \n tàpies? gemälde \"hieroglyphics\" aus den jahren 1958-62 besticht zunächst durch seine komposition aus groß angelegten flächen, offenbart jedoch auf den zweiten blick eine bemerkenswerte komplexität - ein geflecht feiner spuren, kerben und subtiler texturen. warme, erdige ockertöne verweisen auf lehm, sand oder gealterte steinoberflächen, während dunkle, beinahe schwarze partien markante kontraste setzen. die dominierende helle bildzone wirkt wie das fragment einer alten wand oder einer archaischen tontafel, deren vernarbte oberfläche von zeit und witterung gleichermaßen gezeichnet ist. zahlreiche symbolhafte ritzungen erinnern von ferne an die hieroglyphen altägyptischer kunst - wie geheimnisvolle, nicht dechiffrierbare zeichen einer uralten, längst verstummten sprache. \n \"hieroglyphics\" wirkt wie ein relikt vergangener zeiten, einer untergegangenen epoche, einer vergessenen hochkultur. in der überzeugenden verbindung von material und zeichen offenbart sich tàpies' unverwechselbare handschrift: die tafel wird zum träger von erinnerung, die zeichen legen zeugnis ab von der existenz des menschen, der seine spuren eingraviert und hinterlassen hat. antoni tàpies' werk ist eine stille hommage an die materialität und die tiefe, meditative kraft der malerei. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n antoni tàpies spanien informel nachkriegskunst unikate 1950er atelierleiste abstrakt gemälde öl","en":"tàpies, antoni \n barcelona 1923 - 2012 \n \n \n title: hieroglyphics no. lxxiv. \n \n date: 1958-62. \n \n technique: mixed media on canvas. \n \n mounting: mounted on wood. \n \n measurement: 195 x 132cm. \n \n notation: titled (no longer fully legible) and dated (in his own hand?) verso upper left: ...oglyphes 1958. \n \n frame/pedestal: studio bar. \n \n provenance: \n - galerie stadler, paris \n - galerie van de loo, munich \n - private collection, cologne (acquired from the previous owner in 1970) \n \n exhibitions: \n - galerie van de loo, munich, 1959 \n \n literature: \n - agustí, anna: tàpies - the complete works, vol. 1: 1943-1960, barcelona, 1988, cat. rais. no. 820, ill. \n - haftman, werner: painting in the 20th century, munich 1965, p. 377 \n - gatt, giuseppe: antoni tàpies, bologna 1967, ill. plate 106 \n - cirici, alexandre: tàpies, testimoni del silenci, barcelona 1970, ill. plate 177 \n - gimferrer, pere: antoni tàpies i l'esprit català, barcelona 1974, ill. plate 25 \n - combalia dexeus, victòria: tàpies, barcelona 1984, ill. plate 14 \n - permanyer, lluís: tàpies i la nova cultura, barcelona 1986, ill. plate 116 \n \n \n - in his work, antoni tàpies combines painting, material, and symbol into a unique visual language between abstraction and spirituality. \n \n - a characteristic painting by the great spanish artist from around 1960 \n \n - museum-quality work from the renowned van de loo gallery, a leading dealer of european informel \n \n structure and earthy materiality in painting the catalan antoni tàpies\u2014painter, sculptor, and object artist\u2014has shaped spanish informel like no other. after briefly studying law at the university of barcelona, he turned to painting in 1946, largely as a self-taught artist. success soon followed: in 1950, he held his first solo exhibition in barcelona, followed a few years later by a presentation at martha jackson's gallery in new york and participation in the são paulo biennial. in 1954, tàpies was represented at the venice biennale for the first time, and four years later he gained international recognition there as spain's representative. \n the artist's affinity for rough, textured, earthy surfaces became apparent early on when he began working with mixed media and placed the tactile image surface at the center of his painting. \u201cafter all, ever since my first works as a young man, i had constantly felt the urge to use earthy materials, \u201d the artist wrote in his memoirs, \u201cand from the very beginning, i had always been primarily concerned with creating an expressive texture, an expressive structure of the painted forms.\u201d (antoni tàpies, quoted from tàpies, antoni: memoirs, st. gallen 1988, vol. 2, p. 176) \n \n \n symbolic signs \u2013 like relics of a bygone era tàpies' painting \u201chieroglyphics\u201d from 1958-62 initially captivates with its composition of large-scale surfaces, but at second glance reveals a remarkable complexity \u2013 a network of fine traces, notches, and subtle textures. warm, earthy ochre tones refer to clay, sand, or aged stone surfaces, while dark, almost black areas create striking contrasts. the dominant light area of the painting appears like a fragment of an old wall or an archaic clay tablet, its scarred surface marked by both time and weather. numerous symbolic incisions are reminiscent of the hieroglyphics of ancient egyptian art \u2013 like mysterious, indecipherable signs of an ancient, long-silent language. \n \u201chieroglyphics\u201d appears like a relic of times past, a lost era, a forgotten advanced civilization. tàpies' unmistakable signature is revealed in the convincing combination of material and symbols: the tablet becomes a carrier of memory, the symbols bear witness to the existence of man, who has engraved and left his traces. antoni tàpies' work is a silent homage to the materiality and deep, meditative power of painting. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n antoni tàpies spain informel post-war art post war 1950s studio bar abstract painting oil"},"estimateMax":350000,"lotNumber":"60","title":{"de":"antoni tàpies: hieroglyphics no. lxxiv","en":"antoni tàpies: hieroglyphics no. 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kunstharzfarbe auf karton. \n \n montierung: auf leinwand aufgezogen. \n \n maße: 65 x 101cm. \n \n bezeichnung: signiert unten rechts: tàpies. nochmals signiert und datiert verso oben links: tàpies 1959. \n \n rahmen/sockel: atelierleiste. \n \n provenienz: \n - galerie alfred schmela, düsseldorf \n - privatsammlung köln (1962 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - sala gaspar, barcelona 1964 \n \n literatur: \n - agustí, anna: tàpies - the complete works, vol. 1: 1943-1960, barcelona 1988, wvz.-nr. 743, abb. \n - ausst.-kat. antoni tàpies. fustes, papers, cartons i collages, sala gaspar, barcelona 1964, s. 72, abb. \n \n \n - antoni tàpies vereint malerei und material zu rätselhaften, unergründlichen bildräumen \n \n - das herausragende gemälde von 1959 verbindet die gestische bewegung mit der stillen materialität von erde und farbe \n \n \n tief verwurzelt in der katalanischen erde \n der aufschwung der spanischen malerei in der nachkriegsmoderne verbindet sich untrennbar mit dem namen antoni tàpies. nach figurativen anfängen im einflussbereich des surrealismus findet der autodidakt ende der 1950er jahre zu einer unverwechselbaren bildsprache, die den fokus von der darstellung auf die materialität des bildes verlagert. indem er seinen farben erde, sand oder marmorstaub beimischt, entstehen oberflächen von rauer, beinahe archaischer präsenz. \n zeitlebens wohnt und arbeitet antoni tàpies in barcelona, die katalanische herkunft hat sein denken, seine kunst und identität tief geprägt. das naturhafte, von erdigen, ocker- und grautonigen farben bestimmte kolorit seiner malerei ist ohne die karge, steinige topografie seines heimatlandes nicht denkbar - eine trockene, herbe landschaft von großer schlichtheit und strenge. ihre asketische schönheit findet in tàpies' werk eine entsprechung. \n \n \n ein großes, schweigsames malerisches werk \n subtile nuancen von braun, grau und rötlichem ocker bestimmen in dem gemälde \"winding\" die bildwirkung und erzeugen eine atmosphäre von gedämpfter wärme und innerer konzentration. in der bildmitte zieht sich eine breite schlangenförmige linie - eine geste, die bewegung und energie in die sonst ruhige, meditative komposition bringt. rechts davon zeichnet sich eine rechteckige form ab, die an einen durchblick oder übergang erinnert, einen eindruck von tiefe evoziert und auf das für tàpies typische spiel zwischen oberfläche und dem dahinterliegenden verweist. die sich windende form - wie eine spur, geste oder ein in die materie eingeschriebenes zeichen - steht im spannungsfeld von bewusster setzung und spontaner energie. die umgebenden flächen sind von breiten, pastosen pinselzügen geprägt, die spuren des malprozesses sichtbar lassen. \n \n \n resonanzboden der einfühlung und fantasie \n \"der sinn eines werkes\", zitiert die tàpies-kennerin barbara catoir den maler in der frankfurter allgemeinen zeitung vom 11. juni 1977, \"beruht auf der möglichen mitarbeit des betrachters. wer ohne innere bilder lebt, ohne imagination und ohne die sensibilität, die man braucht, um im eigenen inneren gedanken und gefühle zu assoziieren, wird gar nichts sehen.\" (catoir, barbara: eine art, über das leben nachzudenken. der spanische maler antoni tàpies. ein besuch in barcelona, in: frankfurter allgemeine zeitung, 11.6.1977) der künstler versteht die malerei als eine form der tätigen reflexion und sinnhaften wahrnehmung des daseins, das den menschen in tiefere bewusstseinsschichten vordringen lässt. \n \"winding\" ist eine einladung zum sehen, fühlen und nachspüren der in die materie eingeschriebenen energie. wer sich der kontemplativen stille von tàpies? malerei hingibt, wird mit vielfältiger erfahrung, innerer resonanz und einer leisen ergriffenheit mehr als belohnt. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n antoni tàpies spanien informel nachkriegskunst unikate 1950er atelierleiste abstrakt gemälde kunstharz","en":"tàpies, antoni \n barcelona 1923 - 2012 \n \n \n title: winding. \n \n date: 1959. \n \n technique: synthetic resin paint on card. \n \n mounting: mounted on canvas. \n \n measurement: 65 x 101cm. \n \n notation: signed lower right: tàpies. verso signed and dated again, upper left: tàpies 1959. \n \n frame/pedestal: studio bar. \n \n provenance: \n - alfred schmela gallery, düsseldorf \n - private collection, cologne (acquired from the previous owner in 1962) \n \n exhibitions: \n - sala gaspar, barcelona, 1964 \n \n literature: \n - agustí, anna: tàpies - the complete works, vol. 1: 1943-1960, barcelona 1988, cat. rais. no. 743, ill. \n - exhib. cat.: antoni tàpies. fustes, papers, cartons i collages, sala gaspar, barcelona, 1964, p. 72, ill. \n \n \n - antoni tàpies unites painting and materials to create enigmatic, unfathomable pictorial spaces \n \n - this outstanding painting from 1959 combines gestural movement with the silent materiality of earth and paint \n \n deeply rooted in catalan soil the rise of spanish painting in post-war modernism is inextricably linked to the name antoni tàpies. after figurative beginnings influenced by surrealism, the self-taught artist found his own distinctive visual language in the late 1950s, shifting the focus from representation to the materiality of the image. \n by mixing earth, sand, or marble dust into his paints, he created surfaces with a rough, almost archaic presence. antoni tàpies lived and worked in barcelona throughout his life, and his catalan origins had a profound influence on his thinking, his art, and his identity. \n the naturalistic color scheme of his paintings, dominated by earthy, ochre, and gray tones, would be inconceivable without the barren, rocky topography of his homeland\u2014a dry, austere landscape of great simplicity and severity. its ascetic beauty finds its counterpart in tàpies' work. \n \n \n a large, silent body of work subtle nuances of brown, gray, and reddish ochre dominate the visual impact of the painting \u201cwinding, \u201d creating an atmosphere of subdued warmth and inner concentration. a broad, serpentine line runs through the center of the picture\u2014a gesture that brings movement and energy to the otherwise calm, meditative composition. to the right of it, a rectangular shape emerges, reminiscent of a vista or transition, evoking an impression of depth and referring to tàpies' typical interplay between surface and what lies behind it. the winding shape\u2014like a trace, gesture, or sign inscribed in the material\u2014stands in the field of tension between conscious placement and spontaneous energy. the surrounding areas are characterized by broad, impasto brushstrokes that reveal traces of the painting process. \n \n \n resonating board of empathy and imagination \u201cthe meaning of a work, \u201d quotes tàpies expert barbara catoir in the frankfurter allgemeine zeitung of june 11, 1977, \"is based on the possible collaboration of the viewer. those who live without inner images, without imagination and without the sensitivity needed to associate thoughts and feelings within themselves, will see nothing at all.\" (catoir, barbara: a way of thinking about life. the spanish painter antoni tàpies. a visit to barcelona, in: frankfurter allgemeine zeitung, june 11, 1977) the artist understands painting as a form of active reflection and meaningful perception of existence, which allows people to penetrate deeper layers of consciousness. \n \u201cwinding\u201d is an invitation to see, feel, and trace the energy inscribed in the material. those who surrender to the contemplative silence of tàpies' painting will be more than rewarded with a diverse experience, inner resonance, and a quiet emotion. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n antoni tàpies spain informel post-war art post war 1950s studio bar abstract painting synthetic resin"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"61","title":{"de":"antoni tàpies: winding","en":"antoni tàpies: winding"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29343/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:07.184Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - \u20ac70,000","currency":"EUR","id":29343,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post War"},"estimateMin":50000},{"startPrice":144000,"sold":false,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29344/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/29344/002/002.jpg"],"available":false,"description":{"de":"soto, jesús rafael \n 1923 ciudad bolivar/venezuela - 2005 paris \n \n \n titel: \"double blanc\". \n \n datierung: 1967. \n \n technik: öl auf leinwand mit metall-mobile-konstruktion. \n \n maße: 158 x 158cm. \n \n bezeichnung: betitelt, signiert und datiert verso oben rechts: \"double blanc\" soto 1967. zudem mit richtungsangabe. \n \n provenienz: \n - galerie denise rené, paris (aufkleber) \n - galerie buchholz, münchen (kunstmarkt köln) \n - privatsammlung köln (1970 von vorheriger erworben) \n \n \n - werke dieser größe werden selten auf dem deutschen auktionsmarkt angeboten \n \n - sotos faszinierenden werke erreichen eine vierte dimension: die optische erweiterung des bildes durch bewegung \n \n - verkauft in der galerie denise rené in paris - damaliges epizentrum der kinetischen kunst \n \n - museales werk - nach über 50 jahren erstmals wieder marktfrisch angeboten \n \n \"wenn ein kunstwerk einen ursprung hat, dann allein in der reflexion, der strenge und der logik künstlerischen forschens. kunst ist nicht ausdruck, kunst ist erkenntnis.\" (jesús rafael soto zit. nach joray, marcel / soto, jesús rafael: soto, neuchâtel, 1984.) \n \n \n ein venezolaner erobert die welt der optik \n jesús rafael soto, ältestes von fünf kindern einer in bescheidenen verhältnissen lebenden venezolanischen familie, verdient als jugendlicher mit dem schriftenmalen von kinoplakaten erstes geld. seine künstlerische begabung bleibt nicht verborgen; ein stipendium ermöglicht ihm ab 1942 den besuch der schule für bildende und angewandte kunst in caracas. 1950 bricht der junge kunstlehrer dann aber nach paris auf, wo er sich intensiv mit den arbeiten der konstruktivisten kasimir malewich und piet mondrian auseinandersetzt. im kreis der künstler des \"salon des réalités nouvelles\" und der galerie denis rené wie yaacov agam und victor vaserely findet jesús rafael soto mitstreiter auf der suche nach neuen optischen gestaltungsformen unter anwendung wissenschaftlicher erkenntnisse. zunächst malt er repetitive, serielle gemälde, bald kommt aber die dritte dimension hinzu: mit transparenten plexiglasscheiben setzt er seine gemälde in bewegung. 1955 ist soto an der ausstellung \"le mouvement\" in der galerie denis rené beteiligt, die für die entwicklung der kinetischen kunst entscheidend ist. 1957 entstehen die ersten vibrationsbilder bei denen er drahtgebilde derart vor einem schwarz-weiss gestreiften hintergrund platziert, dass - bei geringfügiger bewegung des betrachtenden - ein moiré-effekt entsteht. dieses konzept variiert jesùs rafael soto mit verschiedenen elementen wie quadratischen flächen, t-förmigen metallen oder auch gebogenen stäben, die an nylonschnüren hängen. dicht hängende stäbe werden in ganz anderem maßstab essentiell für raumgreifende arbeiten, die der inzwischen international gefeierte künstler ab 1967 schafft. nun lädt er den betrachter ein, sich seiner kunst anzuvertrauen und die hängenden stäbe zu durchschreiten. jesús rafael soto erfährt mit seinem werk größte anerkennungen; als einer der wichtigsten entwickler der op-art ist er im öffentlichen raum wie auch in den bedeutenden sammlungen und museen weltweit prominent vertreten. \n \n \n der tanz der linien \n \"double blanc\" aus dem jahr 1967 ist ein ganz charakteristisches vibrations-werk des venezolanischen künstlers. die quadratische arbeit ist in drei gleich breite, hochrechteckige paneele aufgeteilt. die beiden äußeren weisen jeweils im unteren drittel ein mit waagerechter, schwarz-weißer schraffur gebildetes quadrat auf. vor diesen quadraten schweben lange, dünne, leicht gebogene metallstäbe, die von nylonschnüren gehalten werden. die drähte sind so bemessen, dass sie seitlich beidseitig weit über ihr jeweiliges paneel hinausragen, sich in der mitte aber nicht berühren. ein lufthauch lässt die federleichte konstruktion schwingen und tanzen. die überlagerung der linien vor den schraffierten quadraten führt schon ohne bewegung zu moiré-effekten. kommt nun sowohl die bewegung der drähte als auch die bewegung des betrachtenden hinzu, gerät das untere drittel von \"double blanc\" in sphärische schwingungen. wie gut, dass die oberen zwei drittel in ihrer weißen ruhe und mit den streng wirkenden senkrechten der nylon-aufhängung ein gegengewicht zu dem oszillierenden tanz der linien halten. \n \n \n wiedererkennbar einzigartig \n mit den vibrations-arbeiten hat jesús rafael soto die op-art entscheidend bereichert und sich selbst ein großes experimentierfeld geschaffen. denn auch wenn er das vorliegende prinzip der hängenden stäbe immer wieder und auch ähnlich proportioniert aufnimmt, überrascht die unterschiedlichkeit der objekte bei doch eindeutiger wiedererkennbarkeit. \n manche dieser arbeiten weisen nur zwei paneele mit nur einem \"mobilé\" auf. auch eine veränderte farbigkeit der arbeiten verändert ihren ausdruck nachhaltig. \n \"double blanc\" besticht durch die eleganz und die strenge symmetrie, wobei sich in dem so reizvollen zwischenraum zwischen den drähten eine ganz eigentümliche energie aufzuladen scheint. \n alexandra bresges-jung \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n jesús rafael soto frankreich op art kinetische kunst unikate 1960er abstrakt gemälde mischtechnik","en":"soto, jesús rafael \n 1923 ciudad bolivar/venezuela - 2005 paris \n \n \n title: \"double blanc\". \n \n date: 1967. \n \n technique: oil on canvas with metal mobile construction. \n \n measurement: 158 x 158cm. \n \n notation: titled, signed and dated verso upper right: \"double blanc\" soto 1967. additionally with direction indication. \n \n provenance: \n - galerie denise rené, paris (adhesive label) \n - galerie buchholz, munich (cologne art market) \n - private collection, cologne (acquired from the previous owner in 1970) \n \n \n - works of this size are rarely offered on the german auction market \n \n - soto's fascinating works achieve a fourth dimension: the optical expansion of the image through movement \n \n - sold at galerie denise rené in paris - the epicenter of kinetic art at the time \n \n - museum-quality work - offered on the market for the first time in over 50 years \n \n \"if a work of art has an origin, it lies solely in the reflection, rigour, and logic of artistic inquiry. art is not expression; art is knowledge.\" (jesús rafael soto, quoted in joray, marcel / soto, jesús rafael: soto, neuchâtel, 1984). \n \n \n \n a venezuelan conquers the world of optics jesús rafael soto, the eldest of five children in a modest venezuelan family, earned his first money as a teenager by painting letters on cinema posters. his artistic talent did not go unnoticed; in 1942, he was awarded a scholarship to attend the school of fine and applied arts in caracas. in 1950, however, the young art teacher left for paris, where he intensively studied the works of the constructivists kazimir malevich and piet mondrian. among the artists of the \u201csalon des réalités nouvelles\u201d and the galerie denis rené, such as yaacov agam and victor vaserely, jesús rafael soto found fellow seekers of new optical forms of design using scientific knowledge. initially, he painted repetitive, serial paintings, but soon added the third dimension: he set his paintings in motion using transparent plexiglas panels. in 1955, soto participated in the \u201cle mouvement\u201d exhibition at the galerie denis rené, which was decisive for the development of kinetic art. in 1957, he created his first vibration paintings, in which he placed wire structures in front of a black-and-white striped background in such a way that even the slightest movement by the viewer created a moiré effect. jesús rafael soto varied this concept with different elements such as square surfaces, t-shaped metals, and curved rods suspended from nylon cords. closely spaced rods become essential on a completely different scale for the large-scale works that the now internationally acclaimed artist creates from 1967 onwards. he now invites the viewer to entrust themselves to his art and walk through the hanging rods. jesús rafael soto has received great acclaim for his work; as one of the most important developers of op art, he is prominently represented in public spaces as well as in major collections and museums worldwide. \n \n \n the dance of lines \u201cdouble blanc\u201d from 1967 is a very characteristic vibration work by the venezuelan artist. the square work is divided into three equally wide, tall rectangular panels. the two outer panels each feature a square formed by horizontal black and white hatching in the lower third. long, thin, slightly curved metal rods float in front of these squares, held in place by nylon cords. the wires are dimensioned so that they extend far beyond their respective panels on both sides, but do not touch in the middle. a breath of air causes the feather-light construction to swing and dance. the superimposition of the lines in front of the hatched squares creates moiré effects even without movement. when the movement of the wires and the movement of the viewer are added, the lower third of \u201cdouble blanc\u201d begins to vibrate spherically. fortunately, the upper two thirds, with their white tranquility and the austere vertical lines of the nylon suspension, provide a counterbalance to the oscillating dance of the lines. \n \n \n recognizably unique with his vibration works, jesús rafael soto has made a decisive contribution to op art and created a vast field of experimentation for himself. for even though he repeatedly uses the same principle of suspended rods in similar proportions, the diversity of the objects is surprising, yet clearly recognizable. \n some of these works feature only two panels with a single \u201cmobile.\u201d a change in the color scheme of the works also has a lasting effect on their expression. \n \u201cdouble blanc\u201d captivates with its elegance and strict symmetry, while a very peculiar energy seems to charge the charming space between the wires. \n alexandra bresges-jung \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n jesús rafael soto op art kinetic art post war 1960s abstract painting mixed media"},"estimateMax":240000,"lotNumber":"62","title":{"de":"jesús rafael soto: \"double blanc\"","en":"jesús rafael soto: \"double blanc\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29344/view","tags":["daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":144000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:07.190Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac180,000 - \u20ac240,000","currency":"EUR","id":29344,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post 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spectrum, museum am ostwall, dortmund 2008/2009 \n \n \n - seltenes gemälde aus den frühen jahren der zero-bewegung, die besonders gefragt sind \n \n - otto piene: pionier eines radikalen künstlerischen neubeginns \n \n - schlüsselwerk der formalen reduktion und erforschung des lichts \n \n \n reduktion und neubeginn - otto pienes frühe rasterbilder \n mit der düsseldorfer gruppe zero etabliert sich in deutschland ende der 1950er jahre eine radikale junge nachkriegsavantgarde. als reaktion auf den lyrisch-expressiven gestus des tachismus und informel suchen heinz mack, otto piene und später günther uecker nach einem konsequenten künstlerischen neubeginn. materialien wie feuer, wasser, licht, glas, nägel, aluminium und kunststoff finden eingang in ihre arbeiten, die grenzen zwischen kunstwerk und raum werden aufgehoben, licht und bewegung avancieren zu zentralen gestaltungselementen. \n ganz zu beginn der entwicklung kann das klassische tafelbild seinen angestammten platz noch für eine weile behaupten - es wird jedoch einer radikalen umdeutung unterzogen. an die stelle von polychromie und komposition treten nun prinzipien wie monochromie und raster, die die bildwirkung bestimmen. \n bereits 1957 entwickelt otto piene seine ersten \"halbmechanisch\" entstandenen rasterbilder, die von spuren individueller handschrift weitgehend gereinigt sind. dabei presst er ölfarbe durch selbst gefertigte siebe, deren löcher er mit einem locheisen in das material geschlagen hatte. je nach größe und dichte der öffnungen entstehen auf der leinwand vielfältige strukturen: gleichmäßige raster, die die gesamte bildfläche überziehen, schmale streifen- oder kreisformen sowie texturen, die von ferne an gewebte stoffe erinnern. \n in diesen frühen jahren reduziert sich die farbvielfalt auf ein minimum. otto piene setzt auf helle, lichtreflektierende töne wie weiß, gelb, silber und gold, während schwarz als kontrastierendes gegenprinzip ebenfalls eine rolle spielt. \"aus den lichtbildern, aus den hellen bildern, die licht direkt anstreben\", so der künstler, \"wurden die negative sozusagen, die die dunkelheit benutzten, um licht zu provozieren.\" (otto piene, zit. nach: otto piene - retrospektive 1952-1996, ausst.-kat. kunstmuseum düsseldorf im ehrenhof, köln 1996, s. 51.) \n \n \n monochromie und struktur - das schwarze rasterbild als wahrnehmungsexperiment \n das 1958 entstandene, schlanke querformat zeigt eine nahezu vollständig schwarze fläche, die von einem fein strukturierten raster aus erhabenen punkten und subtil modulierten strukturen überzogen ist. die fast reliefartige gestaltung erzeugt ein sensibles spiel des lichts auf dem schwarzen bildgrund. in der wechselwirkung von ordnung und unregelmäßigkeit entfaltet sich eine spannungsvolle dynamik - eine lebendige, vibrierende oberfläche. \n mit arbeiten wie dieser löst piene die malerei aus ihrem traditionellen, bildhaften charakter. substanz und materialität der farbe rücken in den mittelpunkt: die bildfläche erfährt durch die monochromie eine beruhigung und konzentration, während das raster der leicht erhabenen farbstruktur zugleich ästhetische vielfalt und eine feine modulierung sichtbar macht. in dieser spannung zwischen strenge und lebendigkeit liegt eine besondere qualität von otto pienes werk. \n \"schwarz-schwarz\" steht exemplarisch für den frühen zero-gedanken, der nach der individuellen geste des informel eine neue, stille und auf klarheit und ordnung gerichtete form künstlerischen ausdrucks anstrebt. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n otto piene deutschland zero lichtkunst nachkriegskunst unikate 1950er abstrakt gemälde öl","en":"piene, otto \n 1928 laasphe/westphalia - 2014 berlin \n \n \n title: schwarz-schwarz (rasterbild). \n \n date: 1958. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 60 x 170cm. \n \n notation: signed and dated verso top right: piene (circled) 58. additionally with directional arrow. \n \n provenance: \n - alfred schmela gallery, düsseldorf \n - private collection, cologne (acquired from the previous owner in 1964) \n \n exhibitions: \n - museum am ostwall, dortmund 2008/2009 \n \n literature: \n - exhib. cat. otto piene: spectrum, museum am ostwall, dortmund 2008/2009 \n \n \n - a rare painting from the early years of the zero movement, which are in high demand \n \n - otto piene: pioneer of a radical artistic new beginning \n \n - key work of formal reduction and exploration of light \n \n reduction and new beginnings \u2013 otto piene's early grid paintings with the düsseldorf-based zero group, a radical young post-war avant-garde established itself in germany in the late 1950s. in response to the lyrical, expressive gestures of tachism and informel, heinz mack, otto piene, and later günther uecker sought a consistent artistic new beginning. materials such as fire, water, light, glass, nails, aluminum, and plastic found their way into their works, the boundaries between artwork and space were removed, and light and movement became central design elements. \n at the very beginning of this development, the classic panel painting was able to maintain its traditional place for a while longer\u2014but it underwent a radical reinterpretation. polychromy and composition were replaced by principles such as monochromy and grids, which determined the effect of the image. \n as early as 1957, otto piene developed his first \u201csemi-mechanical\u201d grid paintings, which were largely cleansed of traces of individual handwriting. to do this, he pressed oil paint through screens he had made himself, the holes in which he had punched into the material with a punch. depending on the size and density of the openings, a variety of structures emerge on the canvas: uniform grids covering the entire picture surface, narrow stripes or circles, and textures that resemble woven fabrics when viewed from a distance. \n in these early years, the variety of colors was reduced to a minimum. otto piene relies on bright, light-reflecting tones such as white, yellow, silver, and gold, while black also plays a role as a contrasting counterprinciple. \u201cfrom the light images, from the bright images that directly strive for light, \u201d says the artist, \u201cthe negatives, so to speak, were created, which used darkness to provoke light.\u201d (otto piene, quoted from: otto piene - retrospective 1952-1996, exhibition catalog, kunstmuseum düsseldorf im ehrenhof, cologne, 1996, p. 51.) \n \n \n monochrome and structure - the black grid image as a perception experiment created in 1958, this slender landscape format shows an almost completely black surface covered with a finely structured grid of raised dots and subtly modulated structures. the almost relief-like design creates a sensitive play of light on the black background. the interplay of order and irregularity unfolds an exciting dynamic\u2014a lively, vibrant surface. \n with works such as this, piene liberates painting from its traditional, pictorial character. the substance and materiality of the paint take center stage: the monochrome effect lends the picture surface a sense of calm and concentration, while the grid of the slightly raised color structure reveals both aesthetic diversity and subtle modulation. this tension between austerity and liveliness is a special quality of otto piene's work. \n \u201cschwarz-schwarz\u201d exemplifies the early zero concept, which, following the individual gesture of informel, strives for a new, quiet form of artistic expression focused on clarity and order. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n otto piene germany zero light art post-war art post war 1950s abstract painting oil"},"estimateMax":180000,"lotNumber":"63","title":{"de":"otto piene: 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198 x ø 58cm. \n \n hergestellt bei royal leerdam (ml). \n \n das werk wurde in einer auflage von sieben exemplaren für die ausstellung \"kunstlichtkunst\" 1966 im van abbemuseum eindhoven hergestellt. durch das handblasverfahren ist jede skulptur ein unikat. nur zwei exemplare aus der zeit sind erhalten. ein weiteres exemplar befindet sich in der sammlung der zero foundation, düsseldorf. \n \n das werk ist voll funktionstüchtig. \n \n wir danken mattijs visser, gründungsdirektor der zero foundation in düsseldorf, für die freundliche unterstützung. \n \n provenienz: \n - galerie alfred schmela, düsseldorf \n - privatsammlung köln (1969 von vorheriger erworben) \n \n ausstellung: \n -stedelijk van abbemuseum, eindhoven 1966 \n \n \n - der lichtgeist verkörpert die idee einer lichtkunst, die über das rein materielle hinausweist \n \n - das opalweiß und die aussendenden lichtimpulse verleihen der lichtskulptur ein geisterhaftes eigenleben \n \n - rarität auf dem auktionsmarkt, da nur wenige skulpturen aus der zeit erhalten sind \n \n \n zero \n \"mack und ich betraten die szene, als der tachismus die saisonale kunst war. als studenten hatten wir die meisten stile und bewegungen der modernen kunst , durchschwommen'. [...] wir waren gegen fast alles um uns - wie dada nach dem ersten weltkrieg - aber für was waren wir? die arbeit selbst gab uns die antwort. wir erkannten, daß sie sich aus unserer bildung, unserem denken, fühlen, unserer vorstellung ergeben konnte, ohne vorgegebene theorie. ganz einfach: wir arbeiteten, wurden gefragt, antworteten - und das ergebnis war zero. [...] meine erfahrungen im entwurf von lampen und beleuchtung, macks arbeit mit mosaik und unsere gemeinsamen projekte , serieller' grafik führten zum sehen übergeordneter phänomene: licht und vibration. die sensibilität dieser , medien' verlangte neue reinheit, nüchternheit, kontrolle, disziplin und nuance der empfindung und wachheit.\" (otto piene \"position zero\" (1965/92) zit. nach ausst.-kat. zero - eine europäische avantgarde, galerie neher, essen/galerie heseler, münchen/mittelrhein-museum koblenz, 1992/93, s. 7/8. \n \n \n ein spannender werdegang \n otto piene - mitbegründer der berühmten zero-bewegung - gilt als schlüsselfigur der internationalen nachkriegsavantgarde und bedeutender vertreter einer visionären lichtkunst. nach einem studium an der blocherer schule für innenarchitektur und kommunikationsdesign wendet er sich der bildenden kunst zu und setzt seine ausbildung an den akademien in münchen und düsseldorf sowie im fach philosophie in köln fort. \n schon früh experimentiert er mit licht, feuer und bewegung - er schafft lichtkinetische arbeiten, poetische lichtballette, die den umgebenden raum illuminieren, rauch- und feuerbilder sowie monumentale \"sky events\", in denen er den himmel als künstlerischen raum erschließt. legendär wird seine projektion eines riesigen regenbogens anlässlich der abschlussfeier der olympischen spiele 1972 in münchen. \n seit 1964 in den usa, lehrt der künstler ab 1968 am center for advanced visual studies am massachusetts institute of technology (mit) in cambridge, dessen direktor er von 1974 bis 1994 ist. 2014 wird piene der erste deutsche lichtkunstpreis verliehen. \n \n \n licht als immaterieller werkstoff und ausdruck eines künstlerischen neubeginns \n otto pienes \"lichtgeist\" von 1969 ist ein beitrag zur entwicklung einer innovativen und wegweisenden kunst, in der das licht eine zentrale rolle spielt. die vertikal aufragende plastik besteht aus einer abfolge weich modellierter, bauchiger formen, die sich rhythmisch nach oben hin verjüngen. diese staffelung erzeugt eine bewegte silhouette, die einerseits einer architektonischen ordnung folgt, andererseits an organische wachstumsprozesse erinnert. \n eine im inneren verborgene lichtquelle lässt ein warmes, gedämpftes leuchten durch die transluzente oberfläche der sanft geschwungenen formen dringen. diese modelliert die volumen, schafft fließende übergänge zwischen helligkeit und schatten und verleiht der skulptur eine geradezu atmende präsenz. auf diese weise gelingt es otto piene, das licht nicht als bloßes mittel der beleuchtung, sondern als integralen werkstoff seiner arbeit erfahrbar zu machen. der künstler begreift das licht als lebendige kraft, als verwandlung von energie in form - das unsichtbare wird sichtbar, das nichtstoffliche erfahrbar. \n pienes \"lichtgeist\" verkörpert die idee einer lichtkunst, die über das rein materielle hinausweist und eine sinnlich-räumliche, immaterielle erfahrung eröffnet. das werk ist ein maßgeblicher beitrag zum aufbruch und radikalen neubeginn der ära nach 1945, in der piene als einer ihrer bedeutendsten pioniere hervortritt. \n doris hansmann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n otto piene deutschland zero lichtkunst nachkriegskunst objekte 1960er licht objekt","en":"piene, otto \n 1928 laasphe/westphalia - 2014 berlin \n \n \n title: lichtgeist. \n \n date: 1966. \n \n technique: programmed light sculpture. glass elements (4 pieces) on metal base, electrified, with timers. \n \n measurement: 198 x ø 58cm. \n \n manufactured by royal leerdam (nl). \n \n the artwork was produced in an edition of seven for the 1966 'kunstlichtkunst' exhibition at the van abbemuseum eindhoven. due to the hand-blown glasswork, each sculpture is unique. only two original copies of that period have survived. another copy is held in the collection of the zero foundation, düsseldorf. \n \n the artwork is fully functional. \n \n we would like to thank mattijs visser, founding director of the zero foundation in düsseldorf, for his kind support. \n \n provenance: \n - alfred schmela gallery, düsseldorf \n - private collection, cologne (acquired from the previous owner in 1969) \n \n exhibition: \n - stedelijk van abbemuseum, eindhoven, 1966 \n \n \n - the 'lichtgeist' embodies the idea of 'light art' that transcends the purely material. \n \n - the opalescent white and the emitting light impulses lend the light sculpture a ghostly life of its own \n \n - a rarity on the auction market, as only a few sculptures from this period have survived \n \n zero \"mack and i entered the scene when tachism was the art of the season. as students, we had \u2018swum through\u2019 most of the styles and movements of modern art. [...] we were against almost everything around us\u2014like dada after world war i\u2014but what were we for? the work itself gave us the answer. we realized that it could arise from our education, our thinking, our feelings, our imagination, without any predetermined theory. quite simply, we worked, were asked questions, answered them\u2014and the result was zero. [...] my experience in designing lamps and lighting, mack's work with mosaics, and our joint projects in \u2018serial\u2019 graphics led to the perception of overarching phenomena: light and vibration. the sensitivity of these \u2018media\u2019 demanded new purity, sobriety, control, discipline, and nuance of perception and alertness.\" (otto piene, \u201cposition zero\u201d (1965/92), quoted from the exhibition catalog zero \u2013 eine europäische avantgarde, galerie neher, essen/galerie heseler, munich/mittelrhein-museum koblenz, 1992/93, pp. 7/8. \n \n \n an exciting career otto piene \u2013 co-founder of the famous zero movement \u2013 is considered a key figure in the international post-war avant-garde and an important representative of visionary light art. after studying at the blocherer school of interior design and communication design, he turned to the fine arts and continued his education at the academies in munich and düsseldorf, as well as in philosophy in cologne. \n early on, he experimented with light, fire, and movement, creating light-kinetic works, poetic light ballets that illuminate the surrounding space, smoke and fire images, and monumental \u201csky events\u201d in which he opens up the sky as an artistic space. his projection of a giant rainbow at the closing ceremony of the 1972 olympic games in munich became legendary. \n in the us since 1964, the artist taught at the center for advanced visual studies at the massachusetts institute of technology (mit) in cambridge from 1968, serving as its director from 1974 to 1994. in 2014, piene was awarded the first german light art prize. \n \n \n light as an immaterial material and expression of a new artistic beginning otto piene's \u201clichtgeist\u201d (light spirit) from 1969 is a contribution to the development of an innovative and groundbreaking art form in which light plays a central role. the vertically towering sculpture consists of a sequence of softly modeled, bulbous forms that taper rhythmically toward the top. this gradation creates a dynamic silhouette that follows an architectural order on the one hand and is reminiscent of organic growth processes on the other. \n a light source hidden inside allows a warm, subdued glow to penetrate the translucent surface of the gently curved forms. this shapes the volumes, creates flowing transitions between light and shadow, and gives the sculpture an almost breathing presence. in this way, otto piene succeeds in making light tangible not merely as a means of illumination, but as an integral material of his work. the artist understands light as a living force, as the transformation of energy into form\u2014the invisible becomes visible, the immaterial becomes tangible. \n piene's \u201clichtgeist\u201d embodies the idea of light art that transcends the purely material and opens up a sensual, spatial, immaterial experience. the work is a significant contribution to the awakening and radical new beginning of the post-1945 era, in which piene emerges as one of its most important pioneers. \n doris hansmann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n otto piene germany zero light art post-war art sculptures 1960s light object"},"estimateMax":100000,"lotNumber":"64","title":{"de":"otto piene: lichtgeist","en":"otto piene: lichtgeist"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29346/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":56000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:07.234Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac70,000 - 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yves klein: mitbegründer des \"nouveau réalisme\" - einer der wichtigsten strömungen des 20. jahrhunderts \n \n - der schwamm gehört zu yves kleins ikonischsten werkreihen, ein sinnbild seiner radikalen künstlerischen philosophie \n \n - der schwamm als träger lässt das ikb in einer außergewöhnlichen intensität und tiefe leuchten \n \n - schwämme in dieser größe werden sehr selten auf dem internationalen auktionsmarkt angeboten \n \n \n die suche nach der leere \n der legende nach sitzen drei junge männer im jahr 1947 an einem malerischen strand in südfrankreich und teilen untereinander die welt auf. einer bekommt die erde, einer die luft und einer den himmel. was nach einer anekdote über jugendliche selbstüberschätzung klingt, ist vielmehr der grundstein für eine obsession, die kunstgeschichte schreiben soll. bei den drei jungen männern handelt es sich um arman, claude pascal und yves klein. später wird klein den himmel als sein \"erstes und größtes monochrom\" beschreiben. (yves klein, zit. nach: seegers, ulli: alchemie des sehens. hermeneutische kunst im 20. jahrhundert, köln 2003, s. 102) \n yves klein wird 1928 in nizza geboren. seine eltern, beide selbst maler, bringen ihn früh mit kunst in berührung, die ihn vorerst kalt lässt. der junge klein interessiert sich mehr für musik, judo und religion.1948 tritt er der gesellschaft der rosenkreuzer bei, einer esoterisch-christlichen gemeinschaft. sie lehren ihm die kosmogonie, eine christlich-mystische vorstellung von der rückkehr des universums in einen zustand eines reinen geistes, die das ende der materiellen welt und die wiedervereinigung von wissenschaft, kunst und religion fordert. eine vorstellung, die klein zutiefst fasziniert und prägt. \n einen weiteren entscheidenden einfluss erfährt klein durch seine beschäftigung mit dem judo. ab 1947 trainiert er intensiv und reist 1952 nach japan, um sich dort als judoka ausbilden zu lassen. hier lernt er die philosophie des zen kennen. die lehre von der leere wird für ihn zu einer offenbarung. als klein 1954 nach frankreich zurückkehrt, wird dort sein titel als judoka nicht anerkannt, wodurch er nicht, wie geplant, lehren kann. ein herber rückschlag, der ihn schlussendlich zur kunst führt. die von ihm 1954 veröffentlichte broschüre \"yves klein: peintures\" markiert seinen ersten öffentlichen auftritt als künstler. von da an arbeitet er mit nahezu manischer energie: in nur sieben jahren schafft er rund 1500 werke. 1962 stirbt yves klein im alter von nur 34 jahren an einem herzinfarkt. \n \n \n blau, blau, blau \n schon früh begreift klein die monochromie als seine künstlerische ausdrucksform und wendet sich ab 1957 immer konsequenter der farbe blau zu. mit seiner ausstellung \"proposte monochrome, epoca blu\" in der mailänder galerie apollinaire läutet er offizielle seine blaue periode ein. in dieser farbe glaubt er eine sphäre zu erkennen, die frei von grenzen, frei von materie und frei vom ego ist und damit ein ort reiner existenz. die farbe selbst wird für ihn zum träger der erfahrung. seine faszination mit der farbe blau begründet er selbst wie folgt: \"das blau hat keine dimension. es steht außerhalb jeglicher dimension. während die anderen farben eine solche haben. das sind psychologische räume. das rot, zum beispiel, lässt das bild einer hitze ausstrahlenden feuerstelle entstehen. alle farben tragen konkrete assoziationen zu konkreten, materiellen oder psychologisch fassbaren vorstellungen in sich, während das blau höchstens an das meer und an den himmel denken lässt, was ja schließlich das abstrakteste in der greifbaren und sichtbaren natur ist.\" (yves klein, zit. nach: sichére, marie-anne/semin, didier (hrsg.): yves klein, le dépassement de la problématique de l'art et autres écrits, paris 2003, s. 203) \n lange sucht er nach dem perfekten blau, bis er sich schließlich dazu entscheidet es selbst zu entwickeln und 1960 unter dem namen \"international yves klein blue\" (ikb) patentieren lässt. ein akt sowohl der ästhetischen radikalität als auch der selbstinszenierung. klein erklärt damit die farbe blau offiziell zu seinem markenzeichen. \n \n \n das manifest der freiheit \n ebenfalls 1957 beginnt er die zusammenarbeit mit der pariser galeristin iris clert, die eine seiner wichtigsten förderinnen wird. bei der ersten ausstellung 1957 in der galerie wird neben den ultramarinen, monochromen gemälden ein blauer schwamm, auf einer metallstange montiert, ausgestellt. der beginn einer werkreihe, die bis heute zu den bekanntesten aus dem oeuvre kleins zählt. etwa 20 jahre später wird das hier vorgestellte werk \"éponge bleue\" von 1959 bei iris clert erworben. der intensiv ultramarinblau eingefärbten naturschwamm ist, wie schon sein prototyp aus dem jahr 1957, auf einer feinen metallstange auf einem schlichten weißen sockel befestigt. klein beschreibt, wie er den schwamm ursprünglich als arbeitsinstrument nutzt, um farbe auf den bildträger aufzutragen. als er sich eines tages den schwamm genauer ansieht, ist er fasziniert von der kombination der farbigkeit und der struktur des schwammes und beschließt den schwamm vom hilfsmittel zum kunstwerk zu erhöhen. im sinne des \"nouveau réalisme\", das klein drei jahre später mitbegründen wird, wird das alltägliche in die kunst überführt, nicht aber als abbild, wie bei duchamp, sondern transformiert. kleins ansatz bleibt spirituell: er verwandelt das banale in das erhabene. der schwamm wird zur metapher: so wie der schwamm sich mit der farbe vollsaugt, soll der betrachtende die sinnliche und geistliche erfahrung aufnehmen und in sich tragen. der schwamm wird von einem gegenstand zu einem zustand des seins. in ihm verdichtet sich die idee der leere als fülle. yves kleins blauer schwamm, der \"éponge bleue\" ist nicht bloß eine skulptur, sondern ein manifest seiner philosophie: er ist das tor zur freiheit, zur reinen sensibilität. \n sophie ballermann \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n yves klein frankreich nouveau réalisme nachkriegskunst objekte 1950er farbe objekt schwamm","en":"klein, yves \n 1928 nice - 1962 paris \n \n \n title: éponge bleue. \n \n date: 1959. \n \n technique: ikb pigment with binding agent on natural sponge. on metal rod, mounted on plinth. with glass cover. \n \n measurement: sponge: 16 x 17 x 12 cm. total height: 35cm. \n \n provenance: \n - iris clert gallery, paris \n - private collection, cologne (acquired from the previous owner in 1970) \n \n literature: \n - wember, paul (ed.): yves klein, cologne 1969, cat. rais. no. se 189 blau 1959 \n \n \n - yves klein: co-founder of 'nouveau réalisme' - one of the most important movements of the 20th century \n \n - the sponge is one of yves klein's most iconic series of works, a symbol of his radical artistic philosophy \n \n - the sponge as a support allows the ikb to shine with extraordinary intensity and depth \n \n - sponges of this size are very rarely offered on the international auction market \n \n the search for emptiness according to legend, in 1947 three young men sat on a picturesque beach in southern france and divided the world among themselves. one got the earth, one got the air, and one got the sky. what sounds like an anecdote about youthful hubris is in fact the cornerstone of an obsession that would go down in art history. the three young men were arman, claude pascal, and yves klein. klein would later describe the sky as his \u201cfirst and greatest monochrome.\u201d (yves klein, quoted in: seegers, ulli: alchemie des sehens. hermeneutische kunst im 20. jahrhundert, cologne 2003, p. 102) \n yves klein was born in nice in 1928. his parents, both painters themselves, introduced him to art at an early age, but he was initially uninterested. the young klein was more interested in music, judo, and religion. in 1948, he joined the rosicrucian society, an esoteric christian community. they taught him cosmogony, a christian-mystical concept of the return of the universe to a state of pure spirit, which calls for the end of the material world and the reunification of science, art, and religion. this concept deeply fascinated and influenced klein. \n \n klein was also significantly influenced by his involvement in judo. from 1947 onwards, he trained intensively and traveled to japan in 1952 to train as a judoka. here he became acquainted with the philosophy of zen. the doctrine of emptiness became a revelation for him. when klein returned to france in 1954, his judoka title was not recognized, which meant that he was unable to teach as planned. this was a bitter setback that ultimately led him to art. the brochure \u201cyves klein: peintures, \u201d published in 1954, marked his first public appearance as an artist. from then on, he worked with almost manic energy, creating around 1,500 works in just seven years. in 1962, yves klein died of a heart attack at the age of only 34. \n \n \n blue, blue, blue klein recognized monochrome as his artistic form of expression early on and, from 1957 onwards, turned increasingly to the color blue. with his exhibition \u201cproposte monochrome, epoca blu\u201d at the apollinaire gallery in milan, he officially heralded his blue period. in this color, he believed he recognized a sphere that was free of boundaries, free of matter, and free of ego, and thus a place of pure existence. for him, the color itself became the vehicle for experience. he explained his fascination with the color blue as follows: \"blue has no dimension. it stands outside of any dimension. whereas the other colors have one. these are psychological spaces. red, for example, conjures up the image of a fireplace radiating heat. all colors carry concrete associations with concrete, material, or psychologically tangible ideas, while blue at most makes one think of the sea and the sky, which are ultimately the most abstract things in tangible and visible nature.\" (yves klein, quoted from: sichére, marie-anne/semin, didier (eds.): yves klein, le dépassement de la problématique de l'art et autres écrits, paris 2003, p. 203) \n he searched for the perfect blue for a long time until he finally decided to develop it himself and patented it in 1960 under the name \u201cinternational yves klein blue\u201d (ikb). this was an act of both aesthetic radicalism and self-promotion. klein thus officially declared the color blue to be his trademark. \n \n \n the manifesto of freedom also in 1957, he began working with parisian gallery owner iris clert, who became one of his most important patrons. at his first exhibition at the gallery in 1957, a blue sponge mounted on a metal rod was exhibited alongside his ultramarine monochrome paintings. this marked the beginning of a series of works that remain among the best known of klein's oeuvre to this day. some 20 years later, the work presented here, \u201céponge bleue\u201d from 1959, was acquired by iris clert. like its prototype from 1957, the natural sponge, dyed an intense ultramarine blue, is mounted on a fine metal rod on a simple white pedestal. klein describes how he originally used the sponge as a working tool to apply paint to the picture carrier. one day, when he took a closer look at the sponge, he was fascinated by the combination of its color and structure and decided to elevate the sponge from a tool to a work of art. in the spirit of \u201cnouveau réalisme, \u201d which klein would co-found three years later, the everyday is transferred into art, but not as a representation, as in duchamp, but transformed. klein's approach remains spiritual: he transforms the banal into the sublime. the sponge becomes a metaphor: just as the sponge soaks up the paint, the viewer is supposed to absorb the sensual and spiritual experience and carry it within themselves. the sponge is transformed from an object into a state of being. it embodies the idea of emptiness as fullness. yves klein's blue sponge, the \u201céponge bleue, \u201d is not merely a sculpture, but a manifesto of his philosophy: it is the gateway to freedom, to pure sensitivity. \n sophie ballermann \n \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n yves klein nouveau réalisme post-war art sculptures 1950s colour object"},"estimateMax":550000,"lotNumber":"65","title":{"de":"yves klein: éponge bleue","en":"yves klein: éponge bleue"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/67602/lot/29347/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":280000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:33:07.287Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac350,000 - \u20ac550,000","currency":"EUR","id":29347,"category":{"de":"Post War Objekte","en":"Post War 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\n Montag 10 bis 18 Uhr \n<\/div>","en":"

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Day Sale: Thursday, 4 December 2025<\/p> \n


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